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mercoledì 19 luglio 2023

Wendell and Wild, il grande ritorno di Henry Selick

Sono passati quasi quattordici anni da quando nelle sale cinematografiche uscì Coraline, film d’animazione diventato subito cult. Si tratta della prima pellicola prodotta dalla Laika Studios, che negli anni seguenti Avrebbe segnato il mondo dello stop motion con i suoi film. A dirigere il progetto c’era un regista d’eccezione, che si era già cimentato nel mondo dell’animazione con film che avrebbero caratterizzato per sempre la cultura pop come A Nightmare Before Christmas e James e la pesca gigante: Henry Selick.

Per più di tredici anni Coraline è stato l’ultimo film realizzato da Selick: il regista sembrava apparentemente sparito dalle scene. Così era fino a giugno 2022, quando Netflix rilasciò sui suoi canali social il teaser trailer di un nuovo film d’animazione che sarebbe uscito ad ottobre Dello stesso anno. Il film, dal titolo Wendell and Wild, era diretto proprio da Henry Selick, che tornava finalmente nelle scene con una nuova opera fatta in collaborazione con Jordan Peele, regista che ha conquistato la sua popolarità grazie al film Get Out.
La pellicola tratta di una ragazzina, Kat, che non ha ancora superato il lutto per la perdita dei suoi genitori e ha sviluppato un carattere difficile, essendo entrata e uscita più volte dal carcere minorile. Un giorno la ragazza torna nella sua città natale, Rust Bank, per iscriversi a una scuola cattolica femminile che ha l’obiettivo di riabilitare ragazze nella sua stessa condizione. Durante una lezione di scienze tenuta dalla sorella Helley, Kat viene colpita da una misteriosa entità che le marchia la mano, rendendola una Fanciulla Infernale, una ragazza dotata di poteri soprannaturali, capace di parlare e stipulare patti con i demoni. Nel momento esatto in cui viene marchiata, Kat fa la conoscenza di Wendell e Wild, due fratelli demoni che vorrebbero creare un luna park personale nell’aldilà. La ragazza stipula un patto con i due demoni nella speranza che questi ultimi le riportino in vita i genitori, sebbene non possano effettivamente farlo. Nel corso del film Kat dovrà imparare a conoscere e controllare i suoi poteri da Fanciulla Infernale, tornare nuovamente a fidarsi degli altri e superare il lutto e il senso di colpa che prova per la morte dei suoi genitori, ritrovandosi inconsapevolmente a dover salvare la sua città dai Klaxon, una coppia di magnati costruttori di prigioni che vogliono distruggere Rusty Bank e che erano coinvolti nell’incendio che ha distrutto la Birreria dei genitori di Kat.

In realtà, la storia della produzione di Wendell and Wild comincia ben più di vent’anni prima. Lo stesso Henry Selick raccontò come i suoi due figli, all’epoca bambini, fossero così vivaci da ricordargli dei demoni. Ispirato dal loro comportamento, Selick realizzò un bozzetto dove i figli vestivano panni demoniaci. Da quel bozzetto Selick trovò l’ispirazione per una breve storia di due demoni ingannatori chiamati Wendell e Wild che si scontrano con una suora, Sister Helley, e i suoi due assistenti Kat e Raul. Henry Selick mise la storia da parte per molto tempo nonostante la sua manager Ellen Goldsmith-Vein l’avesse più volte incitato a utilizzarla come soggetto per uno dei suoi film.
Nel 2012, Comedy Central mandò in onda la prima stagione di un nuovo show, Key & Peele, serie di sketch comici condotta dai due comici Keegan-Michael Key e Jordan Peele. Selick, vedendo la serie, rimase molto colpito dal modo in cui il duo realizzava gli sketch e decise di contattarli Per collaborare con loro nella creazione di un film dalle tinte comiche. Selick riuscì ad incontrare Peele solo nel 20151. Questi fu fin da subito entusiasta di collaborare con il regista e, leggendo il soggetto di Wendell and Wild, gli chiese di lavorare al film non solo per prestare la voce a uno dei personaggi ma anche per co-dirigere, co-sceneggiare e co-produrre il film. Peele infatti suggerì a Selick di affidare la produzione del film alla sua casa di produzione personale, la Monkeypaw Productions2.

