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mercoledì 19 luglio 2023

Wendell and Wild, il grande ritorno di Henry Selick

Sono passati quasi quattordici anni da quando nelle sale cinematografiche uscì Coraline, film d’animazione diventato subito cult. Si tratta della prima pellicola prodotta dalla Laika Studios, che negli anni seguenti Avrebbe segnato il mondo dello stop motion con i suoi film. A dirigere il progetto c’era un regista d’eccezione, che si era già cimentato nel mondo dell’animazione con film che avrebbero caratterizzato per sempre la cultura pop come A Nightmare Before Christmas e James e la pesca gigante: Henry Selick.

Per più di tredici anni Coraline è stato l’ultimo film realizzato da Selick: il regista sembrava apparentemente sparito dalle scene. Così era fino a giugno 2022, quando Netflix rilasciò sui suoi canali social il teaser trailer di un nuovo film d’animazione che sarebbe uscito ad ottobre Dello stesso anno. Il film, dal titolo Wendell and Wild, era diretto proprio da Henry Selick, che tornava finalmente nelle scene con una nuova opera fatta in collaborazione con Jordan Peele, regista che ha conquistato la sua popolarità grazie al film Get Out.
La pellicola tratta di una ragazzina, Kat, che non ha ancora superato il lutto per la perdita dei suoi genitori e ha sviluppato un carattere difficile, essendo entrata e uscita più volte dal carcere minorile. Un giorno la ragazza torna nella sua città natale, Rust Bank, per iscriversi a una scuola cattolica femminile che ha l’obiettivo di riabilitare ragazze nella sua stessa condizione. Durante una lezione di scienze tenuta dalla sorella Helley, Kat viene colpita da una misteriosa entità che le marchia la mano, rendendola una Fanciulla Infernale, una ragazza dotata di poteri soprannaturali, capace di parlare e stipulare patti con i demoni. Nel momento esatto in cui viene marchiata, Kat fa la conoscenza di Wendell e Wild, due fratelli demoni che vorrebbero creare un luna park personale nell’aldilà. La ragazza stipula un patto con i due demoni nella speranza che questi ultimi le riportino in vita i genitori, sebbene non possano effettivamente farlo. Nel corso del film Kat dovrà imparare a conoscere e controllare i suoi poteri da Fanciulla Infernale, tornare nuovamente a fidarsi degli altri e superare il lutto e il senso di colpa che prova per la morte dei suoi genitori, ritrovandosi inconsapevolmente a dover salvare la sua città dai Klaxon, una coppia di magnati costruttori di prigioni che vogliono distruggere Rusty Bank e che erano coinvolti nell’incendio che ha distrutto la Birreria dei genitori di Kat.

In realtà, la storia della produzione di Wendell and Wild comincia ben più di vent’anni prima. Lo stesso Henry Selick raccontò come i suoi due figli, all’epoca bambini, fossero così vivaci da ricordargli dei demoni. Ispirato dal loro comportamento, Selick realizzò un bozzetto dove i figli vestivano panni demoniaci. Da quel bozzetto Selick trovò l’ispirazione per una breve storia di due demoni ingannatori chiamati Wendell e Wild che si scontrano con una suora, Sister Helley, e i suoi due assistenti Kat e Raul. Henry Selick mise la storia da parte per molto tempo nonostante la sua manager Ellen Goldsmith-Vein l’avesse più volte incitato a utilizzarla come soggetto per uno dei suoi film.
Nel 2012, Comedy Central mandò in onda la prima stagione di un nuovo show, Key & Peele, serie di sketch comici condotta dai due comici Keegan-Michael Key e Jordan Peele. Selick, vedendo la serie, rimase molto colpito dal modo in cui il duo realizzava gli sketch e decise di contattarli Per collaborare con loro nella creazione di un film dalle tinte comiche. Selick riuscì ad incontrare Peele solo nel 20151. Questi fu fin da subito entusiasta di collaborare con il regista e, leggendo il soggetto di Wendell and Wild, gli chiese di lavorare al film non solo per prestare la voce a uno dei personaggi ma anche per co-dirigere, co-sceneggiare e co-produrre il film. Peele infatti suggerì a Selick di affidare la produzione del film alla sua casa di produzione personale, la Monkeypaw Productions2.

