"Bassifondi" di Trash Secco (Recensione)

 “Nei miei anni più giovani e vulnerabili mio padre mi diede un consiglio che non ho mai smesso di considerare. «Ogni volta che ti sentirai di criticare qualcuno», mi disse, «ricordati che non tutti a questo mondo hanno avuto i tuoi stessi vantaggi».”

(Incipit del romanzo Il Grande Gatsby di Francis Scott Fitzgerald)¹

Un topo, fermo a un nasone², incomincia a scendere dei gradini di pietra. La macchina da presa su di lui, che precede il suo movimento nel seguire il piccolo rivolo d’acqua nato dalla fontanella. Con i suoi brevi e lesti passi accompagna l’occhio dello spettatore da una Roma che ben conosce verso un suo angolo buio e apparentemente nascosto. Allora flash allucinati appaiono sullo schermo. Iniziano a delinearsi pian piano i contorni di alcune lettere e, quasi fosse un’indicazione stradale, il titolo del film chiarisce finalmente dove il piccolo roditore ci ha condotti: Bassifondi.³

È significativo, in un’opera che ritrae Roma come un vero e proprio inferno dantesco, che a fare da Virgilio allo spettatore sia un topo, animale simbolo del marciume, del degrado e della povertà. Perché la vera Roma, che non è di certo l’idilliaco Paradiso che vivono i turisti, da sempre si nasconde dietro l’intoccabile maschera di una tradizione millenaria fatta di grandi storie e ineffabili bellezze.

L’artista romano Francesco Pividori, noto ai più sul web con lo pseudonimo Trash Secco, ha cercato con le sue opere di smascherare questo inganno, di demolire dall’interno questa rappresentazione stereotipata di Roma come città dei sogni, proponendone una diametralmente opposta, nella quale i riflettori vengono puntati sulle brutture e le contraddizioni che la abitano. Lo ha fatto con Nefasto: Er Mostro de Zona (2012)⁴, un mockumentary “illegale” nel quale viene mostrata la squallida vita delle borgate romane, tra abuso di sostanze e prostituzione; lo ha fatto poi con i videoclip musicali di artisti come Ketama126, all’interno dei quali tenta di abbattere il tabù della droga⁵; lo fa ora con il suo debutto alla regia cinematografica Bassifondi (2022) che, seppur presentato in anteprima nella sezione Freestyle della Festa del Cinema di Roma⁶, riscuotendo grande approvazione da parte di pubblico e critica, è purtroppo rimasto oscurato da altri titoli nella successiva fase di distribuzione nelle sale.

Da sinistra a destra: Gabriele Silli, Trash Secco e Romano Talevi

I bassifondi che Trash Secco mostra e racconta in questo suo film non hanno nulla a che fare con l’ormai stereotipata periferia a cui la cinematografia (e televisione) italiana, in una lunga tradizione che passa per il neorealismo e per Pasolini, ci ha abituati. Qui si è nel cuore pulsante della città ma in quella parte di essa estranea al continuo via vai di turisti e lavoratori che riempie le vie del centro. Un cono d’ombra in cui tutte quelle persone che si sono ritrovate a vivere in strada, costretti o per scelta, hanno deciso di rifugiarsi. Un ritirarsi che non significa però arrendersi, ma che corrisponde ad una forte presa di coscienza: in una società in cui a regnare sono l’egoismo e l’indifferenza, paradossalmente, non resta altro che isolarsi. Per ricominciare da capo, per provare a creare un’alternativa più giusta. Allora l’auto-isolamento non rimane a lungo un muto e disperato pianto, ma si trasforma presto in un urlo collettivo verso l’opprimente ingiustizia che regola il mondo.

L’ultimo film di Trash Secco si pone così il difficile obiettivo di raccontare una realtà diversa che, guidata da un sentimento comune di rifiuto nei confronti della società, il grande (e piccolo) schermo ha rifiutato di mostrare per troppo tempo.

“La prima idea di Bassifondi è nata fra noi due (Francesco Pividori e il fratello ndr), una sera. Una Peroni di troppo, giravamo tra i senza tetto di Ponte Sisto. Io avevo 15 anni e lui 20. Litigavamo, ubriachi, e lui disse: pensa se facessero un film su due barboni. Così ho cominciato a scrivere la storia, che mi sono portato dietro per tanti anni.”⁷

Nasce così, dal semplice desiderio di raccontare il rapporto col fratello, l’idea embrionale di un film dalla forte carica politica e sociale come Bassifondi, e non è un caso che la sceneggiatura finale, che sviluppa il soggetto di Trash Secco e Greta Scicchitano, sia firmata da due fratelli: Damiano e Fabio D’Innocenzo (La terra dell’abbastanza, Favolacce, America Latina).

Attraverso la loro penna Francesco Pividori e suo fratello si re-incarnano nei corpi dei protagonisti Romeo e Callisto (rispettivamente interpretati da Gabriele Silli e Romano Talevi), due senzatetto che vivono sulle sponde del Tevere ai piedi dell’isola Tiberina.