Inizialmente i lavori per il film furono molto saltuari, poiché Peele era impegnato Nella realizzazione di Get Out e Selick era ancora coinvolto in un adattamento cinematografico per A Tale Dark and Grimm di Adam Gidwitz3.
Durante la realizzazione delle concept art per i personaggi del film, Selick ebbe fin dall’inizio l’idea di basare l’aspetto di Wendell e Wild Su Peele e Key. Il regista infatti aveva realizzato i primi bozzetti a ridosso della messa in onda dell’ultima stagione di Key & Peele. Durante questi primi lavori, Selick4 Entrò in contatto con Pablo Lobato, un illustratore e caricaturista argentino, i cui lavori sono fortemente ispirati dal cubismo. Lobato non aveva mai lavorato nel mondo dell’animazione, e trasformare i suoi disegni da semplici illustrazioni 2D in modelli che sarebbero serviti alla realizzazione di personaggi si rivelò difficile all’inizio. Per realizzare i design dei personaggi principali, l’illustratore argentino decise di ricercare gli artisti che lo avevano influenzato di più e si confrontò nuovamente con Pablo Picasso. Scoprì che questi era stato influenzato dalle maschere e sculture della cultura africana, e per questo decise di realizzare i design per Kat e Raul su questi modelli. In merito ai design dei demoni, dei non-morti e delle anime dell’aldilà si decise di optare per uno stile più simmetrico e geometrico in modo da distinguerli con i vivi, che tendono ad avere volti e corpi molto più rotondi e morbidi.5 I primi esperimenti con questo approccio avvennero proprio sui design di Wendell e Wild, i primi personaggi ad ottenere delle prime bozze Da parte di Lobato. Essi ricevettero un design molto più semplice poiché Lobato aveva bisogno di “fare pratica” con i design e capire come i suoi lavori cubisti funzionassero nel mondo dell’animazione prima di passare al resto dei personaggi, in particolare gli umani. Mentre per alcuni membri del cast principale Si decise di usare come modello gli attori che li interpretavano, come nel caso di padre Bests, che è ispirato dal suo interprete James Hong, per il resto dei personaggi umani Lobato, su suggerimento di Selick, usò come ispirazione principale il musicista Sonny Rollins.
Nel 2017, a seguito del grande successo di Get Out, Peele convinse Selick che era giunto Il momento di presentare il soggetto del film a possibili produttori Applicando però alcuni cambiamenti alla storia: primo fra tutti la protagonista sarebbe stata Kat, non Helley. Il secondo cambiamento fu Il rendere l’intero cast del film multietnico. Dato che il razzismo non sarebbe stato il conflitto alla base della storia, questa scelta sarebbe stata puramente artistica, nonché un tentativo da parte di Selick di provare a integrare la sua estetica con la multietnicità. La varietà di casting non è avvenuta solo da un punto etnico ma anche per quanto riguarda la rappresentazione LGBT+ tramite Raul, ragazzo transgender la cui identità viene accettata e rispettata. Ciò si nota anche nel caso di Siobahn, che si scusa subito con lui per averlo chiamato con il suo dead name; o di come sua madre, al telefono con il presunto padre di Raul, rimarca come non si possa smettere di lottare per la salvezza di Rust Bank perché ha un figlio da crescere.

Per la colonna Sonora Selick si affidò al compositore francese Bruno Coulais6, che aveva già lavorato con il regista per Coraline, mentre per le canzoni presenti nel film, Selick decise di fare un’accurata selezione di band punk, ska e afropunk7, inserendo in particolare delle canzoni dei Fishbone, band che Selick ebbe la fortuna di conoscere negli anni ’80 e per cui diresse il videoclip musicale per uno dei loro singoli, Party at Ground Zero. L’utilizzare per lo più canzoni punk di band afroamericane8 Non servì solo a rimarcare la multi etnicità di Wendell and Wild ma anche per caratterizzare il personaggio di Kat. La musica punk è un modo, per la ragazza, di ricordare suo padre, anch’egli grande fan del genere, e viene quindi usata nelle scene iniziali di Kat, all’interno della scuola, per descrivere il suo atteggiamento ribelle. Inoltre, è anche utilizzata come scudo da parte della protagonista per allontanare quelli che per lei sono degli sconosciuti, con cui non vuole costruire nessun rapporto.
I lavori per il film iniziarono nel 2019 ma, a causa della pandemia, si decise di spostare lo studio d’animazione in Oregon, tagliare una parte del personale e dirigere le riprese telematicamente. La data d’uscita fu inoltre più Volte rimandata fino al 2022 poiché Netflix aveva deciso di imporre un limite di sei film d’animazione da rilasciare annualmente.

