Horror Moth Podcast - The Wild Blue Yonder e il cinema riciclato (S1E2)

In una galassia lontana dalla Terra, esiste un mondo simile al nostro, seppur completamente diverso allo stesso tempo, è "The Wild Blue Yonder", oggetto del mockumentary del 2005 di Werner Herzog.

Robb P. Lestinci e Nicholas Gironelli analizzeranno il particolare uso di stock footages (o materiale di repertorio) del film, trattando esempi simili e aprendo le porte a un nuovo cinema "riciclato", capace di donare un ulteriore significato a ciò che già esiste.

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FONTI CITATE

• ⁠The Wild Blue Yonder⁠, Werner Herzog, 2005, YouTube
• ⁠Review: The Wild Blue Yonder⁠, Nich Schager, 24 ottobre 2006, Slant Magazine
• ⁠The Wild Blue Yonder⁠, Tyson Wils, maggio 2013, Sense of Cinema
• ⁠Everything is Terrible!⁠ e il loro ⁠canale YouTube⁠
• ⁠Everything is Terrible!: The Keepers of Pre-Internet Pop Culture Finding Art in Absurdity⁠, Tarpley Hitt, 28 luglio 2019, Daily Beast
• ⁠Requiem for a Dying Planet (Music for Two Films by Werner Herzog: The White Diamond & the Wild Blue Yonder)⁠, su Spotify

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REVISIONE DI

Il valore della solitudine (Recensione "Marcel the Shell")

Trattare di un film come “Marcel the Shell” non è facile, specialmente nella nostra epoca, un periodo in cui il cinema, inteso come esperienza in sala, è circoscritto nella mente del grande pubblico a eventi stagionali ricorrenti (come il cinefumetto di turno), a franchise duraturi e di ampio richiamo (il modello potrebbe essere quello dell’ennesimo seguito di “Fast and Furious”, di ulteriori trasposizioni di James Bond, del nuovo “Star Wars” o realtà simili) e poche eccezioni, alle volte fortunate, altre decisamente illustri come “Top Gun: Maverick” o “Avatar: La via dell’acqua”.

 

A livello nazionalpopolare la fanno da padrone prodotti legati a marchi fortemente consolidati nella cultura collettiva, determinando un inevitabile restringimento della proposta. Tale processo, tra l’altro, era già in atto da tempo per una banale questione di minore domanda, e si è concretizzato negli ultimi anni a seguito degli effetti che la pandemia ha avuto sulla vita quotidiana e sulle abitudini delle persone, pensiamo al massiccio spostamento di utenza verso le piattaforme di streaming on-demand e il web in generale. In una situazione simile tutte le certezze dell’industria cinematografica statunitense sono state messe in discussione: si punta sempre di più alla crossmedialità per cercare di rimanere al passo coi tempi. Anche i campioni d’incassi, come il succitato Avatar 2 di Cameron, raccolgono meno di quanto avrebbero potuto guadagnare in passato.

In questo scenario quanto spazio trova l’animazione? Non molto. Se la situazione in Oriente è decisamente migliore (con quattro film giapponesi e uno cinese tra i primi dieci posti del 2022 per profitti su scala mondiale), i grandi blockbuster americani zoppicano. Specifichiamo, “Minions 2 - Come Gru diventa cattivissimo” ha fatto oltre 940 milioni di dollari ed è diventato il film animato di maggior successo da quando è scoppiata l’epidemia del COVID-19, oltre che il franchise animato più fruttuoso di sempre, arrivando a superare i 4 miliardi totali di ricavi. Allo stesso modo “Il gatto con gli stivali 2 - L’ultimo desiderio’’ e “Troppo cattivi”, entrambi prodotti da DreamWorks e distribuiti dalla Universal, si sono rivelati dei colpacci, tenendo però una notevole distanza dai Minions della Illumination Entertainment. Altri titoli attesi come “Lightyear” sono stati accolti tiepidamente da pubblico e critica e l’ultimo classico Disney “Strange World” si è dimostrato un vero e proprio flop commerciale. Ciò porta major, come appunto la Disney, ad accorciare la finestra di proiezione nelle sale per i prodotti d’animazione se non, in certi casi, non prevederla affatto e sacrificare le pellicole alle rispettive piattaforme. A preoccuparsi non sono solamente i contabili dei colossi cinematografici americani ma anche la stampa specializzata e i fruitori di questi prodotti, che ravvisano un generale appiattimento contenutistico e scarso ricambio di idee. Possiamo notare che, sempre nell’ambito del mainstream, il cinema d’animazione sia tutto molto simile a sé stesso: ennesimo seguito della già celebre saga x, animazione quasi esclusivamente in computer grafica, personaggi e racconti indirizzati principalmente a famiglie, ecc. 

