Del Toro’s Pinocchio e l’immortalità di una storia

Il 2022 è stato un anno in cui lo stop-motion ha brillato più che mai. Tra i tanti film usciti quest’anno quello più conosciuto è probabilmente il Pinocchio di Del Toro, un film d’animazione che il regista messicano aveva in cantiere dal lontano 2008 e che era entrato in un lungo “development hell” fino all’intervento di Netflix.

Tutto cominciò nel 2010 con l’uscita del film Non avere paura del buio (Don't Be Afraid of the Dark), che Del Toro aveva co-prodotto e co-scritto. Durante il panel di Miramax, il regista si era espresso sui prossimi progetti che aveva in cantiere, tra i quali vi era proprio un film d’animazione in stop-motion su Pinocchio, film che aveva intenzione di realizzare fin dal 2008. Le principali ispirazioni per il film erano l’adattamento animato realizzato dalla Disney e i lavori di Gris Grimly, illustratore per bambini che nel 2002 aveva realizzato varie illustrazioni proprio a una nuova edizione di Pinocchio per la Tor Books. A detta di Del Toro, le animazioni sarebbero state curate dalla Jim Henson Company, studio d’animazione specializzato nella realizzazione di animatronici e diventato noto per I Muppets, mentre la colonna sonora sarebbe stata curata da Nick Cave.

L’anno successivo, Del Toro rilasciò nuove dichiarazioni riguardo il film. A dirigere il film sarebbero stati Mark Gustafson, regista e animatore di vari film in stop motion tra cui Fantastic Mr. Fox, e Gris Grimly stesso, mentre la sceneggiatura sarebbe stata curata da Del Toro e Matthew Robbins, suo lungo collaboratore. Oltre alla Jim Henson Company, la distribuzione del film sarebbe stata curata dalla casa francese Pathé. Tuttavia è già dal 2012 che si verificarono i primi cambiamenti: Gris Grimly passò dalla direzione del film alla produzione mentre Del Toro avrebbe diretto il film con Gustafson. Le animazioni sarebbero state curate dallo studio ShadowMachine e le riprese del film sarebbero iniziate nel 2013. È sempre nel 2012 che furono rilasciate le prime concept art per il film realizzate da Guy Davis, altro lungo collaboratore di Del Toro che si sarebbe poi occupato della direzione artistica del film assieme a Curt Enderle, character designer già noto nel mondo dell’animazione per Boxtrolls e L’isola dei cani. 

Concept art di Guy Davis

Dal 2012 in poi, non riceviamo più ulteriori notizie a riguardo fino al 2017. Durante un’intervista tenuta riguardo Trollhunters, serie d’animazione realizzata dalla Dreamworks e prodotta dal regista messicano, Del Toro dichiarò che aveva ancora intenzione di lavorare al film, ma che era stato costretto a fermare il progetto per mancanza di fondi. Nonostante i problemi finanziari, il regista è riuscito ad aggiungere un nuovo membro all’interno del team di scrittori per la sceneggiatura: Patrick McHale, creatore di Over The Garden Wall e sceneggiatore di vari episodi di Adventure Time. In quello stesso anno, durante la 74esima Mostra del Cinema di Venezia, Del Toro, in un’intervista per la rivista IndieWire, dichiarò che il film poteva ancora essere realizzato ma che era necessario un budget pari o superiore ai 35 milioni di dollari. In un’intervista rilasciata per Syfy, Matthew Robbins dichiarò che aveva provato a convincere Del Toro a far convertire il progetto da un film d’animazione in stop motion a un film d’animazione in 2D per poter rientrare nei costi ma il regista messicano aveva rifiutato fermamente la scelta. Sempre a detta di Robbins, il film in 2D sarebbe passato a Joann Sfar, fumettista francese che si era distinto nel mondo dell’animazione con il suo film The rabbi’s cat.