Inizialmente i lavori per il film furono molto saltuari, poiché Peele era impegnato Nella realizzazione di Get Out e Selick era ancora coinvolto in un adattamento cinematografico per A Tale Dark and Grimm di Adam Gidwitz3.
Durante la realizzazione delle concept art per i personaggi del film, Selick ebbe fin dall’inizio l’idea di basare l’aspetto di Wendell e Wild Su Peele e Key. Il regista infatti aveva realizzato i primi bozzetti a ridosso della messa in onda dell’ultima stagione di Key & Peele. Durante questi primi lavori, Selick4 Entrò in contatto con Pablo Lobato, un illustratore e caricaturista argentino, i cui lavori sono fortemente ispirati dal cubismo. Lobato non aveva mai lavorato nel mondo dell’animazione, e trasformare i suoi disegni da semplici illustrazioni 2D in modelli che sarebbero serviti alla realizzazione di personaggi si rivelò difficile all’inizio. Per realizzare i design dei personaggi principali, l’illustratore argentino decise di ricercare gli artisti che lo avevano influenzato di più e si confrontò nuovamente con Pablo Picasso. Scoprì che questi era stato influenzato dalle maschere e sculture della cultura africana, e per questo decise di realizzare i design per Kat e Raul su questi modelli. In merito ai design dei demoni, dei non-morti e delle anime dell’aldilà si decise di optare per uno stile più simmetrico e geometrico in modo da distinguerli con i vivi, che tendono ad avere volti e corpi molto più rotondi e morbidi.5 I primi esperimenti con questo approccio avvennero proprio sui design di Wendell e Wild, i primi personaggi ad ottenere delle prime bozze Da parte di Lobato. Essi ricevettero un design molto più semplice poiché Lobato aveva bisogno di “fare pratica” con i design e capire come i suoi lavori cubisti funzionassero nel mondo dell’animazione prima di passare al resto dei personaggi, in particolare gli umani. Mentre per alcuni membri del cast principale Si decise di usare come modello gli attori che li interpretavano, come nel caso di padre Bests, che è ispirato dal suo interprete James Hong, per il resto dei personaggi umani Lobato, su suggerimento di Selick, usò come ispirazione principale il musicista Sonny Rollins.
Nel 2017, a seguito del grande successo di Get Out, Peele convinse Selick che era giunto Il momento di presentare il soggetto del film a possibili produttori Applicando però alcuni cambiamenti alla storia: primo fra tutti la protagonista sarebbe stata Kat, non Helley. Il secondo cambiamento fu Il rendere l’intero cast del film multietnico. Dato che il razzismo non sarebbe stato il conflitto alla base della storia, questa scelta sarebbe stata puramente artistica, nonché un tentativo da parte di Selick di provare a integrare la sua estetica con la multietnicità. La varietà di casting non è avvenuta solo da un punto etnico ma anche per quanto riguarda la rappresentazione LGBT+ tramite Raul, ragazzo transgender la cui identità viene accettata e rispettata. Ciò si nota anche nel caso di Siobahn, che si scusa subito con lui per averlo chiamato con il suo dead name; o di come sua madre, al telefono con il presunto padre di Raul, rimarca come non si possa smettere di lottare per la salvezza di Rust Bank perché ha un figlio da crescere.

Per la colonna Sonora Selick si affidò al compositore francese Bruno Coulais6, che aveva già lavorato con il regista per Coraline, mentre per le canzoni presenti nel film, Selick decise di fare un’accurata selezione di band punk, ska e afropunk7, inserendo in particolare delle canzoni dei Fishbone, band che Selick ebbe la fortuna di conoscere negli anni ’80 e per cui diresse il videoclip musicale per uno dei loro singoli, Party at Ground Zero. L’utilizzare per lo più canzoni punk di band afroamericane8 Non servì solo a rimarcare la multi etnicità di Wendell and Wild ma anche per caratterizzare il personaggio di Kat. La musica punk è un modo, per la ragazza, di ricordare suo padre, anch’egli grande fan del genere, e viene quindi usata nelle scene iniziali di Kat, all’interno della scuola, per descrivere il suo atteggiamento ribelle. Inoltre, è anche utilizzata come scudo da parte della protagonista per allontanare quelli che per lei sono degli sconosciuti, con cui non vuole costruire nessun rapporto.
I lavori per il film iniziarono nel 2019 ma, a causa della pandemia, si decise di spostare lo studio d’animazione in Oregon, tagliare una parte del personale e dirigere le riprese telematicamente. La data d’uscita fu inoltre più Volte rimandata fino al 2022 poiché Netflix aveva deciso di imporre un limite di sei film d’animazione da rilasciare annualmente.

Elemento che colpisce subito durante la visione del film è come l’animazione e soprattutto le marionette non siano perfette9. Basta notare come i volti abbiano le classiche linee che separano la sezione degli occhi dal resto del volto, linee che indicano come vengano modificati per cambiare le espressioni dei personaggi. Anche qui c’è una forte motivazione artistica dietro. Secondo Selick, grazie alle nuove tecnologie è ormai diventato impossibile distinguere un film in stop motion da uno in CGI, pertanto l’unico modo per distinguere lo stop motion dalla CGI è proprio mantenere quelle “imperfezioni” che hanno reso questa tecnica così affascinante agli occhi del pubblico. Selick aveva intenzione di applicare queste modifiche già dai tempi di Coraline, ma per evitare varie divergenze creative decise di seguire le indicazioni datogli dallo studio per quanto riguarda la Realizzazione delle marionette. Questo tentativo di rendere il film imperfetto si nota anche per quanto riguarda l’utilizzo di un solo software per quanto riguarda lo stop motion, Dragonframe, e l’aver limitato l’uso della CGI solo in alcune scene dove sono presenti le ombre e quando la cut out animation non era sufficiente per animare a dovere le scene10.
Wendell and Wild è quello che possiamo considerare il ritorno di un grande regista, che affronta con la comicità di Key e Peele varie e diverse tematiche che vanno dal superamento del lutto al conflitto con i genitori fino al come il sistema giuridico americano avvantaggi i più ricchi a discapito di chi si trova in una condizione medio-bassa. Una grande quantità di tematiche da affrontare però porta anche a una risoluzione troppo rapida di almeno uno dei conflitti. Nel momento in cui Buffalo Belzer, il demoniaco padre di Wendell e Wild, confessa che i due fratelli demoni sono gli ultimi figli rimasti dopo aver perso gli altri, che erano scappati da lui e giunti nel mondo dei vivi, Manberg, il bidello cacciatore di demoni, intuisce Immediatamente che i demoni quelli che collezionava sono i figli di Belzer e decide di liberarli come colto in un atto d’improvviso altruismo, sebbene nel film non mostri mai atteggiamenti di questo tipo.
Ma tolto questo piccolo neo, il film dimostra come Selick abbia ancora tanto da dire von l’arte dello stop motion, e si può solo ben sperare che in un prossimo futuro riesca a darci una nuova perla al pari se non superiore a Wendell and Wild.
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NOTE