 

Tornando a noi, è in questo contesto complicato che si inserisce “Marcel the Shell”. Piccolo film in tecnica mista, live action in stile mockumentary e animazione in stop-motion, distribuito dalla A24 nell’estate 2022 negli Stati Uniti dopo la première al Telluride Film Festival, in Colorado, tenutasi nel Settembre 2021. Diretto da Dean Fleischer Camp, al suo debutto, scritto dallo stesso (che è anche l’interprete protagonista), Jenny Slate (doppiatrice del personaggio) e Nick Paley; oltretutto nel cast troviamo Rosa Salazar, Thomas Mann e Isabella Rossellini. Basato su una serie di tre cortometraggi ideati da Fleischer Camp e Slate, pubblicati sul canale Youtube del regista tra il 2010 e il 2014 e diventati virali, è il tenero racconto di una conchiglietta senziente che trascorre la sua semplice vita con spensieratezza e tranquillità in una grande casa adibita a B&B. 

 

Le carriere di Jenny Slate e Dean Fleischer Camp si trovavano al capolinea quando inventarono Marcel: la Slate era stata recentemente licenziata da "Saturday Night Live" dopo una stagione, Fleischer Camp sognava di fare il regista ma si sentiva bloccato a livello creativo. Fu in questo momento di incertezza che si incontrarono, Slate iniziò a parlare con una vocina buffa, una cosa tira l’altra e, con un budget di sei dollari, quarantotto ore dopo è nato “Marcel the Shell With Shoes On”. Una volta caricato su Youtube si è diffuso a macchia d'olio, e poco dopo Hollywood ha bussato alla loro porta. Il percorso per arrivare sul grande schermo è stato lungo e tortuoso. Slate e Camp si sono resi conto di non volere da un film di Marcel quello a cui puntavano i grandi studi di Hollywood. Secondo il regista: «Tutte le loro idee erano incentrate sull’inserire Marcel in un franchise di azione e avventura più tradizionale (...) Ricordo che uno studio suggerì di farlo collaborare con John Cena per combattere il crimine, o qualcosa del genere (...) Era così ovvio che il modo giusto per realizzare questo film fosse dipingere un ritratto dignitoso di Marcel in uno stile documentaristico, per raccontare una storia personale e onesta sul dolore (...) quello che non funzionava era che stavano cercando di spegnerlo. Marcel non ha bisogno di essere spazzato via, è già minuscolo in un mondo esploso e fuori misura».

 

In ogni caso, dodici anni dopo, i due hanno dovuto ripensare il proprio progetto per realizzare un lungometraggio e così hanno arruolato Kirsten Lepore come direttrice dell'animazione a capo di un gruppo di circa 50 persone. A occuparsi, nella pratica, dello straordinario processo è stato lo studio Chiodo Bros. Production [che potreste ricordare per avere firmato, tra le altre cose, il leggendario b-movie “Killer Klowns from Outer Space” (1988)]. Durante la realizzazione si è cercato di preservare il più possibile lo spirito fai-da-te, ma è stato necessario scendere a compromessi (ad esempio, sebbene inizialmente volessero imitare i corti e dunque usare un vero guscio, si è optato per una stampa 3D personalizzata, per riportare la complessità e la traslucenza della superficie di una conchiglia).