Nel 2018 avviene l’ultima importante svolta per la produzione del film. Netflix decide di finanziare il progetto e sostituirsi alla Pathé per quanto riguarda la distribuzione, dando così inizio ai lavori effettivi per il film.   Finalmente, dopo questa lunga e travagliata produzione, il film esce ufficialmente su Netflix nel dicembre 2022 dopo aver fatto un breve giro prima nei festival e poi nelle sale a novembre negli Stati Uniti (in Italia il film fu distribuito nelle sale dal 4 all’8 dicembre dalla Lucky Red). 

Il film da un punto di vista tecnico mostra tutte le potenzialità della stop motion sia tramite le fluide animazioni gestite da ShadowMachine sia per l’intensa cura nei dettagli che è stata data sia per quanto riguarda la scenografia sia per i vari personaggi, tutti riconoscibili e in qualche modo iconici per il loro design. Nonostante l’atmosfera e l’approccio generale del film sia anti disneyano, Del Toro è riuscito comunque a tributare l’adattamento Disney strutturando il film come un musical. La colonna sonora, composta da Alexandre Desplat, lungo collaboratore di Del Toro subentrato a Nick Cave nel 2018, dà quell’atmosfera fiabesca che rende il film fruibile anche per i ragazzi.

Fin da subito ciò che ha portato a tante discussioni è stata la resa della storia da parte di Del Toro, che ha deciso di prendersi più di una libertà artistica e ha inserito temi che sembrano non avere nulla a che fare con il romanzo di Collodi, oltre ad aver stravolto sia nella caratterizzazione che nella resa del design vari personaggi a partire dalla Fata Turchina, che nel film viene sdoppiata in ben due personaggi. Questi cambiamenti da un lato sono stati ben accolti, ma dall’altro sembrano aver causato una sorta di rigetto da una parte degli spettatori (complice forse anche il fatto che, ben tre anni prima, usciva nelle sale italiane il Pinocchio di Matteo Garrone, che seguiva un approccio molto più fedele nei confronti del materiale originale) che avrebbero preferito molta più aderenza con il romanzo. 

I cambiamenti di Del Toro possono sì risultare estranianti ma paradossalmente dimostrano come il modello e la storia di Pinocchio sia immortale e scolpita per sempre nel tempo. Il film infatti racconta sempre la storia di un burattino che diventa un bambino vero, ma vista sotto un filtro diverso. Essere un bambino vero non vuol dire avere un corpo in carne e ossa ma essere una creatura finita, destinata prima o poi a morire. La morte e la sua accettazione diventano uno dei temi principali se non il motore della vicenda stessa. 

ATTENZIONE: da questo momento in poi l'articolo contiene SPOILER sulla trama del film, incluso il suo finale

Geppetto (doppiato in originale da David Bradley) infatti è un uomo che non riesce ad accettare la perdita di suo figlio Carlo (con la voce di Gregory Mann) e arriva a creare Pinocchio (sempre doppiato da Mann) quando raggiunge uno dei picchi della sua disperazione. La scena della creazione del burattino è resa in chiave orrorifica dove sembra che Geppetto stia creando un mostro di Frankenstein, che possa in qualche modo sostituire il figlio morto. Ovviamente questo suo desiderio non viene esaudito. Pinocchio è completamente diverso da Carlo non solo per come si comporta e per la sua totale ignoranza del mondo che lo circonda ma anche per il suo essere un burattino immortale. 

Illustrazione originale di Emidio Iannone

La sua immortalità è tuttavia limitata da delle regole: può “morire” tutte le volte che vuole ma più morirà, più tempo dovrà aspettare nel limbo assieme alla Morte (Tilda Swinton) prima di poter tornare in vita. L’unico modo per sfuggire da questo circolo è infrangere le regole ed essere “punito” con la mortalità. Il motivo per cui l’immortalità di Pinocchio sia così limitata è legato paradossalmente alla sua nascita. Lo Spirito del Bosco (anch'esso con la voce della Swinton), nell’animare un oggetto che nella realtà sarebbe inanimato, ha sconvolto l’equilibrio naturale del mondo, portando così sua sorella Morte a dover ristabilire l’equilibrio con nuove regole imposte al neonato burattino. La nascita di Pinocchio è insomma legata a una regola infranta e il disubbidire alle regole sarà una tematica che verrà più volte affrontata all’interno del film. 