Come due “perfetti” fratelli (anche se fratelli non sono) sono agli antipodi, sia nelle loro conformazioni fisiche sia nei loro modi di fare. Romeo alto, snello e piuttosto taciturno, Callisto basso, tozzo e che non smette mai di parlare, spesso a sproposito. Callisto ormai non ha nulla da perdere ed è spinto da un rancoroso odio nei confronti della società, Romeo è invece desideroso di recuperare quel qualcosa (o quel qualcuno) che la vita in strada gli ha portato fin troppo lontano.

Un po’ alla Paterson di Jim Jarmusch il film mostra e rimostra le monotone giornate dei due clochard costretti a risalire ogni mattina le scalinate che conducono alla Roma “di sopra” e ad affrontare la massa indifferente di gente che affolla le sue strade all’urlo di “spiccetto, spiccetto!”, nella speranza di racimolare quel poco che basta per un misero quadratino di pizza bianca o per una pasticca che concili il loro sonno.

L’asciutta ed essenziale scrittura dei fratelli D’Innocenzo riesce a costruire sapientemente, a partire dalle parole e dai gesti quotidiani e ripetitivi di una vita in convivenza, l’imperfetta sintonia che lega questi due senzatetto talmente diversi tra loro che, messi assieme, non possono non ricordare una classica coppia di comici alla Stanlio e Ollio o, meglio, alla Franco e Ciccio.⁸

Eppure di comico nel film c’è ben poco. Viene utilizzato, a partire dalla sceneggiatura, ogni possibile strumento per impedire, il più a lungo possibile, l’immedesimazione o almeno un certo avvicinamento emotivo e patetico con i personaggi. Lo spettatore si ritrova a sentirsi quasi in colpa di provare una certa ripugnanza nei confronti di Romeo e Callisto, ma è esattamente ciò che Trash Secco ha voluto suscitare. Perché quell’istinto di distogliere lo sguardo è, in fondo, il germoglio dell’indifferenza e l’unico modo per contrastarla oggi sembra essere attraverso l’arte: costringere lo spettatore a fare i conti col mondo in cui vive, risvegliarlo dal torpore indotto dalle fantasmatiche illusioni che lo circondano, sbattendogli in faccia tutto lo schifo in cui è invischiato.

Così la scenografia e la regia arrivano a dividere nettamente in due Roma, una divisione in cui, come in Parasite di Bong Joon-Ho, le differenze a livello architettonico-spaziale delle varie ambientazioni sono funzionali ad evidenziare una profonda crepa sociale.

La fotografia illumina gli ambienti, prevalentemente esterni, in cui si muovono i protagonisti di colori smorti, spenti, acidi. Quasi come una scia tossica che, proveniente dal degrado della Roma “di sotto”, segue costantemente i due senzatetto, ovunque essi vadano.

A sua volta la scrittura è brutalmente cruda e realistica, specie nei dialoghi. Callisto in particolare utilizza un volgare vocabolario “di strada” impregnato di omofobia e misoginia che, oltre a rappresentare un’assoluta novità sul grande schermo, soprattutto oggi dove la libertà dell’artista si ritrova ingabbiata all’interno dei paletti imposti dal politicamente corretto e da una censura sempre più pressante, finisce per distanziare ancor di più lo spettatore.

Addirittura gli zoom in avanti che portano ai primissimi piani sul volto rigato dalle lacrime di Romeo, in un procedimento speculare a quello che Kubrick in Barry Lyndon ha utilizzato per rendere un certo effetto di straniamento, lasciano lo spettatore assolutamente impassibile. Perché l’occhio di quest’ultimo, pur seguendo per tutta la durata della pellicola solo ed esclusivamente i due clochard, è quello alieno e giudicante del passante.

Non c’è pathos, non c’è drammaticità. C’è solo indifferenza.

In questo processo di straniamento gioca un ruolo fondamentale anche il simbolismo filosofico e religioso che permea tutto il film: frequentemente appaiono sullo schermo icone religiose, animali, esplicite citazioni artistiche, ma nulla viene spiegato, non c’è apparentemente alcun legame logico tra le sequenze che ritraggono i momenti di vita di Romeo e Callisto e tali simboli. Trash Secco non ha voluto imporre un messaggio né tantomeno offrire una “giusta” chiave di lettura al suo film, ma ha consegnato nelle mani degli spettatori tutti gli strumenti utili per dare un senso alle immagini viste. Ora sta solo a loro trovare le risposte alle proprie domande. Perché Bassifondi, pur essendo narrativamente “classico” e lineare, sembra nascondere costantemente qualcosa, una risposta (o una domanda) che continua a sfuggire, ma che lascia dietro di sé il bisogno di essere inseguita.