(Da sinistra verso destra) Kirsten Lepore, Dean Fleischer Camp e Jenny Slate

In merito al protagonista titolare Camp dice: «Le persone formano un legame con questo piccolo personaggio», invece secondo la Slate: «Non è sempre stato facile per me esprimere i sentimenti più duri. Iniziare a parlare con questa vocina, anche se ad altre persone sembrava strano, è stato un bel modo per metterli insieme e usare Marcel come un crogiolo per tutti quei sentimenti».

 

La storia parte in medias res da un simpatico pretesto metanarrativo con cui non solo viene delineato l’incipit della vicenda, ma ci si ricollega ai corti originali: Dean è un giovane filmmaker recentemente separatosi dalla compagna che decide di stabilirsi, in attesa di sistemazione migliore, nel bed & breakfast in cui farà la conoscenza di Marcel e della nonna Connie. Incuriosito dalle usanze e dall’indole dei due, Dean si dedicherà a un documentario amatoriale incentrato sul piccolo Marcel, che a mano a mano caricherà sul web riscuotendo una certa popolarità. La personalità di Marcel è magnetica, carismatica ma candida e innocente come quella di un bambino; dà valore ai dettagli apparentemente più insignificanti, si stupisce ed esalta con quello che altri riterrebbero banale. Il suo è un animo sì semplice e sincero, ma non lo stereotipo zuccheroso di disneyana memoria. Marcel, infatti, si porta dietro un passato infelice e traumatico, il ricordo di una grande famiglia che è stata annullata da una serie di circostanze fortuite letteralmente più grandi di loro. A caratterizzare prepotentemente la narrazione è proprio l’atmosfera malinconica di fondo: nella grande abitazione che fa da teatro degli eventi aleggia il dolore lasciato dalle ferite aperte, vessillo di un nucleo familiare andato distrutto (su più piani). Nonostante ciò, Marcel e la nonna prendono le redini di un micromondo di cui diventano quasi i numi tutelari. Portano avanti operosamente la propria routine, dando colore alla fissità e alla solitudine di un ambiente in cui occupano la stessa dimensione della polvere, ignorati da tutti. E lo fanno con positività, affrontando ogni giornata col sorriso aldilà dei rammarichi e delle difficoltà ricorrenti perché, secondo loro, ne vale la pena. Pur essendo un delizioso mollusco ciclopico con delle scarpette Marcel è mosso da sentimenti spontanei e profondamente umani, non a caso, col passare del tempo, raggiungerà le corde dell’animo di Dean; dato il continuo dialogo botta e risposta tra i due (determinato dalla stessa struttura narrativa, e dal mockumentary) Dean porterà pian piano a galla anche le sue fragilità, sciogliendo la fredda maschera di intervistatore imparziale con cui era partito. Come ricordiamo, anche il ragazzo ha un peso non indifferente sullo stomaco e non ha elaborato la separazione dalla moglie, dettaglio che lo sceneggiatore-interprete-regista ha riportato dal proprio vissuto essendo stato sposato (per poi divorziare) con la co-autrice Jenny Slate. Come contraltare della bontà e della perseveranza di Marcel c’è però una grande paura che nutre nei confronti del cambiamento. Lui e la nonna hanno raccolto i pezzi di quel che gli rimaneva e di conseguenza hanno sviluppato un legame molto stretto, essi rappresentano il canto del cigno di una comunità sull’orlo del tramonto. Per questo motivo il piccolo Marcel sviluppa un istinto protettivo malsano nei confronti della parente, e cerca di rifuggire da qualsiasi situazione o possibilità di sconvolgimento del proprio cosmo costringendosi, indirettamente, a una condizione di inamovibilità esistenziale. Di ciò la nonna è consapevole, per questo invita il nipote a correre il rischio di affrontare a viso aperto il mondo sterminato che è là fuori. Quello che si è instaurato tra i due è un equilibrio fragile e precario che prima o poi crollerà, in un modo o nell’altro. Ne avremo prova quando la casa sarà invasa da fan esagitati dei video di Marcel sui social (altra tematica interessante che il film affronta, cioè il confronto tra pubblico e comunità), che metteranno a repentaglio il loro intero sistema di vita.