Elemento che colpisce subito durante la visione del film è come l’animazione e soprattutto le marionette non siano perfette9. Basta notare come i volti abbiano le classiche linee che separano la sezione degli occhi dal resto del volto, linee che indicano come vengano modificati per cambiare le espressioni dei personaggi. Anche qui c’è una forte motivazione artistica dietro. Secondo Selick, grazie alle nuove tecnologie è ormai diventato impossibile distinguere un film in stop motion da uno in CGI, pertanto l’unico modo per distinguere lo stop motion dalla CGI è proprio mantenere quelle “imperfezioni” che hanno reso questa tecnica così affascinante agli occhi del pubblico. Selick aveva intenzione di applicare queste modifiche già dai tempi di Coraline, ma per evitare varie divergenze creative decise di seguire le indicazioni datogli dallo studio per quanto riguarda la Realizzazione delle marionette. Questo tentativo di rendere il film imperfetto si nota anche per quanto riguarda l’utilizzo di un solo software per quanto riguarda lo stop motion, Dragonframe, e l’aver limitato l’uso della CGI solo in alcune scene dove sono presenti le ombre e quando la cut out animation non era sufficiente per animare a dovere le scene10.
Wendell and Wild è quello che possiamo considerare il ritorno di un grande regista, che affronta con la comicità di Key e Peele varie e diverse tematiche che vanno dal superamento del lutto al conflitto con i genitori fino al come il sistema giuridico americano avvantaggi i più ricchi a discapito di chi si trova in una condizione medio-bassa. Una grande quantità di tematiche da affrontare però porta anche a una risoluzione troppo rapida di almeno uno dei conflitti. Nel momento in cui Buffalo Belzer, il demoniaco padre di Wendell e Wild, confessa che i due fratelli demoni sono gli ultimi figli rimasti dopo aver perso gli altri, che erano scappati da lui e giunti nel mondo dei vivi, Manberg, il bidello cacciatore di demoni, intuisce Immediatamente che i demoni quelli che collezionava sono i figli di Belzer e decide di liberarli come colto in un atto d’improvviso altruismo, sebbene nel film non mostri mai atteggiamenti di questo tipo.
Ma tolto questo piccolo neo, il film dimostra come Selick abbia ancora tanto da dire von l’arte dello stop motion, e si può solo ben sperare che in un prossimo futuro riesca a darci una nuova perla al pari se non superiore a Wendell and Wild.
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NOTE

10 cit, ‘Wendell & Wild’ Director Henry Selick On embracing The Imperfection Of Stop Motion (Video Interview), di Cole Delaney, 26/10/2022, su Cartoon Brew

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mercoledì 22 marzo 2023

Del Toro’s Pinocchio e l’immortalità di una storia

Il 2022 è stato un anno in cui lo stop-motion ha brillato più che mai. Tra i tanti film usciti quest’anno quello più conosciuto è probabilmente il Pinocchio di Del Toro, un film d’animazione che il regista messicano aveva in cantiere dal lontano 2008 e che era entrato in un lungo “development hell” fino all’intervento di Netflix.
Tutto cominciò nel 2010 con l’uscita del film Non avere paura del buio (Don't Be Afraid of the Dark), che Del Toro aveva co-prodotto e co-scritto. Durante il panel di Miramax, il regista si era espresso sui prossimi progetti che aveva in cantiere, tra i quali vi era proprio un film d’animazione in stop-motion su Pinocchio, film che aveva intenzione di realizzare fin dal 2008. Le principali ispirazioni per il film erano l’adattamento animato realizzato dalla Disney e i lavori di Gris Grimly, illustratore per bambini che nel 2002 aveva realizzato varie illustrazioni proprio a una nuova edizione di Pinocchio per la Tor Books. A detta di Del Toro, le animazioni sarebbero state curate dalla Jim Henson Company, studio d’animazione specializzato nella realizzazione di animatronici e diventato noto per I Muppets, mentre la colonna sonora sarebbe stata curata da Nick Cave.

L’anno successivo, Del Toro rilasciò nuove dichiarazioni riguardo il film. A dirigere il film sarebbero stati Mark Gustafson, regista e animatore di vari film in stop motion tra cui Fantastic Mr. Fox, e Gris Grimly stesso, mentre la sceneggiatura sarebbe stata curata da Del Toro e Matthew Robbins, suo lungo collaboratore. Oltre alla Jim Henson Company, la distribuzione del film sarebbe stata curata dalla casa francese Pathé. Tuttavia è già dal 2012 che si verificarono i primi cambiamenti: Gris Grimly passò dalla direzione del film alla produzione mentre Del Toro avrebbe diretto il film con Gustafson. Le animazioni sarebbero state curate dallo studio ShadowMachine e le riprese del film sarebbero iniziate nel 2013. È sempre nel 2012 che furono rilasciate le prime concept art per il film realizzate da Guy Davis, altro lungo collaboratore di Del Toro che si sarebbe poi occupato della direzione artistica del film assieme a Curt Enderle, character designer già noto nel mondo dell’animazione per Boxtrolls e L’isola dei cani. 
Concept art di Guy Davis
Dal 2012 in poi, non riceviamo più ulteriori notizie a riguardo fino al 2017. Durante un’intervista tenuta riguardo Trollhunters, serie d’animazione realizzata dalla Dreamworks e prodotta dal regista messicano, Del Toro dichiarò che aveva ancora intenzione di lavorare al film, ma che era stato costretto a fermare il progetto per mancanza di fondi. Nonostante i problemi finanziari, il regista è riuscito ad aggiungere un nuovo membro all’interno del team di scrittori per la sceneggiatura: Patrick McHale, creatore di Over The Garden Wall e sceneggiatore di vari episodi di Adventure Time. In quello stesso anno, durante la 74esima Mostra del Cinema di Venezia, Del Toro, in un’intervista per la rivista IndieWire, dichiarò che il film poteva ancora essere realizzato ma che era necessario un budget pari o superiore ai 35 milioni di dollari. In un’intervista rilasciata per Syfy, Matthew Robbins dichiarò che aveva provato a convincere Del Toro a far convertire il progetto da un film d’animazione in stop motion a un film d’animazione in 2D per poter rientrare nei costi ma il regista messicano aveva rifiutato fermamente la scelta. Sempre a detta di Robbins, il film in 2D sarebbe passato a Joann Sfar, fumettista francese che si era distinto nel mondo dell’animazione con il suo film The rabbi’s cat.