Tutto ciò che il film ha silenziosamente costruito, inquadratura dopo inquadratura, culmina nel suo poetico finale onirico. Romeo si ammala gravemente ma Callisto non può far nulla per salvare il compagno e, disperato per un’amicizia o forse un amore ormai finito, si tuffa nelle contaminate acque del Tevere, sangue di Roma sporco dei peccati di chi la abita. Inizia a nuotare sempre più in profondità, sempre più lontano dal mondo che conosce, verso un luogo nuovo. Arrivato sul letto del fiume, al centro di un perfetto cerchio di luci al neon, si ricongiunge con il suo caro amico. Callisto accoglie il corpo spento del compagno tra le sue braccia, in un’identica posa della Pietà di Michelangelo. Un pianto sommesso e soffocato, o forse l’accettazione stoica del dolore? Un invito a rifugiarsi nel ricordo e in sé stessi, o forse nella speranza che qualcosa lì fuori possa finalmente cambiare?

Ancora una volta, lontana e impassibile, la macchina da presa non dà risposte. I titoli di coda scorrono inesorabili sullo schermo nero lasciando dietro di sé un senso di vuoto, portato dalla consapevolezza che esistono un’infinità di importanti domande che magari, accecati o distratti, non ci siamo mai posti.

Ma trovare una risposta è fortunatamente spesso più semplice di porsi la giusta domanda.

Bassifondi rappresenta un invito a mettersi e a mettere in discussione, a ricercare quella giusta distanza critica tra noi e il mondo, ad interrogarsi su ciò che ogni giorno diamo per scontato. Per evadere dalla rassicurante cecità della società. Per non rimanere più indifferenti.

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NOTE

1 Traduzione di Tommaso Pincio dall’edizione de Il Grande Gatsby, Scott F. Fitzgerald, Minimum Fax, 2011.

2 Tipica fontanella pubblica d’acqua potabile di Roma, diventata uno dei simboli della città.

3 Bassifondi: Gli invisibili del mondo di sotto secondo D'Innocenzo e Trash Secco, Carola Proto, Cooming Soon, 15/6/2023.

4 La bieca censura di Youtube colpisce il film “Nefasto Er mostro de zona” di Trash Secco, L'Antikulturale, La Meteora, via Internet Wayback Machine, 10/5/2018.

5 Per approfondire l’argomento si consiglia la lettura dell’articolo scritto da Francesco Pividori in risposta alle polemiche nate attorno al suo video musicale Rehab diretto per Ketama126. Il rap italiano ha un problema di droga?, Giacomo Stefanini, Vice, 15/10/2019.

6 Bassifondi, due amici e la vita ai margini di Roma, Giorgio Gossetti, Ansa.it, 9/6/2023.

7 Nella terra di frontiera di Trash Secco: “I senzatetto dei Bassifondi? Sono nichilisti coraggiosi”, Ilaria Ravarino, The Hollywood Reporter, 31/5/2023.

8 BASSIFONDI | Intervista a Trash Secco e ai Fratelli D'Innocenzo, HotCorn, via YouTube, 16/10/2022.

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La vita attraverso riflessi e sogni - "A Bittersweet Life" di Kim Jee-Woon

"Non esiste solitudine più grande di quella di un samurai"

Le Samourai, Jean-Pierre Melville (1967)

La giornata si è ormai conclusa e stai per andare a dormire, l’unica preoccupazione che occupa la tua mente in questo momento è impostare la sveglia per la giornata successiva. Ormai la tua vita è un libro già scritto di cui conosci a memoria ogni pagina, ti sei rassegnato all’idea che ciò che una volta chiamavi futuro non è nulla più di un itinerario da te già percorso centinaia di volte. Quando sei di fronte allo specchio e guardi il tuo riflesso cominci a chiederti per quanto tempo riuscirai a sopportare quest’agonia che sta logorando la tua esistenza, ti disperi al pensiero di un cambiamento che non potrà mai avvenire. Eppure allo stesso tempo ti senti compiaciuto, in fondo percorrere una strada che già conosci alla perfezione è rassicurante e il cambiamento che tanto desideravi ora ti spaventa. E mentre ti perdi nei tuoi pensieri, mentre nella tua casa si sta cospargendo una strana nebbia, i muri che ti circondano diventano specchi e i tuoi dintorni si distorcono in una confusa sinfonia di riflessi, la preoccupazione di fare tardi a lavoro ti riporta alla realtà e l’unico dialogo che ti sei concesso con te stesso viene sovrastato dalla vita da te amata e odiata alla stesso modo. 

Questa è la condizione di Sun-Woo, protagonista del noir coreano A Bittersweet Life (2005) del noto regista Kim Jee-Woon (I Saw the Devil, A Tale of Two Sisters).

Sun-Woo è il più fidato degli sgherri del capo mafioso Mr. Kang, a cui, dopo una normale giornata cosparsa di violenza nell’Hotel di cui è manager, verrà affidata direttamente dal capo in persona una missione diversa dal solito. Dovrà pedinare una delle tante ragazze di Kang per scoprire la sua presunta infedeltà e ucciderla nel caso in cui le paranoie del capo risultino veritiere. Quello che all’apparenza sembra un semplice compito, scatenerà gli eventi che porteranno Sun-Woo allo scontro con il suo più grande nemico: se stesso.