10 cit, ‘Wendell & Wild’ Director Henry Selick On embracing The Imperfection Of Stop Motion (Video Interview), di Cole Delaney, 26/10/2022, su Cartoon Brew

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mercoledì 28 giugno 2023

Horror Moth Podcast - Spider-Man: Across the Spider-Verse (S1E1)

"Spider-Man: Across the Spider-Verse", uscito nelle sale il 2 giugno 2023, è il mastodontico secondo capitolo della trilogia dello Spiderverse della Sony Illuminations. Un prodotto animato creato con una minuziosa attenzione per i dettagli e, come il precedente, innovatore nell'ambito dell'animazione.

A parlarne, tra curiosità, analisi e risate, ci sono l'host Robb P. Lestinci, il suo co-host Nicholas Gironelli e l'ospite David Decina. I tre si passeranno la parola in un viaggio multiversale in uno dei film animati più visivamente e tecnicamente impressionanti della storia. 
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PRESENTATORI
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venerdì 23 giugno 2023

Spider-Man: Into the Spider-Verse - La spettacolare ragnatela della rivoluzione animata

 "Miles Morales is a reflection of the culture in which we live. I love the fact that my son will see a Spider-Man swinging through the sky whose last name is "Morales". And judging from the response, I can see I'm not alone.1 "
(Alex Alonso)
24 Novembre 2014. Il team di hacker nord-coreano conosciuto con il nome di Lazarus Group accede ai database della Sony Pictures Entertainment e rende pubblici dati estremamente sensibili appartenenti allo studio.2 L’attacco informatico è di portata spaventosa: vengono pubblicate informazioni riguardanti i dipendenti dell’azienda e le rispettive famiglie, postati interi film non ancora rilasciati o in fase di lavorazione, e-mail private dei vertici della Sony. Tra queste alcune, scambiate tra la co-chairman Amy Beth Pascal e l’allora presidente Doug Belgrad, riguardavano il progetto di un film animato su Spider-Man che, pensato inizialmente con il semplice obiettivo di “ringiovanire” il franchise, avrebbe segnato un importante punto di svolta nella storia dell’animazione contemporanea.

Le prime informazioni che saltano fuori dalle e-mail sul film sono i due nomi di Phil Lord e Christopher Miller (coppia di filmmaker e sceneggiatori che in quello stesso ha realizzato The Lego Movie) e, assieme a loro, una data: gennaio 2015, lo “Spidey-Summit", un meeting al quale i vertici di Marvel e Sony avrebbero preso parte per discutere sul futuro cinematografico dell’iconico supereroe. Doug Belgrad a riguardo scrisse alla Pascal (nell’ennesima e-mail resa pubblica in seguito all’attacco informatico) delle buone possibilità di riuscire ad ottenere un contratto con la Marvel estremamente favorevole che avrebbe garantito alla Sony totale libertà creativa e produttiva nel progetto, nonché il ruolo di distributrice.3 
Design originali dei protagonisti ad opera di Alberto Mielgo (primo art director del progetto)


Il film verrà ufficialmente annunciato dal chairman della Sony Tom Rothman, a poca distanza dall’attacco informatico e dallo Spidey-Summit, al CinemaCon dell’Aprile 2015 a Las Vegas con il titolo di Spider-Man: Into the Spider-Verse e accompagnato da una data d’uscita: 20 luglio 2018 (in seguito posticipata al 14 dicembre dello stesso anno). Poche ma importanti le informazioni rivelate sul film in quell’occasione: è stata confermata la partecipazione al progetto di Lord e Miller, i quali avrebbero avuto sia il ruolo di produttori che di sceneggiatori4, almeno in una prima fase di scrittura, ed è stato specificato che la pellicola sarebbe stata indipendente dalle altre trasposizioni cinematografiche di Spider-Man, precedenti e successive, e in particolare dalla macrotrama del Marvel Cinematic Universe.