Fin dall’inizio però viene fatta una distinzione tra le varie regole che Pinocchio infrangerà. Le regole imposte dalla Morte sull’immortalità di Pinocchio sono create da un essere superiore e cercano di mantenere un equilibrio naturale e reale. Infrangere quelle regole porta a delle conseguenze di cui bisogna prendersi le responsabilità. Cosa completamente diversa dalle regole imposte dal regime fascista a cui Pinocchio viene costretto a sottostare nel corso del film.

Il regime fascista, oltre a essere un segno tipico dell’autorialità di Del Toro, che non è nuovo all’ambientare i suoi film durante regimi totalitari, rappresenta tutti quei momenti nella storia dell’uomo dove delle persone hanno imposto con la forza la propria volontà sugli altri, volontà che ribadiscono con forza tramite l’esercizio della paura e della violenza. La scena più emblematica di questa sottomissione forzata è quella ambientata nel “Paese dei Balocchi”, che nel film diventa un campo d’addestramento per giovani balilla. Un gioco come rubabandiera si trasforma nella simulazione di una battaglia dove i bambini devono imparare a vedere il nemico perfino nel compagno. 

Ciò rende la scelta artistica di mantenere Pinocchio un burattino per tutto il film ancora più potente ed emblematica. In un mondo dove gli uomini sono costretti a trasformarsi in burattini per sopravvivere, è quasi paradossale che a ribellarsi e disubbidire sia proprio il burattino, colui che dovrebbe essere, per definizione, legato a dei fili e da essi vincolato. Scena emblematica che esalta la disubbidienza e la ribellione è l’esibizione irriverente e comica fatta da Pinocchio davanti al Duce. In questa scena Del Toro non solo si prende gioco del regime ma sembra che il regista messicano distrugga anche la figura del Pinocchio balilla utilizzata dal regime fascista.

Ovviamente la scelta di mantenere Pinocchio burattino consente al regista di affrontare la tematica del diverso e della sua accettazione nella società. Se da un lato Pinocchio incontrerà personaggi che lo vedranno solo come una fonte di guadagno da sfruttare per soldi o per la guerra, come il Conte Volpe (Christoph Waltz), accompagnato dalla sua scimmia Spazzatura (Cate Blanchett), o il Potestà (Ron Perlman), padre di Lucignolo (Finn Wolfhard), dall’altro incontrerà personaggi che, dopo averlo conosciuto e aver trascorso del tempo con lui, impareranno ad amarlo per quello che è davvero, a partire da Geppetto, co-protagonista del film che, una volta superato il suo lutto per Carlo, capirà perché lo Spirito del Bosco aveva deciso di donargli quel burattino vivente e deciderà di crescerlo come figlio. 

Altro personaggio importante per la crescita di Pinocchio è sicuramente il grillo Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor), che, come il grillo dell’adattamento disneyano, assume quasi per caso il ruolo di coscienza di Pinocchio ed è la voce narrante del film. Sebbene non riesca a guidare Pinocchio sulla buona strada e il più delle volte sia vittima di varie “morti” nel corso del film, Sebastian, da semplice scrittore girovago ossessionato dal successo per la sua autobiografia, finirà per affezionarsi talmente tanto al burattino che arriverà a “sacrificare” il suo desiderio, compenso per il suo ruolo di guida promessogli alla nascita stessa di Pinocchio, per riportarlo in vita, un’ultima volta. Il suo monologo finale, oltre a raccontare il resto della storia e a rimarcare la tematica della morte affrontata nel film, diventa ancora più potente con l’ultima scena, dove una pigna perfetta cade da un pino, quasi a simboleggiare come Pinocchio, dopo aver concluso il suo viaggio in giro per il mondo a seguito della morte di Geppetto e dei suoi amici, decida di diventare mortale ancora una volta. E come tutti gli esseri mortali, prima o poi non ci sono più.  