Nel 2018 avviene l’ultima importante svolta per la produzione del film. Netflix decide di finanziare il progetto e sostituirsi alla Pathé per quanto riguarda la distribuzione, dando così inizio ai lavori effettivi per il film.   Finalmente, dopo questa lunga e travagliata produzione, il film esce ufficialmente su Netflix nel dicembre 2022 dopo aver fatto un breve giro prima nei festival e poi nelle sale a novembre negli Stati Uniti (in Italia il film fu distribuito nelle sale dal 4 all’8 dicembre dalla Lucky Red). 
Il film da un punto di vista tecnico mostra tutte le potenzialità della stop motion sia tramite le fluide animazioni gestite da ShadowMachine sia per l’intensa cura nei dettagli che è stata data sia per quanto riguarda la scenografia sia per i vari personaggi, tutti riconoscibili e in qualche modo iconici per il loro design. Nonostante l’atmosfera e l’approccio generale del film sia anti disneyano, Del Toro è riuscito comunque a tributare l’adattamento Disney strutturando il film come un musical. La colonna sonora, composta da Alexandre Desplat, lungo collaboratore di Del Toro subentrato a Nick Cave nel 2018, dà quell’atmosfera fiabesca che rende il film fruibile anche per i ragazzi.

Fin da subito ciò che ha portato a tante discussioni è stata la resa della storia da parte di Del Toro, che ha deciso di prendersi più di una libertà artistica e ha inserito temi che sembrano non avere nulla a che fare con il romanzo di Collodi, oltre ad aver stravolto sia nella caratterizzazione che nella resa del design vari personaggi a partire dalla Fata Turchina, che nel film viene sdoppiata in ben due personaggi. Questi cambiamenti da un lato sono stati ben accolti, ma dall’altro sembrano aver causato una sorta di rigetto da una parte degli spettatori (complice forse anche il fatto che, ben tre anni prima, usciva nelle sale italiane il Pinocchio di Matteo Garrone, che seguiva un approccio molto più fedele nei confronti del materiale originale) che avrebbero preferito molta più aderenza con il romanzo. 

I cambiamenti di Del Toro possono sì risultare estranianti ma paradossalmente dimostrano come il modello e la storia di Pinocchio sia immortale e scolpita per sempre nel tempo. Il film infatti racconta sempre la storia di un burattino che diventa un bambino vero, ma vista sotto un filtro diverso. Essere un bambino vero non vuol dire avere un corpo in carne e ossa ma essere una creatura finita, destinata prima o poi a morire. La morte e la sua accettazione diventano uno dei temi principali se non il motore della vicenda stessa. 

ATTENZIONE: da questo momento in poi l'articolo contiene SPOILER sulla trama del film, incluso il suo finale

Geppetto (doppiato in originale da David Bradley) infatti è un uomo che non riesce ad accettare la perdita di suo figlio Carlo (con la voce di Gregory Mann) e arriva a creare Pinocchio (sempre doppiato da Mann) quando raggiunge uno dei picchi della sua disperazione. La scena della creazione del burattino è resa in chiave orrorifica dove sembra che Geppetto stia creando un mostro di Frankenstein, che possa in qualche modo sostituire il figlio morto. Ovviamente questo suo desiderio non viene esaudito. Pinocchio è completamente diverso da Carlo non solo per come si comporta e per la sua totale ignoranza del mondo che lo circonda ma anche per il suo essere un burattino immortale. 
Illustrazione originale di Emidio Iannone
La sua immortalità è tuttavia limitata da delle regole: può “morire” tutte le volte che vuole ma più morirà, più tempo dovrà aspettare nel limbo assieme alla Morte (Tilda Swinton) prima di poter tornare in vita. L’unico modo per sfuggire da questo circolo è infrangere le regole ed essere “punito” con la mortalità. Il motivo per cui l’immortalità di Pinocchio sia così limitata è legato paradossalmente alla sua nascita. Lo Spirito del Bosco (anch'esso con la voce della Swinton), nell’animare un oggetto che nella realtà sarebbe inanimato, ha sconvolto l’equilibrio naturale del mondo, portando così sua sorella Morte a dover ristabilire l’equilibrio con nuove regole imposte al neonato burattino. La nascita di Pinocchio è insomma legata a una regola infranta e il disubbidire alle regole sarà una tematica che verrà più volte affrontata all’interno del film. 