Nei mesi successivi al CinemaCon del 2015 i nomi di numerosi altri collaboratori sono stati annunciati e in particolare quelli dei registi Bob Persichetti, Peter Ramsey e Rodney Rothman che, affiancati da un’enorme crew di animatori composta da oltre 140 artisti fissi (arrivando a toccare i 177, la più grande mai usata dalla Sony Pictures Imageworks)56 avrebbero dato vita al film che Lord e Miller sognavano da tempo. I due filmmaker, infatti, erano in contatto con la Pascal già dall’estate del 2014 per la produzione di un film animato su Spider-Man. I due avrebbero avanzato le condizioni di trasporre sul grande schermo la storyline di Dan Slott “Spider-Verse” (2014) e di avere come protagonista Miles Morales, ma fu loro imposto di utilizzare uno stile di animazione che richiamasse quello convenzionale della Pixar, ragione per cui Lord (con un “It’s too hard to do great work there”) ha ben deciso di abbandonare il progetto allontanando di conseguenza anche il suo collaboratore Miller.7
Ma qualcosa era evidentemente cambiato all’interno del reparto creativo della Sony nei mesi subito successivi perché Lord e Miller hanno risposto a un’ultima chiamata della Pascal aderendo finalmente al progetto. I due, spinti dall’irrefrenabile desiderio di sperimentazione e novità, non avrebbero mai accettato alcun tipo di limitazione a livello creativo nella realizzazione di un loro progetto. Ebbene, la Sony era pronta ad ascoltarli e correre il rischio di produrre un film che sarebbe uscito, in tutte le sue declinazioni possibili, fuori da ogni canone. L’interesse primario, per Lord e Miller, era quello di dar vita ad un film che avesse uno stile unico e innovativo, che combinasse in modo originale la computer animation e quella tradizionale dei fumetti, qui fortemente influenzata dai lavori della fumettista italiana e co-creatrice di Miles Morales Sara Pichelli. Un cinecomic autentico quindi, che nasce dall’incontro-scontro del fumetto con il cinema e, in particolare, con l’animazione. Difatti, Into the Spider-Verse, è ispirato, proprio come volevano dal principio Lord e Miller, all’arco narrativo “Spider-Verse” (2014-2015) della saga Amazing Spider-Man (nel quale compaiono pressappoco tutte le varianti di Spider-Man fino ad allora conosciute) con influenze derivanti anche da altre storie quali “The death of Spider-Man” e i cinque numeri della mini-serie “Spider-Men”, nella quale debuttò il personaggio di Miles Morales.

Spider-Man: Into the Spider-Verse è finito così per portare con sé novità dalla portata rivoluzionaria. È la prima volta che un film d’animazione, non indipendente e ad alto budget come questo, riesce a dimostrare una tale consapevolezza delle opportunità che il disegno animato può offrire facendole convergere tutte in modo estremamente organico e creativo nella produzione di un qualcosa mai visto prima d’ora. Non si tratta però solamente dello stile d’animazione utilizzato (fortunatamente la Sony ha ceduto di fronte alle richieste di Lord e Miller abbandonando l’idea di emulare l’estetica Pixar) ma anche dell’inconsueta scelta di portare sul grande schermo uno Spider-Man che non sia il solito Peter Parker. Miles Morales (doppiato dall’attore americano Shameik Alti Moore), un classico adolescente di Brooklyn prossimo al college, figlio di un padre afro-americano e di una madre portoricana, è il protagonista del film. Ma Miles è tanto Spider-Man quanto lo è il Peter Parker a cui gli spettatori (e i lettori) sono abituati. Una novità che fortunatamente ha visto una felice risposta da parte sia del pubblico che della critica, evidenziata dal successo al botteghino con i suoi oltre $380 milioni di incassi a livello mondiale (a fronte dei “soli” $90 milioni di budget)8 e culminata nella vittoria di un Oscar come miglior film d’animazione e di numerosi altri premi.
Render di Miles Morales ©Sony Pictures Imageworks


La storia doveva originariamente essere una commedia romantica che vedeva come protagonisti Miles Morales e Spider-Gwen ma, a seguito delle diverse riscritture della sceneggiatura, questa scelta narrativa è stata eliminata, o per lo meno lasciata semi-celata, a favore di una narrazione che vedesse Miles Morales (seppur costantemente affiancato da numerosi altri Spider-Man provenienti da dimensioni parallele) come indiscusso protagonista e la sua crescita personale, non solo in quanto supereroe ma soprattutto come
persona. Il film è difatti una vera e propria storia coming-of-age: Miles è un ragazzino come tanti ad inizio pellicola ma le conseguenze del morso di un ragno radioattivo lo porteranno a maturare. Si ritroverà catapultato in un mondo, o meglio un universo, dove le scelte e le responsabilità che ne derivano hanno un enorme peso che dovrà in qualche modo esser pronto a portare con sé.

Il peso però è troppo grande, tanto che pare lo stia per schiacciare ed è qui che altri Spider-Man vengono in suo soccorso. Miles non è più solo, non è più il classico uomo ragno solitario a cui i fan dei film sono abituati, quello che riesce sempre a scamparla e a vincere il cattivo senza l’aiuto di nessuno. No, Miles ha bisogno innanzitutto di un mentore, il veterano Peter B. Parker (Jake Johnson) a insegnargli il “mestiere” di supereroe. Il ragazzo si rende conto dell’importanza di conoscere sé stesso per trovare la propria strada e allora Spider-Gwen (Hailee Steinfeld) si intrufola pian piano nella sua vita; infine realizza di non riuscire a sconfiggere da solo Kingpin (Liev Schreiber) e i suoi aiutanti (fra i quali c’è anche lo zio dello stesso Miles, Aaron Davis, doppiato dall’attore Mahershala Ali, nei panni del temibile Prowler). Un’intera “spider-squad”, composta da altre inconsuete versioni del supereroe, è lì pronta ad aiutarlo.
Tutte queste “varianti” provengono da altrettante dimensioni alternative a quella di Miles ma proprio in questo mondo finiscono per ritrovarsi. È stata la minaccia di Kingpin ad averli chiamati lì, in maniera consapevole o meno. Il gargantuesco villain di Spider-Man, che visivamente si presenta come una “testa fluttuante” che galleggia in un immenso spazio nero (che altro non è che la sua stessa enorme giacca), ha fatto costruire dalla dottoressa Octavius (che si scoprirà presto essere la dottoressa Octopus) un potente acceleratore di particelle in grado di far viaggiare tra gli universi. Kingpin vuole utilizzarlo per riportare indietro sua moglie e suo figlio, o almeno delle loro versioni alternative, e non si preoccupa minimamente delle conseguenze catastrofiche che un’azione simile può comportare.