Sitografia:

• Guillermo Del Toro's Next Film To Be Horror; Also Producing Stop-Motion Pinocchio And Horror Anthology TV Series, Russ Fischer, via Slashfilm.com, 23/6/2010 
• Guillermo Del Toro Starting Stop-Motion 'Pinocchio' Feature With Henson And Pathé, Mike Fleming Jr, via Deadline.com, 17/2/2011
• Del Toro to helm ‘Pinocchio’ for Jim Henson Co., Dave McNary, via Variety.com, 10/5/2012
• New Artwork from Guillermo del Toro’s Stop-Motion Animated PINOCCHIO, Adam Chitwood, via Collider.com, 7/6/2012
• Guillermo del Toro's Stop-Motion Movie 'Pinocchio' Adds 'Over the Garden Wall' Creator, Dave Trumbore, via Collider.com, 23/1/2017 
• Guillermo del Toro’s ‘Pinocchio’ Isn’t Dead Yet, But He Needs $35 Million to Make It, Zack Sharf, via Indiewire.com, 31/8/2017 
• Guillermo del Toro Directing ‘Pinocchio’ for Netflix, Brent Lang, via Variety.com, 22/10/2018
• Long-awaited ‘Pinocchio’ by Guillermo del Toro will finally become a movie at Netflix, Liliia Lytvyn, via Arthive.com, 31/10/2018 
• Guillermo Del Toro's Pinocchio 'as far as you can get' from Disney version, says one of film's writers, Josh Weiss, via Syfy.com, 27/10/2020 
• Guy Davis Artworks 
• Pagina IMDb Curt Enderle 
• Pagina IMDb Mark Gustafson
• Pagina IMDb Gris Grimly

ARTICOLO DI

ILLUSTRAZIONE DI

REVISIONE DI

Il film horror della Dreamworks dimenticato dal tempo - Orrori Perduti: "Alma"

In una fredda giornata d'inverno, una bambina di nome Alma trova un muro pieno di nomi di bambini e decide di aggiungere il suo prima di rimmetersi in cammino, imbattendosi in un negozio di bambole dove è esposto un bambolotto con le sue esatte fattezze, compreso il vestiario. Ovviamente, la ragazzina, cercherà di entrare per analizzare più da vicino la criptica bambola, ma, se entrare sarà piuttosto facile, uscire dal negozio si rivelerà impossibile. Una volta messo piede all'interno del vuoto e tetro locale, infatti, mentre un bambolotto con bici continuerà a sbattere incessantemente sulla porta come in cerca di fuga, Alma cercherà il pupazzo che la rassomigliava il quale, misteriosamente, cambierà posizione, come teletrasportato. Una volta ritrovata la sua bambola, Alma la toccherà, finendoci dentro, intrappolata dentro un corpo inanimato capace solamente ed unicamente di muovere i suoi occhi di vetro così come decine come lei. Con Alma in trappola in uno scaffale, una nuova bambola, raffigurante una ragazza in rosso, prende il suo posto sulla vetrina. 

Questa è la sinossi di "Alma", un inquietante corto animato in CGI del 2009 diretto dall'ex animatore Pixar Rodrigo Blaas e presentato a vari festival, vincitore di vari premi a diversi festival del genere come l'Animacor - Internation Animation Festival spagnolo, il Fantastic Fest e il L.A. Shorts Festival.