Il protagonista di A Bittersweet Life porta con sé l’innegabile influenza del maestro del noir Jean-Pierre Melville. Sun-Woo infatti sembra la perfetta controfigura di Jef Costello, protagonista dell’ormai immortale ‘Le Samourai', assassino silenzioso di cui seguiamo le vicende nel capolavoro di Melville. 

A sinistra Sun-Woo, a destra Jef Costello

Jef è totalmente concentrato sul suo lavoro, parla poco e sceglie con cura i termini da usare nelle sue brevi conversazioni. Il suo sguardo di ghiaccio basta per raccontare tutta la sua vita e la Parigi che lo circonda viene infusa del suo silenzio. Sun-Woo allo stesso modo va sempre dritto al punto, cerca di evitare qualsiasi distrazione e il suo stile di vita minimalista viene perfettamente mostrato dal suo appartamento totalmente privo di qualsiasi oggetto che non sia indispensabile. Preferisce persino dormire su di un divano accanto a una lampada per rimanere all'erta in ogni momento. Mentre l’ambiente abitato da Jef sembra quasi influenzato dalla sua stessa presenza, quello abitato da Sun-Woo reagisce in maniera opposta. Ogni superficie trasparente è pronta a mostrare e catturare il finto viso di Sun-Woo, come se stesse cercando in ogni modo di togliergli la maschera che si è creato da solo e in cui si è ormai intrappolato. È totalmente convinto di essere diventato esattamente come gli altri lo percepiscono, convinzione che verrà distrutta dalla strada che sceglierà di percorrere, quella della vendetta. 

Le azioni e le decisioni scellerate di Sun-Woo lo intrappolano in una spirale di violenza e pericolo che non ha mai affrontato e nonostante gli venga chiesto innumerevoli volte il motivo delle sue azioni, egli non saprà mai rispondere. Si arrenderà ogni volta al silenzio, incapace persino di inventarsi una scusa convincente. Non riesce nemmeno a spiegare a se stesso il perché delle sue decisioni. Preda dei suoi stessi riflessi, incapace di razionalizzare i sentimenti che lo tormentano, incolpa il mondo intero di averlo tradito, di non avergli dato fiducia, di essere vittima di un complotto che gli altri non riescono a vedere. 

La catarsi finale porterà chiarezza nella mente di Sun-Woo, un singolo istante sarà capace di rivelargli la realtà che lo circonda. Mentre dovrà fare i conti con le conseguenze della sua vendetta vuota e priva di senso, il catalizzatore delle sue sofferenze, dei suoi piaceri, della sua voglia di vivere e della sua voglia di morire gli si parerà davanti. E mentre Sun-Woo racconta a se stesso la storia di un maestro il cui discepolo piange la fine di un sogno bellissimo ma irrealizzabile, fissa se stesso in una delle tante finestre del suo hotel cercando di combattere il suo riflesso, riflesso che verrà lentamente ed inesorabilmente inghiottito dall’oscurità della notte.

Finalmente sei tornato a casa, rivolgi un veloce sguardo al tuo letto e ti rassicuri nell’idea di poterti riposare, in fondo te lo meriti. Ritorni in quello stesso bagno, davanti a quello stesso specchio in cui il tuo volto sembra non essere più lo stesso. Rifletti su quello che ti è successo durante la giornata, nella tua mente viaggiano ancora quelle conversazioni, quelle parole e quelle azioni che hai compiuto e che ti dimostrano per l’ennesima volta la vanità della tua vita. Un tornado di emozioni, ricordi, rimorsi, momenti di gioia, di imbarazzo, di tristezza ti investono in un singolo istante. Alla fine però, ciò che rimane sul tuo volto è un inconfondibile sorriso, segno di una vita agrodolce che in fondo non vorresti mai abbandonare.

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Del Toro’s Pinocchio e l’immortalità di una storia

Il 2022 è stato un anno in cui lo stop-motion ha brillato più che mai. Tra i tanti film usciti quest’anno quello più conosciuto è probabilmente il Pinocchio di Del Toro, un film d’animazione che il regista messicano aveva in cantiere dal lontano 2008 e che era entrato in un lungo “development hell” fino all’intervento di Netflix.

Tutto cominciò nel 2010 con l’uscita del film Non avere paura del buio (Don't Be Afraid of the Dark), che Del Toro aveva co-prodotto e co-scritto. Durante il panel di Miramax, il regista si era espresso sui prossimi progetti che aveva in cantiere, tra i quali vi era proprio un film d’animazione in stop-motion su Pinocchio, film che aveva intenzione di realizzare fin dal 2008. Le principali ispirazioni per il film erano l’adattamento animato realizzato dalla Disney e i lavori di Gris Grimly, illustratore per bambini che nel 2002 aveva realizzato varie illustrazioni proprio a una nuova edizione di Pinocchio per la Tor Books. A detta di Del Toro, le animazioni sarebbero state curate dalla Jim Henson Company, studio d’animazione specializzato nella realizzazione di animatronici e diventato noto per I Muppets, mentre la colonna sonora sarebbe stata curata da Nick Cave.