È interessante notare che, riguardo il multiverso e le sue regole, poco viene detto allo spettatore. Non sono stati inseriti inutili spiegoni di alcun tipo sull’argomento, i personaggi non sono veramente sorpresi di trovarsi in una dimensione parallela e, così come zia May rimarrà impassibile nel ritrovarsi davanti a più Spider-Man, lo spettatore è chiamato a dare per scontate alcune dinamiche. Non si sa, ad esempio, cosa possa succedere esattamente se Kingpin usasse l’acceleratore, ma sicuramente nulla di buono, motivo per cui Miles dovrà fermarlo. La scelta di non spiegare le regole del mondo di fronte al quale lo spettatore si ritrova è stata sapientemente gestita: da una parte richiama alla memoria dello spettatore tutta una serie di narrazioni, a partire da quella dell’intricatissimo Marvel Cinematic Universe, sviluppatesi attorno a questo tema, dall’altra offre la possibilità di plasmare dietro ad esso teorie nuove e personali, lasciando ampio spazio alla pura immaginazione.
Illustrazione originale di Elettra Eletto (puoi vederne la realizzazione qui)
Così ora anche Spider-Man Noir (Nicolas Cage), Peni Parker (Kimiko Glenn) e Spider-Ham (John Mulaney) sono con Miles nella sua avventura e coesistono tutti assieme, ognuno con la propria personalità, la propria visione del mondo e… il proprio stile di animazione.


Forse è proprio questo il tratto più innovativo e rivoluzionario del film, il riuscire ad amalgamare assieme stili d’animazione differenti, anche all’interno delle stesse sequenze. Così il cartoonesco Peter Porker tira fuori un enorme martello (che ricorda quelli usati da Tom per schiacciare invano Jerry) di fronte al bianco e nero Spider-Man Noir e a Peni Parker che porta con sé un’estetica tutta nipponica, fortemente ispirata agli anime (e manga) giapponesi, che però riesce a sposarsi perfettamente con quella invece più tipicamente occidentale che caratterizza il mondo di Miles. Questa fortunata miscela di stili differenti, a sua volta, finisce per incontrare una colonna sonora altrettanto variegata e innovativa che in modo organico va a definire e rafforzare la potenza delle immagini.
Il compositore del film è l’inglese Daniel Pemberton che aderì al progetto nonostante fosse inizialmente scettico sulle opportunità che un film di supereroi animato ad alto budget potesse offrire alla sua sperimentazione artistica.9 Fortunatamente le sue preoccupazioni si rivelarono infondate e gli fu offerta, dalla Sony, la possibilità di operare in modo totalmente libero e creativo. Pemberton ha iniziato così a comporre la score del film partendo dalla fondamentale domanda di cosa un ragazzino di Brooklyn dei giorni d’oggi come Miles Morales avrebbe ascoltato. Così le più consuete sezioni sinfoniche ed orchestrali si trasformano pian piano in beat hip hop e trap che vanno a caratterizzare le sequenze d’azione più movimentate. Pemberton, nella composizione dei theme dei vari personaggi del film, ha poi utilizzato un proprio e personale metodo basato sulla semplificazione e la sintesi puntando sull’immediatezza e la riconoscibilità. Kingpin è, ad esempio, accompagnato da un tema musicale nato dal semplice suono del clic di una penna.10

La score composta da Pemberton è poirafforzata dalla presenza di una colonna sonora alla cui creazione hanno partecipato numerosi artisti internazionali tra cui Post Malone e Swae Lee (che insieme hanno realizzato il singolo, nonché main song della
soundtrack, “Sunflower” divenuto in breve tempo un successo mondiale), Jaden Smith, Nicki Minaj, Ski Mask the Slump God, Juice WRLD e XXXTENTACION. I brani, anch’essi assai eterogenei come i vari stili d’animazione utilizzati nella pellicola, non solo si sposano perfettamente con le scene nelle quali sono inseriti ma vanno spesso ad accompagnare organicamente e in modo diegetico l’intero film.11 Anche in questo caso i vari artisti sono partiti dallo stesso quesito che precedentemente si era posto Pemberton: cosa può piacere musicalmente ad un ragazzo come Miles Morales? I brani finiscono così per richiamare le più disparate sonorità passando dal puro hip hop, tipico di una certa cultura suburbana newyorkese, a sound più reggae, che evidenziano invece le origini sudamericane di Miles. La soundtrack e la score sono sempre più interconnesse e dipendenti tra loro arrivando a sovrapporsi e intrecciarsi costantemente. Un esempio fra tanti la canzone “What’s Up Danger”, prodotta da Blackway e Black Caviar, che finisce pian piano per trasformarsi senza soluzione di continuità in un brano della score di Pemberton.12
Spider-Man: Into the Spider-Verse finisce così per diventare un vero e proprio emblema della sperimentazione artistica nell’animazione (e non solo) portando con sé una nuova consapevolezza delle opportunità offerte da questo medium e offrendo ai suoi successori (primi fra tutti i suoi diretti sequel Across the Spider-Verse e Beyond the Spider-verse) una formula, o per lo meno un modus operandi, per utilizzarle al meglio, facendole convergere in un’opera organica e completa che, facendo forza sulla ragnatela degli elementi che la costituiscono, racconta in fondo una semplice storia, quella di un adolescente come tanti avviato ad un personale percorso di maturazione.