Sotto il profilo prettamente tecnico il film è quadrato e compatto: un’ottima regia sulla falsariga documentaristica, dai movimenti di macchina delicati ma realistici e credibili, supportata da montaggio e fotografia di livello e da una colonna sonora tenue e raffinata di Disasterpeace [che aveva già lavorato a “It Follows” (2014)] che, all’occorrenza, sa quando esplodere e rubarsi la scena. La direzione artistica è  straordinaria a sua volta: il design del personaggio è memorabile e tutto l’immaginario fantastico è costruito sulla base delle piccole cose di tutti i giorni, quel materiale di repertorio che ci lasciamo alle spalle e il piccolo Marcel raccoglie talvolta sporco, imperfetto ma vivo e palpitante.

«Nei corti originali ho semplicemente tenuto la telecamera il più fisso possibile», ha confessato Camp, ma un lungometraggio avrebbe richiesto più dinamismo, più scenari e interazione con altri personaggi. La troupe, di circa 500 tecnici, ha lavorato per oltre un anno e il regista temeva che espandere la portata della produzione potesse privare il progetto del suo fascino low-fi e low-budget. 

Illustrazione originale di Elettra Eletto

Per unire il girato con l'animazione si è fondamentalmente dovuto girare il film due volte, una ripresa completa dal vivo e poi una ripresa completa a passo uno l'anno successivo. Su un palco per la stop-motion veniva proiettato il materiale live action dietro le miniature, cercando di ricreare l'esatta illuminazione delle riprese originali, in modo che tutti gli elementi combaciassero. È stato un processo laborioso in cui la fotocamera era bloccata su un treppiede, aggiungendo i movimenti della telecamera il tutto è diventato ancora più ingarbugliato: le singole scene sono state tracciate digitalmente durante le riprese, quindi il movimento della macchina viene riprodotto da altre macchine dotate di motion-control in grado di gestire quei dati sul palco per la stop-motion, dopodiché una telecamera motion-control si sposta, fotogramma per fotogramma, a partire dallo stesso movimento. Per il team la vera sfida è stata proprio ricreare il senso del documentario. La Lepore dirà: «Eravamo su Zoom a pianificare in continuazione ogni scatto in forma di storyboard (...) È stata anche una delle parti divertenti del farlo in stop-motion. È ciò che rende il film così legato a questa specifica procedura, non lo si sarebbe potuto fare in CG, penso che la cosa che lo rende veramente reale sia usare degli oggetti tangibili in quel modo, il cuore della tecnica sta un po’ in questo».

In sostanza, quella che possiamo ufficialmente definire l'opera prima di Dean Fleischer Camp e Jenny Slate è un film d'animazione delizioso che si inserisce in uno scacchiere alquanto caotico. Tra uscite abbastanza deboli, le consuete belle sorprese e meri placeholder per le grandi piattaforme Marcel risalta perché è un prodotto trasversale, in grado di accompagnare delicatamente lo spettatore in un umile viaggio fatto dei sentimenti più puri per poi culminare nella commovente (e incredibilmente matura) presa di consapevolezza della buffa conchiglia nella sequenza finale. Tutto questo grazie all'umiltà di fondo con cui gli autori hanno confezionato la storia a partire dal suo concepimento e per tutta la lunga gestazione, impostandola in base a messaggi universali che palesemente ignorano il concetto stesso di target per poter raggiungere tanto gli adulti quanto i bambini. Come sostenuto dalla Slate: «Nei prodotti per bambini ci sono sempre tristezza, solitudine e paura, ma questo è un film per tutti. Una cosa che cerco di fare non solo come artista, ma come persona, è appagare il bambino dentro di me. Ora ho anche imparato come genitore che, attraverso la tua arte e il tuo comportamento con altre persone, puoi in qualche modo diventare il genitore di te stesso. Gran parte di questo dipende dal permettere che una grande varietà di emozioni si preservi anche all'interno dell'individuo più piccolo. Sarebbe stato facile rendere Marcel semplicemente carino; invece penso che quello che Dean e io volessimo veramente fare, ciò che ci avrebbe fatto sentire soddisfatti, fosse mettere quante più emozioni possibili in un unico posto».