L’anno successivo, Del Toro rilasciò nuove dichiarazioni riguardo il film. A dirigere il film sarebbero stati Mark Gustafson, regista e animatore di vari film in stop motion tra cui Fantastic Mr. Fox, e Gris Grimly stesso, mentre la sceneggiatura sarebbe stata curata da Del Toro e Matthew Robbins, suo lungo collaboratore. Oltre alla Jim Henson Company, la distribuzione del film sarebbe stata curata dalla casa francese Pathé. Tuttavia è già dal 2012 che si verificarono i primi cambiamenti: Gris Grimly passò dalla direzione del film alla produzione mentre Del Toro avrebbe diretto il film con Gustafson. Le animazioni sarebbero state curate dallo studio ShadowMachine e le riprese del film sarebbero iniziate nel 2013. È sempre nel 2012 che furono rilasciate le prime concept art per il film realizzate da Guy Davis, altro lungo collaboratore di Del Toro che si sarebbe poi occupato della direzione artistica del film assieme a Curt Enderle, character designer già noto nel mondo dell’animazione per Boxtrolls e L’isola dei cani. 

Concept art di Guy Davis

Dal 2012 in poi, non riceviamo più ulteriori notizie a riguardo fino al 2017. Durante un’intervista tenuta riguardo Trollhunters, serie d’animazione realizzata dalla Dreamworks e prodotta dal regista messicano, Del Toro dichiarò che aveva ancora intenzione di lavorare al film, ma che era stato costretto a fermare il progetto per mancanza di fondi. Nonostante i problemi finanziari, il regista è riuscito ad aggiungere un nuovo membro all’interno del team di scrittori per la sceneggiatura: Patrick McHale, creatore di Over The Garden Wall e sceneggiatore di vari episodi di Adventure Time. In quello stesso anno, durante la 74esima Mostra del Cinema di Venezia, Del Toro, in un’intervista per la rivista IndieWire, dichiarò che il film poteva ancora essere realizzato ma che era necessario un budget pari o superiore ai 35 milioni di dollari. In un’intervista rilasciata per Syfy, Matthew Robbins dichiarò che aveva provato a convincere Del Toro a far convertire il progetto da un film d’animazione in stop motion a un film d’animazione in 2D per poter rientrare nei costi ma il regista messicano aveva rifiutato fermamente la scelta. Sempre a detta di Robbins, il film in 2D sarebbe passato a Joann Sfar, fumettista francese che si era distinto nel mondo dell’animazione con il suo film The rabbi’s cat.

Nel 2018 avviene l’ultima importante svolta per la produzione del film. Netflix decide di finanziare il progetto e sostituirsi alla Pathé per quanto riguarda la distribuzione, dando così inizio ai lavori effettivi per il film.   Finalmente, dopo questa lunga e travagliata produzione, il film esce ufficialmente su Netflix nel dicembre 2022 dopo aver fatto un breve giro prima nei festival e poi nelle sale a novembre negli Stati Uniti (in Italia il film fu distribuito nelle sale dal 4 all’8 dicembre dalla Lucky Red). 

Il film da un punto di vista tecnico mostra tutte le potenzialità della stop motion sia tramite le fluide animazioni gestite da ShadowMachine sia per l’intensa cura nei dettagli che è stata data sia per quanto riguarda la scenografia sia per i vari personaggi, tutti riconoscibili e in qualche modo iconici per il loro design. Nonostante l’atmosfera e l’approccio generale del film sia anti disneyano, Del Toro è riuscito comunque a tributare l’adattamento Disney strutturando il film come un musical. La colonna sonora, composta da Alexandre Desplat, lungo collaboratore di Del Toro subentrato a Nick Cave nel 2018, dà quell’atmosfera fiabesca che rende il film fruibile anche per i ragazzi.

Fin da subito ciò che ha portato a tante discussioni è stata la resa della storia da parte di Del Toro, che ha deciso di prendersi più di una libertà artistica e ha inserito temi che sembrano non avere nulla a che fare con il romanzo di Collodi, oltre ad aver stravolto sia nella caratterizzazione che nella resa del design vari personaggi a partire dalla Fata Turchina, che nel film viene sdoppiata in ben due personaggi. Questi cambiamenti da un lato sono stati ben accolti, ma dall’altro sembrano aver causato una sorta di rigetto da una parte degli spettatori (complice forse anche il fatto che, ben tre anni prima, usciva nelle sale italiane il Pinocchio di Matteo Garrone, che seguiva un approccio molto più fedele nei confronti del materiale originale) che avrebbero preferito molta più aderenza con il romanzo. 

I cambiamenti di Del Toro possono sì risultare estranianti ma paradossalmente dimostrano come il modello e la storia di Pinocchio sia immortale e scolpita per sempre nel tempo. Il film infatti racconta sempre la storia di un burattino che diventa un bambino vero, ma vista sotto un filtro diverso. Essere un bambino vero non vuol dire avere un corpo in carne e ossa ma essere una creatura finita, destinata prima o poi a morire. La morte e la sua accettazione diventano uno dei temi principali se non il motore della vicenda stessa. 