Into the Spider-Verse porta necessariamente con sé importanti riflessioni: chiunque è, e può essere, Spider-Man, non si ha bisogno di superpoteri, di una maschera o di un costume per esserlo, queste sono solamente rappresentazioni visive delle responsabilità che gravano sopra ogni essere umano e riuscire a sorreggere il loro peso è difficile a volte se si è da soli. La storia di Miles è un invito a farsi forza nella vita e ad affrontarla di petto, a esser pronti a chiedere aiuto senza vergognarsi quando si è in difficoltà, a trovare la propria strada e la propria visione del mondo, a cadere per poi rialzarsi, a sbagliare e ad aggiustare il tiro, ad amare e a perdonare.

Ognuno è Miles Morales. Ognuno può essere Spider-Man.
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NOTE
1 Alex Alonso: Reinventing Today’s Heroes, 8 Agosto 2011, intervista ad Alex Alonso su LatinRapper.com

2 Per un approfondimento sull’argomento si consiglia la visione del documentario Inside North Korea: The Cyber State (2021) di Robert Zakin.

3 Sony, Marvel Discussed Spider-Man Movie Crossover, 9 Dicembre 2014, articolo di Ben Fritz, su The Wall Street Journal

4 La sceneggiatura finale sarà però firmata da Phil Lord e Rodney Rothman.

5 Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018), 15 Aprile 2019, di Lola Landekic, su artofthetitle.com

6 La Sony Pictures Imageworks è una casa di produzione cinematografica canadese, fondata nel 1992 e appartenente alla Sony che si occupa d’animazione e di effetti speciali per il cinema. È lo studio che si è occupato della realizzazione di Spider-Man: Into the Spiderverse e del suo sequel Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023).

7‘Spider-Man’ Animated Movie Coming in 2018, 22 Aprile 2015, di Variety Staff, su Variety.com

8 Informazioni prese dal sito web boxofficemojo.com

10 Un approccio simile ha riguardato anche la composizione del tema di tutti gli altri personaggi del film come il Green Goblin, Spider-Ham e Prowler, quest’ultimo costruito attorno a un singolo suono: il verso di un elefante al quale è stato applicato un filtro vocale. A riguardo Pemberton ha detto: "A theme doesn't necessarily have to be a melodic leitmotif; it can be a sort of crazy noise. In the first film, we had that with the Prowler. The Prowler noise is very recognizable, and it's a theme, but it's just a crazy noise. Whereas Miles has themes that are more traditional, musical, melodic themes." Dall’intervista a Daniel Pemberton Spider-Man: Across the Spider-Verse Composer Daniel Pemberton Talks Multiversal Music, 2 Giugno 2023, di Owen Danoff su Screenrant.com

11 Un esempio lampante dell’uso diegetico della musica nel film sono le sequenze in cui Miles stesso canta il brano Sunflower di Post Malone e Swae Lee.

12 Una menzione speciale all’EP A Very Spidey Christmas, rilasciato pochi giorni dopo l’uscita del film e contenente 5 canzoni inedite cantate dagli attori del film (tra cui lo stesso Shameik Moore). L’idea dietro tale EP è nata da una simpatica scena del film nella quale si sente per qualche secondo una canzone natalizia a tema Spider-Man.
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mercoledì 22 marzo 2023

Del Toro’s Pinocchio e l’immortalità di una storia

Il 2022 è stato un anno in cui lo stop-motion ha brillato più che mai. Tra i tanti film usciti quest’anno quello più conosciuto è probabilmente il Pinocchio di Del Toro, un film d’animazione che il regista messicano aveva in cantiere dal lontano 2008 e che era entrato in un lungo “development hell” fino all’intervento di Netflix.
Tutto cominciò nel 2010 con l’uscita del film Non avere paura del buio (Don't Be Afraid of the Dark), che Del Toro aveva co-prodotto e co-scritto. Durante il panel di Miramax, il regista si era espresso sui prossimi progetti che aveva in cantiere, tra i quali vi era proprio un film d’animazione in stop-motion su Pinocchio, film che aveva intenzione di realizzare fin dal 2008. Le principali ispirazioni per il film erano l’adattamento animato realizzato dalla Disney e i lavori di Gris Grimly, illustratore per bambini che nel 2002 aveva realizzato varie illustrazioni proprio a una nuova edizione di Pinocchio per la Tor Books. A detta di Del Toro, le animazioni sarebbero state curate dalla Jim Henson Company, studio d’animazione specializzato nella realizzazione di animatronici e diventato noto per I Muppets, mentre la colonna sonora sarebbe stata curata da Nick Cave.