BIBLIOGRAFIA e VISIONI CONSIGLIATE

• They'll always have 'Marcel the Shell with Shoes On', AP News, 2022
• Behind the scenes of 'Marcel the Shell with Shoes On', The New York Times, 2022
• Inside the Animation And Heart of 'Marcel the Shell with Shoes On', canale Youtube 'Oscars', 2022

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Incubi ritrovati dal Texas - Intervista a Thomas Burke

Lo scorso anno, per puro caso, stavo cercando un film horror giapponese che definirlo di nicchia è un eufemismo e l'unica traccia che esistesse realmente era un log su letterboxd di un tale "Tom". Trovato un suo contatto, gli ho scritto una mail alla quale ha rapidamente risposto dandomi delucidazioni sul film e un modo per vederlo. Non sapevo ancora che quel Tom, o meglio, Thomas Burke, era un regista ed un vero e proprio esperto del genere. Dopo i primi corti universitari ed alcuni ruoli minori in varie produzioni, Thomas ha diretto "Camping Fun" nel 2020, un cortometraggio found footage visionabile gratuitamente su YouTube, e, quest'anno [ndr: 2022], un altro corto, che ho avuto l'onore di vedere in anteprima, addirittura in una versione non ancora definitiva, "SHC: Freak Accident". Sempre quest'anno ha lavorato a un rimontaggio totale ed a scene aggiuntive per il film di Stockton Miller "The Trident: The Land We Call Home", ribattezzato "The Barbados Project" (girato nel 2019 alle Barbados), e come montatore, sound designer e doppiatore nel fantastico "A Town Full of Ghosts", un found footage del regista Isaac Rodriguez di cui presenteremo delle anteprime in esclusiva in quest'articolo e di cui potremmo parlare più avanti. 

Senza ulteriori indugi, vi presento l'intervista che ho realizzato con Thomas riguardo i suoi film, le sue ispirazioni e i suoi progetti in cantiere:

Robb: Ciao! Ci conosciamo da un po’ ormai, ma alcuni dei nostri lettori potrebbero non essere familiari con i tuoi lavori. Come li descriveresti?

Thomas: Hmm sono di solito incasinati, ma credo di poter dire che quello è l’intento. Le trame devono essere coinvolgenti per lo spettatore e mi piace molto raccontare delle storie che possono comunicare con le persone, ma quello che mi piace di più è il prendere quell’aspetto e crearci qualcosa di nuovo- magari qualcosa di inaspettato che potrebbe anche modificare non solo la storia in generale, ma in molti casi anche il genere primario del film.

R: Hai qualche ispirazione principale?

T: Sono cresciuto interessandomi soprattutto dell’industria musicale, perciò mi son reso conto che quando si scrive qualcosa o la si crea, la musica tende ad avere un grande ruolo. Molti compositori mi ispirano, come Max Richter. Ma nei rapporti a me più vicini, i miei colleghi e collaboratori mi spingono a raffinare il mio lavoro ogni giorno.

R: Quali dei tuoi colleghi ti piacerebbe di più incontrare e perché?

T: Hmm bella domanda! Ultimamente sto facendo molto doppiaggio in Finlandia, con un direttore emergente che si chiama Kalle Saarinen. Il suo team mette insieme dei lavori veramente fenomenali, quindi mi piacerebbe un giorno incontrarli di persona.

R: Parlando del tuo lavoro di regista, qual è il film di cui sei più fiero?