ATTENZIONE: da questo momento in poi l'articolo contiene SPOILER sulla trama del film, incluso il suo finale

Geppetto (doppiato in originale da David Bradley) infatti è un uomo che non riesce ad accettare la perdita di suo figlio Carlo (con la voce di Gregory Mann) e arriva a creare Pinocchio (sempre doppiato da Mann) quando raggiunge uno dei picchi della sua disperazione. La scena della creazione del burattino è resa in chiave orrorifica dove sembra che Geppetto stia creando un mostro di Frankenstein, che possa in qualche modo sostituire il figlio morto. Ovviamente questo suo desiderio non viene esaudito. Pinocchio è completamente diverso da Carlo non solo per come si comporta e per la sua totale ignoranza del mondo che lo circonda ma anche per il suo essere un burattino immortale. 

Illustrazione originale di Emidio Iannone

La sua immortalità è tuttavia limitata da delle regole: può “morire” tutte le volte che vuole ma più morirà, più tempo dovrà aspettare nel limbo assieme alla Morte (Tilda Swinton) prima di poter tornare in vita. L’unico modo per sfuggire da questo circolo è infrangere le regole ed essere “punito” con la mortalità. Il motivo per cui l’immortalità di Pinocchio sia così limitata è legato paradossalmente alla sua nascita. Lo Spirito del Bosco (anch'esso con la voce della Swinton), nell’animare un oggetto che nella realtà sarebbe inanimato, ha sconvolto l’equilibrio naturale del mondo, portando così sua sorella Morte a dover ristabilire l’equilibrio con nuove regole imposte al neonato burattino. La nascita di Pinocchio è insomma legata a una regola infranta e il disubbidire alle regole sarà una tematica che verrà più volte affrontata all’interno del film. 

Fin dall’inizio però viene fatta una distinzione tra le varie regole che Pinocchio infrangerà. Le regole imposte dalla Morte sull’immortalità di Pinocchio sono create da un essere superiore e cercano di mantenere un equilibrio naturale e reale. Infrangere quelle regole porta a delle conseguenze di cui bisogna prendersi le responsabilità. Cosa completamente diversa dalle regole imposte dal regime fascista a cui Pinocchio viene costretto a sottostare nel corso del film.

Il regime fascista, oltre a essere un segno tipico dell’autorialità di Del Toro, che non è nuovo all’ambientare i suoi film durante regimi totalitari, rappresenta tutti quei momenti nella storia dell’uomo dove delle persone hanno imposto con la forza la propria volontà sugli altri, volontà che ribadiscono con forza tramite l’esercizio della paura e della violenza. La scena più emblematica di questa sottomissione forzata è quella ambientata nel “Paese dei Balocchi”, che nel film diventa un campo d’addestramento per giovani balilla. Un gioco come rubabandiera si trasforma nella simulazione di una battaglia dove i bambini devono imparare a vedere il nemico perfino nel compagno. 

Ciò rende la scelta artistica di mantenere Pinocchio un burattino per tutto il film ancora più potente ed emblematica. In un mondo dove gli uomini sono costretti a trasformarsi in burattini per sopravvivere, è quasi paradossale che a ribellarsi e disubbidire sia proprio il burattino, colui che dovrebbe essere, per definizione, legato a dei fili e da essi vincolato. Scena emblematica che esalta la disubbidienza e la ribellione è l’esibizione irriverente e comica fatta da Pinocchio davanti al Duce. In questa scena Del Toro non solo si prende gioco del regime ma sembra che il regista messicano distrugga anche la figura del Pinocchio balilla utilizzata dal regime fascista.

Ovviamente la scelta di mantenere Pinocchio burattino consente al regista di affrontare la tematica del diverso e della sua accettazione nella società. Se da un lato Pinocchio incontrerà personaggi che lo vedranno solo come una fonte di guadagno da sfruttare per soldi o per la guerra, come il Conte Volpe (Christoph Waltz), accompagnato dalla sua scimmia Spazzatura (Cate Blanchett), o il Potestà (Ron Perlman), padre di Lucignolo (Finn Wolfhard), dall’altro incontrerà personaggi che, dopo averlo conosciuto e aver trascorso del tempo con lui, impareranno ad amarlo per quello che è davvero, a partire da Geppetto, co-protagonista del film che, una volta superato il suo lutto per Carlo, capirà perché lo Spirito del Bosco aveva deciso di donargli quel burattino vivente e deciderà di crescerlo come figlio. 