Fin dall’inizio però viene fatta una distinzione tra le varie regole che Pinocchio infrangerà. Le regole imposte dalla Morte sull’immortalità di Pinocchio sono create da un essere superiore e cercano di mantenere un equilibrio naturale e reale. Infrangere quelle regole porta a delle conseguenze di cui bisogna prendersi le responsabilità. Cosa completamente diversa dalle regole imposte dal regime fascista a cui Pinocchio viene costretto a sottostare nel corso del film.

Il regime fascista, oltre a essere un segno tipico dell’autorialità di Del Toro, che non è nuovo all’ambientare i suoi film durante regimi totalitari, rappresenta tutti quei momenti nella storia dell’uomo dove delle persone hanno imposto con la forza la propria volontà sugli altri, volontà che ribadiscono con forza tramite l’esercizio della paura e della violenza. La scena più emblematica di questa sottomissione forzata è quella ambientata nel “Paese dei Balocchi”, che nel film diventa un campo d’addestramento per giovani balilla. Un gioco come rubabandiera si trasforma nella simulazione di una battaglia dove i bambini devono imparare a vedere il nemico perfino nel compagno. 

Ciò rende la scelta artistica di mantenere Pinocchio un burattino per tutto il film ancora più potente ed emblematica. In un mondo dove gli uomini sono costretti a trasformarsi in burattini per sopravvivere, è quasi paradossale che a ribellarsi e disubbidire sia proprio il burattino, colui che dovrebbe essere, per definizione, legato a dei fili e da essi vincolato. Scena emblematica che esalta la disubbidienza e la ribellione è l’esibizione irriverente e comica fatta da Pinocchio davanti al Duce. In questa scena Del Toro non solo si prende gioco del regime ma sembra che il regista messicano distrugga anche la figura del Pinocchio balilla utilizzata dal regime fascista.
Ovviamente la scelta di mantenere Pinocchio burattino consente al regista di affrontare la tematica del diverso e della sua accettazione nella società. Se da un lato Pinocchio incontrerà personaggi che lo vedranno solo come una fonte di guadagno da sfruttare per soldi o per la guerra, come il Conte Volpe (Christoph Waltz), accompagnato dalla sua scimmia Spazzatura (Cate Blanchett), o il Potestà (Ron Perlman), padre di Lucignolo (Finn Wolfhard), dall’altro incontrerà personaggi che, dopo averlo conosciuto e aver trascorso del tempo con lui, impareranno ad amarlo per quello che è davvero, a partire da Geppetto, co-protagonista del film che, una volta superato il suo lutto per Carlo, capirà perché lo Spirito del Bosco aveva deciso di donargli quel burattino vivente e deciderà di crescerlo come figlio. 

Altro personaggio importante per la crescita di Pinocchio è sicuramente il grillo Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor), che, come il grillo dell’adattamento disneyano, assume quasi per caso il ruolo di coscienza di Pinocchio ed è la voce narrante del film. Sebbene non riesca a guidare Pinocchio sulla buona strada e il più delle volte sia vittima di varie “morti” nel corso del film, Sebastian, da semplice scrittore girovago ossessionato dal successo per la sua autobiografia, finirà per affezionarsi talmente tanto al burattino che arriverà a “sacrificare” il suo desiderio, compenso per il suo ruolo di guida promessogli alla nascita stessa di Pinocchio, per riportarlo in vita, un’ultima volta. Il suo monologo finale, oltre a raccontare il resto della storia e a rimarcare la tematica della morte affrontata nel film, diventa ancora più potente con l’ultima scena, dove una pigna perfetta cade da un pino, quasi a simboleggiare come Pinocchio, dopo aver concluso il suo viaggio in giro per il mondo a seguito della morte di Geppetto e dei suoi amici, decida di diventare mortale ancora una volta. E come tutti gli esseri mortali, prima o poi non ci sono più.  


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mercoledì 15 marzo 2023

Il valore della solitudine (Recensione "Marcel the Shell")

Trattare di un film come “Marcel the Shell” non è facile, specialmente nella nostra epoca, un periodo in cui il cinema, inteso come esperienza in sala, è circoscritto nella mente del grande pubblico a eventi stagionali ricorrenti (come il cinefumetto di turno), a franchise duraturi e di ampio richiamo (il modello potrebbe essere quello dell’ennesimo seguito di “Fast and Furious”, di ulteriori trasposizioni di James Bond, del nuovo “Star Wars” o realtà simili) e poche eccezioni, alle volte fortunate, altre decisamente illustri come “Top Gun: Maverick” o “Avatar: La via dell’acqua”.
 