T: Direi “Camping Fun” perché mi ha permesso di entrare nella comunità dell’horror found footage e non mi aspettavo che così tante persone avrebbero reagito così bene nei confronti di questo film.

R: Anche io ti ho conosciuto grazie ai film found footage! Quali sono i tuoi preferiti del genere?

T: Rispondere a questo è più difficile perché ne amo di tantissimi. Ma la mia top 5 (ad oggi) è: “The Poughkeepsie Tapes”, “Followed” (del regista Antoine Le), “1974: La posesión de Altair”, “The Blackwell Ghost Part 3” e “Lunopolis”.

“The Poughkeepsie Tapes” offre un punto di vista molto disturbante e autentico sul found footage- questo aspetto è presente anche nei primi prodotti dello stesso regista che forse ha creato uno dei migliori film found footage ad oggi conosciuti, “As Above so Below” [ndr: uscito in Italia col titolo “Necropolis - La città dei morti"]. “Followed” ha un approccio alla narrazione che non ho mai visto prima, unendo elementi di storia reale con elementi di finzione. “1974” è probabilmente uno dei film più spaventosi che abbia visto all’interno di questo genere, e propone un finale che è molto difficile da prevedere. Se hai visto “The Blackwell Ghost 1 & 2”, allora la parte 3 porta lo spettatore in una nuova trama, oltre ad una nuova ambientazione che non posso che ammirare, il modo in cui fa leva sui nervi scoperti. E “Lunopolis”, sebbene non sia perfetto, è forse uno dei migliori found footage indipendenti che sia mai stato fatto. Quando un film ti lancia in stanze segrete, viaggi nel tempo e la fine del mondo, è difficile non farsi prendere, [ride].

Uno sguardo in anteprima esclusiva ad Andrew C. Fisher e Mandy Lee Rubio sul set di "A Town Full of Ghosts" (2022, diretto da Isaac Rodriguez)

R: Rimanendo sull'argomento found footage, di recente hai lavorato a "A Town Full of Ghosts" (che ho amato), ci potresti parlare della sua produzione e della tua partecipazione ad essa?

T: Grazie! Sì, è stato molto divertente, non ho lavorato durante la parte di produzione ma ho lavorato all’editing del film e al sound design. Tuttavia conosco abbastanza la città fantasma dove è ambientato perché ci ho girato un paio dei miei primi corti. Si chiama la J. Lorraine Ghost Town- quaggiù in Texas. E il proprietario aggiunge piano a piano sempre più infrastrutture alla città, a partire dagli anni 80!

R: Pazzesco! Mi ha colpito come la città sembrasse un vero e proprio personaggio del film. Hai partecipato, con vari ruoli, anche ad altri progetti. Ci puoi parlare dei tuoi preferiti?

T: Di recente ho avuto un piccolo ruolo nel film di Gus Van Sant “Age Out”. È stato molto divertente. Io e i miei amici poi abbiamo questo inside joke che consiste nel creare questo franchise di avanguardia chiamato “Broken Glass” - ma in sostanza è solo qualcosa per scherzare perché non lo promuoviamo mai né pubblichiamo i film, è soltanto un modo divertente per girare qualcosa senza un budget e senza ulteriori pressioni. Mi sa che questa è la prima volta che sto pubblicamente affermando la sua esistenza [ride].

Anteprima esclusiva di "A Town Full of Ghosts" (2022, diretto da Isaac Rodriguez)

R: È un'esclusiva allora questa ahaha! Parlando invece di progetti che hai pubblicato, hai da poco lavorato a "The Barbados Project". Ci puoi parlare di questo film e della sua storia?