Visto l'enorme successo e la qualità indubbia del corto, con la sua attenzione ai dettagli e la sua macabra atmosfera, non stupirà sapere che, nel 2010, si era pensato ad un'adattamento cinematografico del corto sotto forma di un lungometraggio diretto sempre da Rodrigo Blaas, che aveva già lavorato come animatore dei personaggi di "WALL-E", "Ratatouille" e "Up" per Pixar, prodotto dalla DreamWorks e con Guillermo Del Toro come produttore esecutivo. Il film, già solo per la premessa brillante e Del Toro, insomma, aveva tutte le carte in regola per diventare un successo. 

Nel novembre del 2011, Megan Holley, sceneggiatrice di "Sunshine Cleaning" del 2008, viene ingaggiata per scrivere lo script e, nel 2012, Del Toro afferma che il film era nel mezzo dello sviluppo visivo: "Sono solo il produttore esecutivo", affermò Del Toro, "ma sto aiutando a dare forma alla storia e sto partecipando alla progettazione. Ora siamo nella fase dello sviluppo visivo, quindi siamo un po' più avanti di Trollhunters perché ero impegnato a girare Pacific Rim".

Ironicamente, quando Trollhunters, diretto da Del Toro e co-diretto da Blaas, debuttò l'8 Ottobre 2016, di "Alma" non si sapeva più nulla da quattro anni. Per anni non si è più parlato del progetto, nemmeno quando il corto venne selezionato per esser proiettato su grande schermo come parte del programma "Destino Hollywood (and Beyond)" del Museum of Modern Art (MoMA) di New York per la serie “From Doodles to Pixels: Over a Hundred Years of Spanish Animation”, incentrata sul mettere sotto i riflettori l'industria animata spagnola. Del Toro citò per l'ultima volta il corto, senza menzione di un film, nel 2016 in un tweet dove linkava il video YouTube consigliandone la visione. 

Non è una novità che molte delle opere di Del Toro finiscano nel dimenticatoio, ma "Alma" è quello che, forse, più sarebbe stato interessante vedere realizzato e proiettato nei grandi schermi. Inoltre, come confermato da Del Toro nell'intervista prima citata, la pellicola fu in effetti in produzione, ergo qualcosa venne fatto, che siano solo la sceneggiatura o semplici bozzetti, comunque, da qualche parte, materiale mai rilasciato del film esiste, ma, purtroppo, con ogni probabilità, mai verrà alla luce. Sarebbe interessante, però, scoprire quale fosse l'oscuro segreto del negozio e quali indicibili orrori avessero vissuto i suoi vari "ospiti", non trovate?

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Potete vedere il corto originale di "Alma" gratuitamente su YouTube cliccando qui.

Una madre da cui stare lontani (Recensione "Mamà")

Nel 2013 il regista Andrés Muschietti debuttò a Hollywood con il lungometraggio La Madre (titolo originale Mama), film che si fece notare per essere stato prodotto da Guillermo del Toro. L’idea che sta alla base del film è il cortometraggio che tratteremo oggi, Mamà, realizzato nel 2008. Diretto da Muschietti e scritto assieme alla sorella Barbara, che collaborerà con il fratello anche per La Madre, il film ha colpito del Toro a tal punto da definirlo come “una delle sequenze più terrificanti che io abbia mai visto”.

Protagoniste del corto sono due bambine, Lily e Victoria, che devono sfuggire alla loro “mamma”, che è tornata e ha l’intenzione di portarle via. Il loro tentativo di fuga purtroppo fallirà e le due bambine dovranno cercare un riparo ma non c’è salvezza per entrambe.

Punto di forza del corto è sicuramente la costruzione della tensione tramite la regia. Il film infatti non è altro che un intero piano sequenza dove la telecamera seguirà le nostre due bambine per tutto il tempo e senza mai staccarsi da loro, se non per pochi attimi, generando così nello spettatore una forte sensazione di claustrofobia. Ad aumentare ulteriormente la tensione è la quasi totale assenza della musica, se non nel momento più alto del climax, e una fotografia cupa che contribuisce all’atmosfera inquietante.