A livello nazionalpopolare la fanno da padrone prodotti legati a marchi fortemente consolidati nella cultura collettiva, determinando un inevitabile restringimento della proposta. Tale processo, tra l’altro, era già in atto da tempo per una banale questione di minore domanda, e si è concretizzato negli ultimi anni a seguito degli effetti che la pandemia ha avuto sulla vita quotidiana e sulle abitudini delle persone, pensiamo al massiccio spostamento di utenza verso le piattaforme di streaming on-demand e il web in generale. In una situazione simile tutte le certezze dell’industria cinematografica statunitense sono state messe in discussione: si punta sempre di più alla crossmedialità per cercare di rimanere al passo coi tempi. Anche i campioni d’incassi, come il succitato Avatar 2 di Cameron, raccolgono meno di quanto avrebbero potuto guadagnare in passato.
In questo scenario quanto spazio trova l’animazione? Non molto. Se la situazione in Oriente è decisamente migliore (con quattro film giapponesi e uno cinese tra i primi dieci posti del 2022 per profitti su scala mondiale), i grandi blockbuster americani zoppicano. Specifichiamo, “Minions 2 - Come Gru diventa cattivissimo” ha fatto oltre 940 milioni di dollari ed è diventato il film animato di maggior successo da quando è scoppiata l’epidemia del COVID-19, oltre che il franchise animato più fruttuoso di sempre, arrivando a superare i 4 miliardi totali di ricavi. Allo stesso modo “Il gatto con gli stivali 2 - L’ultimo desiderio’’ e “Troppo cattivi”, entrambi prodotti da DreamWorks e distribuiti dalla Universal, si sono rivelati dei colpacci, tenendo però una notevole distanza dai Minions della Illumination Entertainment. Altri titoli attesi come “Lightyear” sono stati accolti tiepidamente da pubblico e critica e l’ultimo classico Disney “Strange World” si è dimostrato un vero e proprio flop commerciale. Ciò porta major, come appunto la Disney, ad accorciare la finestra di proiezione nelle sale per i prodotti d’animazione se non, in certi casi, non prevederla affatto e sacrificare le pellicole alle rispettive piattaforme. A preoccuparsi non sono solamente i contabili dei colossi cinematografici americani ma anche la stampa specializzata e i fruitori di questi prodotti, che ravvisano un generale appiattimento contenutistico e scarso ricambio di idee. Possiamo notare che, sempre nell’ambito del mainstream, il cinema d’animazione sia tutto molto simile a sé stesso: ennesimo seguito della già celebre saga x, animazione quasi esclusivamente in computer grafica, personaggi e racconti indirizzati principalmente a famiglie, ecc. 
 
Tornando a noi, è in questo contesto complicato che si inserisce “Marcel the Shell”. Piccolo film in tecnica mista, live action in stile mockumentary e animazione in stop-motion, distribuito dalla A24 nell’estate 2022 negli Stati Uniti dopo la première al Telluride Film Festival, in Colorado, tenutasi nel Settembre 2021. Diretto da Dean Fleischer Camp, al suo debutto, scritto dallo stesso (che è anche l’interprete protagonista), Jenny Slate (doppiatrice del personaggio) e Nick Paley; oltretutto nel cast troviamo Rosa Salazar, Thomas Mann e Isabella Rossellini. Basato su una serie di tre cortometraggi ideati da Fleischer Camp e Slate, pubblicati sul canale Youtube del regista tra il 2010 e il 2014 e diventati virali, è il tenero racconto di una conchiglietta senziente che trascorre la sua semplice vita con spensieratezza e tranquillità in una grande casa adibita a B&B. 
 
Le carriere di Jenny Slate e Dean Fleischer Camp si trovavano al capolinea quando inventarono Marcel: la Slate era stata recentemente licenziata da "Saturday Night Live" dopo una stagione, Fleischer Camp sognava di fare il regista ma si sentiva bloccato a livello creativo. Fu in questo momento di incertezza che si incontrarono, Slate iniziò a parlare con una vocina buffa, una cosa tira l’altra e, con un budget di sei dollari, quarantotto ore dopo è nato “Marcel the Shell With Shoes On”. Una volta caricato su Youtube si è diffuso a macchia d'olio, e poco dopo Hollywood ha bussato alla loro porta. Il percorso per arrivare sul grande schermo è stato lungo e tortuoso. Slate e Camp si sono resi conto di non volere da un film di Marcel quello a cui puntavano i grandi studi di Hollywood. Secondo il regista: «Tutte le loro idee erano incentrate sull’inserire Marcel in un franchise di azione e avventura più tradizionale (...) Ricordo che uno studio suggerì di farlo collaborare con John Cena per combattere il crimine, o qualcosa del genere (...) Era così ovvio che il modo giusto per realizzare questo film fosse dipingere un ritratto dignitoso di Marcel in uno stile documentaristico, per raccontare una storia personale e onesta sul dolore (...) quello che non funzionava era che stavano cercando di spegnerlo. Marcel non ha bisogno di essere spazzato via, è già minuscolo in un mondo esploso e fuori misura».
 