L’anno successivo, Del Toro rilasciò nuove dichiarazioni riguardo il film. A dirigere il film sarebbero stati Mark Gustafson, regista e animatore di vari film in stop motion tra cui Fantastic Mr. Fox, e Gris Grimly stesso, mentre la sceneggiatura sarebbe stata curata da Del Toro e Matthew Robbins, suo lungo collaboratore. Oltre alla Jim Henson Company, la distribuzione del film sarebbe stata curata dalla casa francese Pathé. Tuttavia è già dal 2012 che si verificarono i primi cambiamenti: Gris Grimly passò dalla direzione del film alla produzione mentre Del Toro avrebbe diretto il film con Gustafson. Le animazioni sarebbero state curate dallo studio ShadowMachine e le riprese del film sarebbero iniziate nel 2013. È sempre nel 2012 che furono rilasciate le prime concept art per il film realizzate da Guy Davis, altro lungo collaboratore di Del Toro che si sarebbe poi occupato della direzione artistica del film assieme a Curt Enderle, character designer già noto nel mondo dell’animazione per Boxtrolls e L’isola dei cani. 
Concept art di Guy Davis
Dal 2012 in poi, non riceviamo più ulteriori notizie a riguardo fino al 2017. Durante un’intervista tenuta riguardo Trollhunters, serie d’animazione realizzata dalla Dreamworks e prodotta dal regista messicano, Del Toro dichiarò che aveva ancora intenzione di lavorare al film, ma che era stato costretto a fermare il progetto per mancanza di fondi. Nonostante i problemi finanziari, il regista è riuscito ad aggiungere un nuovo membro all’interno del team di scrittori per la sceneggiatura: Patrick McHale, creatore di Over The Garden Wall e sceneggiatore di vari episodi di Adventure Time. In quello stesso anno, durante la 74esima Mostra del Cinema di Venezia, Del Toro, in un’intervista per la rivista IndieWire, dichiarò che il film poteva ancora essere realizzato ma che era necessario un budget pari o superiore ai 35 milioni di dollari. In un’intervista rilasciata per Syfy, Matthew Robbins dichiarò che aveva provato a convincere Del Toro a far convertire il progetto da un film d’animazione in stop motion a un film d’animazione in 2D per poter rientrare nei costi ma il regista messicano aveva rifiutato fermamente la scelta. Sempre a detta di Robbins, il film in 2D sarebbe passato a Joann Sfar, fumettista francese che si era distinto nel mondo dell’animazione con il suo film The rabbi’s cat.

Nel 2018 avviene l’ultima importante svolta per la produzione del film. Netflix decide di finanziare il progetto e sostituirsi alla Pathé per quanto riguarda la distribuzione, dando così inizio ai lavori effettivi per il film.   Finalmente, dopo questa lunga e travagliata produzione, il film esce ufficialmente su Netflix nel dicembre 2022 dopo aver fatto un breve giro prima nei festival e poi nelle sale a novembre negli Stati Uniti (in Italia il film fu distribuito nelle sale dal 4 all’8 dicembre dalla Lucky Red). 
Il film da un punto di vista tecnico mostra tutte le potenzialità della stop motion sia tramite le fluide animazioni gestite da ShadowMachine sia per l’intensa cura nei dettagli che è stata data sia per quanto riguarda la scenografia sia per i vari personaggi, tutti riconoscibili e in qualche modo iconici per il loro design. Nonostante l’atmosfera e l’approccio generale del film sia anti disneyano, Del Toro è riuscito comunque a tributare l’adattamento Disney strutturando il film come un musical. La colonna sonora, composta da Alexandre Desplat, lungo collaboratore di Del Toro subentrato a Nick Cave nel 2018, dà quell’atmosfera fiabesca che rende il film fruibile anche per i ragazzi.

Fin da subito ciò che ha portato a tante discussioni è stata la resa della storia da parte di Del Toro, che ha deciso di prendersi più di una libertà artistica e ha inserito temi che sembrano non avere nulla a che fare con il romanzo di Collodi, oltre ad aver stravolto sia nella caratterizzazione che nella resa del design vari personaggi a partire dalla Fata Turchina, che nel film viene sdoppiata in ben due personaggi. Questi cambiamenti da un lato sono stati ben accolti, ma dall’altro sembrano aver causato una sorta di rigetto da una parte degli spettatori (complice forse anche il fatto che, ben tre anni prima, usciva nelle sale italiane il Pinocchio di Matteo Garrone, che seguiva un approccio molto più fedele nei confronti del materiale originale) che avrebbero preferito molta più aderenza con il romanzo. 

I cambiamenti di Del Toro possono sì risultare estranianti ma paradossalmente dimostrano come il modello e la storia di Pinocchio sia immortale e scolpita per sempre nel tempo. Il film infatti racconta sempre la storia di un burattino che diventa un bambino vero, ma vista sotto un filtro diverso. Essere un bambino vero non vuol dire avere un corpo in carne e ossa ma essere una creatura finita, destinata prima o poi a morire. La morte e la sua accettazione diventano uno dei temi principali se non il motore della vicenda stessa. 