Questa bravura registica tuttavia non compensa la quasi mancanza della sceneggiatura, che può solo in parte essere giustificata dalla durata del corto, che non supera i tre minuti, e la totale assenza di una solida idea di base che rende il film dimenticabile. La stessa “madre”, l’elemento cardine su cui si dovrebbe basare il cortometraggio, viene ridotta a semplice elemento jumpscare, talmente sappiamo poco su di lei. 

Alla fine il film non è altro che un esercizio di stile di Muschietti che potrebbe attirare chi preferisce la regia e la messa in scena alla sceneggiatura o chi ha già visto La Madre e vuole conoscere qualche retroscena a riguardo.

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Il corto è reperibile in lingua originale sul canale Youtube della Universal Pictures.

Gustosa carne umana - Orrori perduti: "El alimento del miedo"

Luglio 1971, in uno sperduto paesino messicano, all’interno di un piccolo locale di gestione familiare, parenti e amici spensierati gustano dei deliziosi tamali preparati in casa con carne freschissima, un taglio particolare e assai ricercato, nonostante di difficile reperibilità. Una carne tenera e succulenta sazia le papille gustative di tutti i clienti. Per chi non lo sapesse, il tamale è un piatto di origine messicana a base di carne trita con peperoncino piccante e farina gialla, che viene cotto avvolto nel cartoccio del granoturco, un piatto, tutto sommato, abbastanza semplice, difficile da sbagliare: la cosa fondamentale per un ottimo tamale è solo un buon taglio di carne.

E, fidatevi, Trinidad, la cuoca, ne sapeva abbastanza di tagli di carne.

Il ristorante era, infatti, mantenuto da lei e dal marito Pablo, un uomo alcolizzato e violento che non esitava di abusare e recare violenza nei confronti di moglie e figli, usando come attenuante per le sue violente gesta l’alcol che, a litri scorreva, nel suo corpo quotidianamente. Non ebbe mai alcun ostacolo, nessuna resistenza, fino a quando, un giorno, Trinidad, oramai stanca di ciò che era costretta a subire come se fosse una routine non voluta e tanto meno necessaria, fece ciò che di più ragionevole le passò per la testa: prese una mazza, una di quelle di legno duro, di quelle che ti fanno saltare i denti con un colpo ben assestato, e massacrò il marito nel sonno colpendolo ripetutamente, ancora ed ancora, fin quando non fu certa che nessuna traccia di vita potesse risiedere in un quell’ammasso di carne sanguinante.

Il passo successivo fu altrettanto ragionevole e calcolato, dopotutto avrebbe dovuto disfarsi del cadavere senza che venisse ritrovato, e cosa meglio che prendere due piccioni con una fava? Staccando i brandelli di carne dal letto di cui il colore originale era oramai indistinguibile, lo trasportò nella cucina del ristorante e, con un affilato coltellaccio che era solita usare per tagliuzzare la carne, fece esattamente ciò che faceva normalmente ogni giorno per vivere. Le braccia dell’uomo vennero spezzettate, arricchite di peperoncino piccante e farina gialla e riposte in cartocci di granturco pronti per essere serviti a tutti i suoi affamati clienti. Il corpo dell’uomo restò in cucina, sarebbero durato abbastanza ad occhio e croce, mentre la testa, probabilmente fusa con il cuscino, venne lasciata nell’ultimo luogo in cui si era posata.

Oppure no.

Forse la donna, Trinidad, non era stanca del marito Pablo, pover’uomo, magari alzava sì il gomito qualche volta, ma era uno di quegli ubriaconi bonaccioni che trasmettono allegria a chiunque sia loro intorno. Forse era la donna la squilibrata e, vedendo il saldo del ristorante, chiaramente in fallimento, pensò che, a ragione, la carne più tenera è quella dei cuccioli e che, seppur non ci fossero molti vitelli nei paraggi, vi era una scuola elementare piena di cuccioli d’uomo che ci si perdono attorno. Chi mai si sarebbe accorto di star mangiando i propri figli dopotutto?