T: Sì! “The Barbados Project” è il primo found footage/creature feature a venire fuori dalle isole Barbados. Abbiamo girato tutto quanto lì, ci abbiamo messo veramente tanto; ma finalmente abbiamo completato la post-produzione e lo stiamo proiettando ad alcuni festival cinematografici. Nel film seguiamo un gruppo di giornalisti che sta cercando di scoperchiare una cospirazione dei governi di tutto il mondo che comprende dei mostri che usano i viaggi nel tempo per entrare nel nostro universo. Si tratta di un concetto completamente folle, ma lo ammiro veramente molto perché ho sempre voluto lavorare ad un film sui viaggi nel tempo, perciò dal momento in cui sono stato coinvolto, mi ci sono dedicato molto!

R: "The Barbados Project" ha un mostro gigante, come è stato realizzato e come avete creato il suo design?

T: Il mio co-regista, Stockton, ha lavorato agli effetti speciali per un po’ di tempo ormai- mentre alcuni mostri li abbiamo creati noi, altri design sono usciti dai Tippet Studios, che sono stati tanto gentili da lasciarceli usare per il film.

"The Barbados Project" (2022, diretto da Thomas Burke e Stockton Miller)

R: Il nostro staff è appassionato di film kaiju, quindi questa domanda è dovuta: se avessi l’opportunità di dirigere un film su uno dei kaiju più famosi, quale sceglieresti e perché?

T: Beh direi di sicuro Gamera perché è quello che conosco meglio. Ma parlando più in generale mi piace molto l’horror giapponese. E il regista Kôji Shiraishi è uno dei miei preferiti di sempre, quindi se avessi l’opportunità di fare un film di mostri e permettere ad alcuni dei suoi design di vedere la luce lo farei senza ombra di dubbio.

R: Anche io sono un fan dell’horror giapponese quindi mi piacerebbe chiederti se ce n’è qualcuno che hai visto di recente che ti ha veramente turbato.

T: Sì. Un film che si chiama “Celluloid Nightmares” del 1999. È molto inquietante e non penso di poterlo raccomandare [ride].

Meno turbante, più che altro spaventoso- d’altro canto mi piacerebbe consigliarti questo film chiamato “Mount Nabi” di Seiji Chiba.

R: Lo sai che ora devo vederli, vero? [Ride]

T: [Ride] buona fortuna! Sai, ora che ci penso… anche “Mount Nabi” è molto inquietante- ma secondo me è molto piacevole da vedere.

R: Al momento stai lavorando a qualcosa?

T: Sì. Sono legato ad alcuni progetti che dovrò dirigere quest’anno. Dovremmo iniziare la produzione di uno quest’estate, e poi creare l’altro durante l’inverno. Purtroppo non ti posso dire molto di questi- ma uno fungerà da sequel per un found footage che molti potrebbero conoscere. Quindi sono molto entusiasta per quello; ti dico anche che potremmo o meno buttarci con esso nel territorio dei mostri…

R: Daje! Ho già parecchio hype! Per concludere: quali sarebbero i tuoi consigli per un aspirante regista?

T: Vorrei dire: cerca di essere completamente aperto al lavorare con gli altri. Di questi tempi troppe persone non cedono o scendono a compromessi sulla loro visione iniziale. Perciò piuttosto di creare qualcosa che deve essere fatta in un determinato modo, inizia dal trovare le persone giuste con cui lavorare all’interno del tuo circolo- perché più cose condividete, su più cose ragionate insieme e più tu comunichi con gli altri, tanto più sarai in grado di porre in loro la tua completa fiducia e dare a te stesso più tempo e libertà di concentrarti sulla storia e sulla struttura della narrazione. Inoltre io sono andato alla scuola cinematografica, ma la maggior parte di quello che ho imparato è stato quando ho iniziato sul set semplicemente come “extra”. In queste produzioni sono stato in grado di osservare da vicino come lavorano gli altri, molti dei quali ora ammiro...

R: Grazie dell’intervista! Non vedo l’ora di guardare i tuoi prossimi progetti!

T: Grazie, è stato molto divertente!

INTERVISTA DI

COPERTINA DI

TRADUZIONE E REVISIONE DI GIULIA ULIVUCCI

RINGRAZIAMENTO SPECIALE A ISAAC RODRIGUEZ