ATTENZIONE: da questo momento in poi l'articolo contiene SPOILER sulla trama del film, incluso il suo finale

Geppetto (doppiato in originale da David Bradley) infatti è un uomo che non riesce ad accettare la perdita di suo figlio Carlo (con la voce di Gregory Mann) e arriva a creare Pinocchio (sempre doppiato da Mann) quando raggiunge uno dei picchi della sua disperazione. La scena della creazione del burattino è resa in chiave orrorifica dove sembra che Geppetto stia creando un mostro di Frankenstein, che possa in qualche modo sostituire il figlio morto. Ovviamente questo suo desiderio non viene esaudito. Pinocchio è completamente diverso da Carlo non solo per come si comporta e per la sua totale ignoranza del mondo che lo circonda ma anche per il suo essere un burattino immortale. 
Illustrazione originale di Emidio Iannone
La sua immortalità è tuttavia limitata da delle regole: può “morire” tutte le volte che vuole ma più morirà, più tempo dovrà aspettare nel limbo assieme alla Morte (Tilda Swinton) prima di poter tornare in vita. L’unico modo per sfuggire da questo circolo è infrangere le regole ed essere “punito” con la mortalità. Il motivo per cui l’immortalità di Pinocchio sia così limitata è legato paradossalmente alla sua nascita. Lo Spirito del Bosco (anch'esso con la voce della Swinton), nell’animare un oggetto che nella realtà sarebbe inanimato, ha sconvolto l’equilibrio naturale del mondo, portando così sua sorella Morte a dover ristabilire l’equilibrio con nuove regole imposte al neonato burattino. La nascita di Pinocchio è insomma legata a una regola infranta e il disubbidire alle regole sarà una tematica che verrà più volte affrontata all’interno del film. 

Fin dall’inizio però viene fatta una distinzione tra le varie regole che Pinocchio infrangerà. Le regole imposte dalla Morte sull’immortalità di Pinocchio sono create da un essere superiore e cercano di mantenere un equilibrio naturale e reale. Infrangere quelle regole porta a delle conseguenze di cui bisogna prendersi le responsabilità. Cosa completamente diversa dalle regole imposte dal regime fascista a cui Pinocchio viene costretto a sottostare nel corso del film.

Il regime fascista, oltre a essere un segno tipico dell’autorialità di Del Toro, che non è nuovo all’ambientare i suoi film durante regimi totalitari, rappresenta tutti quei momenti nella storia dell’uomo dove delle persone hanno imposto con la forza la propria volontà sugli altri, volontà che ribadiscono con forza tramite l’esercizio della paura e della violenza. La scena più emblematica di questa sottomissione forzata è quella ambientata nel “Paese dei Balocchi”, che nel film diventa un campo d’addestramento per giovani balilla. Un gioco come rubabandiera si trasforma nella simulazione di una battaglia dove i bambini devono imparare a vedere il nemico perfino nel compagno. 

Ciò rende la scelta artistica di mantenere Pinocchio un burattino per tutto il film ancora più potente ed emblematica. In un mondo dove gli uomini sono costretti a trasformarsi in burattini per sopravvivere, è quasi paradossale che a ribellarsi e disubbidire sia proprio il burattino, colui che dovrebbe essere, per definizione, legato a dei fili e da essi vincolato. Scena emblematica che esalta la disubbidienza e la ribellione è l’esibizione irriverente e comica fatta da Pinocchio davanti al Duce. In questa scena Del Toro non solo si prende gioco del regime ma sembra che il regista messicano distrugga anche la figura del Pinocchio balilla utilizzata dal regime fascista.
Ovviamente la scelta di mantenere Pinocchio burattino consente al regista di affrontare la tematica del diverso e della sua accettazione nella società. Se da un lato Pinocchio incontrerà personaggi che lo vedranno solo come una fonte di guadagno da sfruttare per soldi o per la guerra, come il Conte Volpe (Christoph Waltz), accompagnato dalla sua scimmia Spazzatura (Cate Blanchett), o il Potestà (Ron Perlman), padre di Lucignolo (Finn Wolfhard), dall’altro incontrerà personaggi che, dopo averlo conosciuto e aver trascorso del tempo con lui, impareranno ad amarlo per quello che è davvero, a partire da Geppetto, co-protagonista del film che, una volta superato il suo lutto per Carlo, capirà perché lo Spirito del Bosco aveva deciso di donargli quel burattino vivente e deciderà di crescerlo come figlio. 

Altro personaggio importante per la crescita di Pinocchio è sicuramente il grillo Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor), che, come il grillo dell’adattamento disneyano, assume quasi per caso il ruolo di coscienza di Pinocchio ed è la voce narrante del film. Sebbene non riesca a guidare Pinocchio sulla buona strada e il più delle volte sia vittima di varie “morti” nel corso del film, Sebastian, da semplice scrittore girovago ossessionato dal successo per la sua autobiografia, finirà per affezionarsi talmente tanto al burattino che arriverà a “sacrificare” il suo desiderio, compenso per il suo ruolo di guida promessogli alla nascita stessa di Pinocchio, per riportarlo in vita, un’ultima volta. Il suo monologo finale, oltre a raccontare il resto della storia e a rimarcare la tematica della morte affrontata nel film, diventa ancora più potente con l’ultima scena, dove una pigna perfetta cade da un pino, quasi a simboleggiare come Pinocchio, dopo aver concluso il suo viaggio in giro per il mondo a seguito della morte di Geppetto e dei suoi amici, decida di diventare mortale ancora una volta. E come tutti gli esseri mortali, prima o poi non ci sono più.  


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