Altro personaggio importante per la crescita di Pinocchio è sicuramente il grillo Sebastian J. Cricket (Ewan McGregor), che, come il grillo dell’adattamento disneyano, assume quasi per caso il ruolo di coscienza di Pinocchio ed è la voce narrante del film. Sebbene non riesca a guidare Pinocchio sulla buona strada e il più delle volte sia vittima di varie “morti” nel corso del film, Sebastian, da semplice scrittore girovago ossessionato dal successo per la sua autobiografia, finirà per affezionarsi talmente tanto al burattino che arriverà a “sacrificare” il suo desiderio, compenso per il suo ruolo di guida promessogli alla nascita stessa di Pinocchio, per riportarlo in vita, un’ultima volta. Il suo monologo finale, oltre a raccontare il resto della storia e a rimarcare la tematica della morte affrontata nel film, diventa ancora più potente con l’ultima scena, dove una pigna perfetta cade da un pino, quasi a simboleggiare come Pinocchio, dopo aver concluso il suo viaggio in giro per il mondo a seguito della morte di Geppetto e dei suoi amici, decida di diventare mortale ancora una volta. E come tutti gli esseri mortali, prima o poi non ci sono più.  

Sitografia:

• Guillermo Del Toro's Next Film To Be Horror; Also Producing Stop-Motion Pinocchio And Horror Anthology TV Series, Russ Fischer, via Slashfilm.com, 23/6/2010 
• Guillermo Del Toro Starting Stop-Motion 'Pinocchio' Feature With Henson And Pathé, Mike Fleming Jr, via Deadline.com, 17/2/2011
• Del Toro to helm ‘Pinocchio’ for Jim Henson Co., Dave McNary, via Variety.com, 10/5/2012
• New Artwork from Guillermo del Toro’s Stop-Motion Animated PINOCCHIO, Adam Chitwood, via Collider.com, 7/6/2012
• Guillermo del Toro's Stop-Motion Movie 'Pinocchio' Adds 'Over the Garden Wall' Creator, Dave Trumbore, via Collider.com, 23/1/2017 
• Guillermo del Toro’s ‘Pinocchio’ Isn’t Dead Yet, But He Needs $35 Million to Make It, Zack Sharf, via Indiewire.com, 31/8/2017 
• Guillermo del Toro Directing ‘Pinocchio’ for Netflix, Brent Lang, via Variety.com, 22/10/2018
• Long-awaited ‘Pinocchio’ by Guillermo del Toro will finally become a movie at Netflix, Liliia Lytvyn, via Arthive.com, 31/10/2018 
• Guillermo Del Toro's Pinocchio 'as far as you can get' from Disney version, says one of film's writers, Josh Weiss, via Syfy.com, 27/10/2020 
• Guy Davis Artworks 
• Pagina IMDb Curt Enderle 
• Pagina IMDb Mark Gustafson
• Pagina IMDb Gris Grimly

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Il valore della solitudine (Recensione "Marcel the Shell")

Trattare di un film come “Marcel the Shell” non è facile, specialmente nella nostra epoca, un periodo in cui il cinema, inteso come esperienza in sala, è circoscritto nella mente del grande pubblico a eventi stagionali ricorrenti (come il cinefumetto di turno), a franchise duraturi e di ampio richiamo (il modello potrebbe essere quello dell’ennesimo seguito di “Fast and Furious”, di ulteriori trasposizioni di James Bond, del nuovo “Star Wars” o realtà simili) e poche eccezioni, alle volte fortunate, altre decisamente illustri come “Top Gun: Maverick” o “Avatar: La via dell’acqua”.

 

A livello nazionalpopolare la fanno da padrone prodotti legati a marchi fortemente consolidati nella cultura collettiva, determinando un inevitabile restringimento della proposta. Tale processo, tra l’altro, era già in atto da tempo per una banale questione di minore domanda, e si è concretizzato negli ultimi anni a seguito degli effetti che la pandemia ha avuto sulla vita quotidiana e sulle abitudini delle persone, pensiamo al massiccio spostamento di utenza verso le piattaforme di streaming on-demand e il web in generale. In una situazione simile tutte le certezze dell’industria cinematografica statunitense sono state messe in discussione: si punta sempre di più alla crossmedialità per cercare di rimanere al passo coi tempi. Anche i campioni d’incassi, come il succitato Avatar 2 di Cameron, raccolgono meno di quanto avrebbero potuto guadagnare in passato.