In ogni caso, dodici anni dopo, i due hanno dovuto ripensare il proprio progetto per realizzare un lungometraggio e così hanno arruolato Kirsten Lepore come direttrice dell'animazione a capo di un gruppo di circa 50 persone. A occuparsi, nella pratica, dello straordinario processo è stato lo studio Chiodo Bros. Production [che potreste ricordare per avere firmato, tra le altre cose, il leggendario b-movie “Killer Klowns from Outer Space” (1988)]. Durante la realizzazione si è cercato di preservare il più possibile lo spirito fai-da-te, ma è stato necessario scendere a compromessi (ad esempio, sebbene inizialmente volessero imitare i corti e dunque usare un vero guscio, si è optato per una stampa 3D personalizzata, per riportare la complessità e la traslucenza della superficie di una conchiglia).
(Da sinistra verso destra) Kirsten Lepore, Dean Fleischer Camp e Jenny Slate
In merito al protagonista titolare Camp dice: «Le persone formano un legame con questo piccolo personaggio», invece secondo la Slate: «Non è sempre stato facile per me esprimere i sentimenti più duri. Iniziare a parlare con questa vocina, anche se ad altre persone sembrava strano, è stato un bel modo per metterli insieme e usare Marcel come un crogiolo per tutti quei sentimenti».
 
La storia parte in medias res da un simpatico pretesto metanarrativo con cui non solo viene delineato l’incipit della vicenda, ma ci si ricollega ai corti originali: Dean è un giovane filmmaker recentemente separatosi dalla compagna che decide di stabilirsi, in attesa di sistemazione migliore, nel bed & breakfast in cui farà la conoscenza di Marcel e della nonna Connie. Incuriosito dalle usanze e dall’indole dei due, Dean si dedicherà a un documentario amatoriale incentrato sul piccolo Marcel, che a mano a mano caricherà sul web riscuotendo una certa popolarità. La personalità di Marcel è magnetica, carismatica ma candida e innocente come quella di un bambino; dà valore ai dettagli apparentemente più insignificanti, si stupisce ed esalta con quello che altri riterrebbero banale. Il suo è un animo sì semplice e sincero, ma non lo stereotipo zuccheroso di disneyana memoria. Marcel, infatti, si porta dietro un passato infelice e traumatico, il ricordo di una grande famiglia che è stata annullata da una serie di circostanze fortuite letteralmente più grandi di loro. A caratterizzare prepotentemente la narrazione è proprio l’atmosfera malinconica di fondo: nella grande abitazione che fa da teatro degli eventi aleggia il dolore lasciato dalle ferite aperte, vessillo di un nucleo familiare andato distrutto (su più piani). Nonostante ciò, Marcel e la nonna prendono le redini di un micromondo di cui diventano quasi i numi tutelari. Portano avanti operosamente la propria routine, dando colore alla fissità e alla solitudine di un ambiente in cui occupano la stessa dimensione della polvere, ignorati da tutti. E lo fanno con positività, affrontando ogni giornata col sorriso aldilà dei rammarichi e delle difficoltà ricorrenti perché, secondo loro, ne vale la pena. Pur essendo un delizioso mollusco ciclopico con delle scarpette Marcel è mosso da sentimenti spontanei e profondamente umani, non a caso, col passare del tempo, raggiungerà le corde dell’animo di Dean; dato il continuo dialogo botta e risposta tra i due (determinato dalla stessa struttura narrativa, e dal mockumentary) Dean porterà pian piano a galla anche le sue fragilità, sciogliendo la fredda maschera di intervistatore imparziale con cui era partito. Come ricordiamo, anche il ragazzo ha un peso non indifferente sullo stomaco e non ha elaborato la separazione dalla moglie, dettaglio che lo sceneggiatore-interprete-regista ha riportato dal proprio vissuto essendo stato sposato (per poi divorziare) con la co-autrice Jenny Slate. Come contraltare della bontà e della perseveranza di Marcel c’è però una grande paura che nutre nei confronti del cambiamento. Lui e la nonna hanno raccolto i pezzi di quel che gli rimaneva e di conseguenza hanno sviluppato un legame molto stretto, essi rappresentano il canto del cigno di una comunità sull’orlo del tramonto. Per questo motivo il piccolo Marcel sviluppa un istinto protettivo malsano nei confronti della parente, e cerca di rifuggire da qualsiasi situazione o possibilità di sconvolgimento del proprio cosmo costringendosi, indirettamente, a una condizione di inamovibilità esistenziale. Di ciò la nonna è consapevole, per questo invita il nipote a correre il rischio di affrontare a viso aperto il mondo sterminato che è là fuori. Quello che si è instaurato tra i due è un equilibrio fragile e precario che prima o poi crollerà, in un modo o nell’altro. Ne avremo prova quando la casa sarà invasa da fan esagitati dei video di Marcel sui social (altra tematica interessante che il film affronta, cioè il confronto tra pubblico e comunità), che metteranno a repentaglio il loro intero sistema di vita.