Eppure potrebbe non essere nemmeno questa la storia, forse questa storia non è mai esistita in primo luogo, dopotutto si tratta di una leggenda popolare, una di quelle che cambiando negli anni, ad ogni narrazione, arricchendosi di grotteschi dettagli o impoverendosi di ben congegnati colpi di scena che il narratore precedente aveva posizionato strategicamente sul finale.

In realtà sappiamo la presunta verità su questa storia, ossia che la donna effettivamente uccise il marito e ne cucinò la testa, ma quale sia la sua veridicità non è in realtà ciò che c'interessa appurare in questa sede specifica, ciò che c’importa è quello che ha ispirato e che, similmente alla leggenda originale, resta avvolto in un alone di mistero: “El alimento del miedo” (“The Food of Fear”, “Il cibo della paura”), un film horror del 1993 diretto dal maestro dell’orrore messicano Juan López Moctezuma, uno dei cineasti preferiti del premio Oscar Guillermo Del Toro che lo annovera tra i suoi principali ispiratori dal punto di vista stilistico.

Cristina Ferrare in "Mary, Mary, Bloody Mary'

La pellicola, girata in America tra febbraio e marzo del 1993,  basata su una sceneggiatura di Jorge Victoria, ispirata alla leggenda di cui avete appena letto due variazioni, purché non attinga strettamente a nessuna di loro, risultando un’interpretazione più autoriale e originale del mito; dopotutto anche il suo “Mary, Mary, Bloody Mary” del 1974, nonostante il titolo, narra di un’artista che realizza di essere una vampira bisessuale di nome Mary (Cristina Ferrare) che semina il terrore in Messico in parallelo agli omicidi di suo padre (John Corradine), un vampiro mascherato impazzito per la fame: una storia ben lontana da quella del fantasma evocato allo specchio che siamo soliti immaginare.

La trama vedeva infatti, come protagonista, Petra (Isaura Espinosa), la moglie del proprietario di circo Don Ramón (Moctezuma stesso), responsabile della figlia dei vicini finiti in carcere per traffico di droga, Flea. Quest’ultima viene costretta da Petra a lavorare in casa e a cercare un lavoro nonostante abbia solo cinque anni, finendo per stringere amicizia con Pepito, un pagliaccio che si esibisce per strada. Tutto sfocia nell’orrido quando un satanista si avvicina al circo e inizia un rapporto amoroso con Petra, finendo per uccidere Flea che, in modo da occultarne l’omicidio per proteggere l’amante, viene servita in tamali dalla donna che avrebbe dovuto vegliare su di lei.

Juan López Moctezuma

Il film, nonostante fosse stato proiettato in diverse sale messicane, da quanto è noto, finì velocemente perso e, se non bastasse, non fu apprezzato dai pochi che ebbero l’opportunità di vederlo. Anche un altro progetto girato in parallelo del regista, morto nel 1995, un anno dopo le presunte proiezioni, è considerato ad oggi perso, “Yo el vampiro” (“I the vampire”, “Io il vampiro”), una miniserie di tre episodi su cui non si sa assolutamente nulla e che, probabilmente, non vide mai la fine delle riprese a causa del ricovero del regista in un istituto psichiatrico a causa dell’Alzheimer.

Sfortunatamente non pare esista alcuna copia dell’opera disponibile e sembra poco probabile che verrà mai rilasciato a causa della morte della quasi totalità del cast e della crew, con alcuni dei pochi ancora in vita lontani dai social network, anche se la Cineteca Nazionale Messicana ne conferma l’esistenza sul proprio portale online, lasciando speranza che una copia possa esser conservata nel loro archivio fisico.

Qualsiasi sia la realtà ed il fato del film, è improbabile che lo vedremo mai, così come è improbabile che, se in un ristorante ti venisse servita carne umana, tu potresti accorgertene,

Buon appetito.

Articolo di Robb P. Lestinci