Sotto il profilo prettamente tecnico il film è quadrato e compatto: un’ottima regia sulla falsariga documentaristica, dai movimenti di macchina delicati ma realistici e credibili, supportata da montaggio e fotografia di livello e da una colonna sonora tenue e raffinata di Disasterpeace [che aveva già lavorato a “It Follows” (2014)] che, all’occorrenza, sa quando esplodere e rubarsi la scena. La direzione artistica è  straordinaria a sua volta: il design del personaggio è memorabile e tutto l’immaginario fantastico è costruito sulla base delle piccole cose di tutti i giorni, quel materiale di repertorio che ci lasciamo alle spalle e il piccolo Marcel raccoglie talvolta sporco, imperfetto ma vivo e palpitante.

«Nei corti originali ho semplicemente tenuto la telecamera il più fisso possibile», ha confessato Camp, ma un lungometraggio avrebbe richiesto più dinamismo, più scenari e interazione con altri personaggi. La troupe, di circa 500 tecnici, ha lavorato per oltre un anno e il regista temeva che espandere la portata della produzione potesse privare il progetto del suo fascino low-fi e low-budget. 
Illustrazione originale di Elettra Eletto
Per unire il girato con l'animazione si è fondamentalmente dovuto girare il film due volte, una ripresa completa dal vivo e poi una ripresa completa a passo uno l'anno successivo. Su un palco per la stop-motion veniva proiettato il materiale live action dietro le miniature, cercando di ricreare l'esatta illuminazione delle riprese originali, in modo che tutti gli elementi combaciassero. È stato un processo laborioso in cui la fotocamera era bloccata su un treppiede, aggiungendo i movimenti della telecamera il tutto è diventato ancora più ingarbugliato: le singole scene sono state tracciate digitalmente durante le riprese, quindi il movimento della macchina viene riprodotto da altre macchine dotate di motion-control in grado di gestire quei dati sul palco per la stop-motion, dopodiché una telecamera motion-control si sposta, fotogramma per fotogramma, a partire dallo stesso movimento. Per il team la vera sfida è stata proprio ricreare il senso del documentario. La Lepore dirà: «Eravamo su Zoom a pianificare in continuazione ogni scatto in forma di storyboard (...) È stata anche una delle parti divertenti del farlo in stop-motion. È ciò che rende il film così legato a questa specifica procedura, non lo si sarebbe potuto fare in CG, penso che la cosa che lo rende veramente reale sia usare degli oggetti tangibili in quel modo, il cuore della tecnica sta un po’ in questo».

In sostanza, quella che possiamo ufficialmente definire l'opera prima di Dean Fleischer Camp e Jenny Slate è un film d'animazione delizioso che si inserisce in uno scacchiere alquanto caotico. Tra uscite abbastanza deboli, le consuete belle sorprese e meri placeholder per le grandi piattaforme Marcel risalta perché è un prodotto trasversale, in grado di accompagnare delicatamente lo spettatore in un umile viaggio fatto dei sentimenti più puri per poi culminare nella commovente (e incredibilmente matura) presa di consapevolezza della buffa conchiglia nella sequenza finale. Tutto questo grazie all'umiltà di fondo con cui gli autori hanno confezionato la storia a partire dal suo concepimento e per tutta la lunga gestazione, impostandola in base a messaggi universali che palesemente ignorano il concetto stesso di target per poter raggiungere tanto gli adulti quanto i bambini. Come sostenuto dalla Slate: «Nei prodotti per bambini ci sono sempre tristezza, solitudine e paura, ma questo è un film per tutti. Una cosa che cerco di fare non solo come artista, ma come persona, è appagare il bambino dentro di me. Ora ho anche imparato come genitore che, attraverso la tua arte e il tuo comportamento con altre persone, puoi in qualche modo diventare il genitore di te stesso. Gran parte di questo dipende dal permettere che una grande varietà di emozioni si preservi anche all'interno dell'individuo più piccolo. Sarebbe stato facile rendere Marcel semplicemente carino; invece penso che quello che Dean e io volessimo veramente fare, ciò che ci avrebbe fatto sentire soddisfatti, fosse mettere quante più emozioni possibili in un unico posto».

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