In questo scenario quanto spazio trova l’animazione? Non molto. Se la situazione in Oriente è decisamente migliore (con quattro film giapponesi e uno cinese tra i primi dieci posti del 2022 per profitti su scala mondiale), i grandi blockbuster americani zoppicano. Specifichiamo, “Minions 2 - Come Gru diventa cattivissimo” ha fatto oltre 940 milioni di dollari ed è diventato il film animato di maggior successo da quando è scoppiata l’epidemia del COVID-19, oltre che il franchise animato più fruttuoso di sempre, arrivando a superare i 4 miliardi totali di ricavi. Allo stesso modo “Il gatto con gli stivali 2 - L’ultimo desiderio’’ e “Troppo cattivi”, entrambi prodotti da DreamWorks e distribuiti dalla Universal, si sono rivelati dei colpacci, tenendo però una notevole distanza dai Minions della Illumination Entertainment. Altri titoli attesi come “Lightyear” sono stati accolti tiepidamente da pubblico e critica e l’ultimo classico Disney “Strange World” si è dimostrato un vero e proprio flop commerciale. Ciò porta major, come appunto la Disney, ad accorciare la finestra di proiezione nelle sale per i prodotti d’animazione se non, in certi casi, non prevederla affatto e sacrificare le pellicole alle rispettive piattaforme. A preoccuparsi non sono solamente i contabili dei colossi cinematografici americani ma anche la stampa specializzata e i fruitori di questi prodotti, che ravvisano un generale appiattimento contenutistico e scarso ricambio di idee. Possiamo notare che, sempre nell’ambito del mainstream, il cinema d’animazione sia tutto molto simile a sé stesso: ennesimo seguito della già celebre saga x, animazione quasi esclusivamente in computer grafica, personaggi e racconti indirizzati principalmente a famiglie, ecc. 

 

Tornando a noi, è in questo contesto complicato che si inserisce “Marcel the Shell”. Piccolo film in tecnica mista, live action in stile mockumentary e animazione in stop-motion, distribuito dalla A24 nell’estate 2022 negli Stati Uniti dopo la première al Telluride Film Festival, in Colorado, tenutasi nel Settembre 2021. Diretto da Dean Fleischer Camp, al suo debutto, scritto dallo stesso (che è anche l’interprete protagonista), Jenny Slate (doppiatrice del personaggio) e Nick Paley; oltretutto nel cast troviamo Rosa Salazar, Thomas Mann e Isabella Rossellini. Basato su una serie di tre cortometraggi ideati da Fleischer Camp e Slate, pubblicati sul canale Youtube del regista tra il 2010 e il 2014 e diventati virali, è il tenero racconto di una conchiglietta senziente che trascorre la sua semplice vita con spensieratezza e tranquillità in una grande casa adibita a B&B. 

 

Le carriere di Jenny Slate e Dean Fleischer Camp si trovavano al capolinea quando inventarono Marcel: la Slate era stata recentemente licenziata da "Saturday Night Live" dopo una stagione, Fleischer Camp sognava di fare il regista ma si sentiva bloccato a livello creativo. Fu in questo momento di incertezza che si incontrarono, Slate iniziò a parlare con una vocina buffa, una cosa tira l’altra e, con un budget di sei dollari, quarantotto ore dopo è nato “Marcel the Shell With Shoes On”. Una volta caricato su Youtube si è diffuso a macchia d'olio, e poco dopo Hollywood ha bussato alla loro porta. Il percorso per arrivare sul grande schermo è stato lungo e tortuoso. Slate e Camp si sono resi conto di non volere da un film di Marcel quello a cui puntavano i grandi studi di Hollywood. Secondo il regista: «Tutte le loro idee erano incentrate sull’inserire Marcel in un franchise di azione e avventura più tradizionale (...) Ricordo che uno studio suggerì di farlo collaborare con John Cena per combattere il crimine, o qualcosa del genere (...) Era così ovvio che il modo giusto per realizzare questo film fosse dipingere un ritratto dignitoso di Marcel in uno stile documentaristico, per raccontare una storia personale e onesta sul dolore (...) quello che non funzionava era che stavano cercando di spegnerlo. Marcel non ha bisogno di essere spazzato via, è già minuscolo in un mondo esploso e fuori misura».

 

In ogni caso, dodici anni dopo, i due hanno dovuto ripensare il proprio progetto per realizzare un lungometraggio e così hanno arruolato Kirsten Lepore come direttrice dell'animazione a capo di un gruppo di circa 50 persone. A occuparsi, nella pratica, dello straordinario processo è stato lo studio Chiodo Bros. Production [che potreste ricordare per avere firmato, tra le altre cose, il leggendario b-movie “Killer Klowns from Outer Space” (1988)]. Durante la realizzazione si è cercato di preservare il più possibile lo spirito fai-da-te, ma è stato necessario scendere a compromessi (ad esempio, sebbene inizialmente volessero imitare i corti e dunque usare un vero guscio, si è optato per una stampa 3D personalizzata, per riportare la complessità e la traslucenza della superficie di una conchiglia).

(Da sinistra verso destra) Kirsten Lepore, Dean Fleischer Camp e Jenny Slate

In merito al protagonista titolare Camp dice: «Le persone formano un legame con questo piccolo personaggio», invece secondo la Slate: «Non è sempre stato facile per me esprimere i sentimenti più duri. Iniziare a parlare con questa vocina, anche se ad altre persone sembrava strano, è stato un bel modo per metterli insieme e usare Marcel come un crogiolo per tutti quei sentimenti».

 

La storia parte in medias res da un simpatico pretesto metanarrativo con cui non solo viene delineato l’incipit della vicenda, ma ci si ricollega ai corti originali: Dean è un giovane filmmaker recentemente separatosi dalla compagna che decide di stabilirsi, in attesa di sistemazione migliore, nel bed & breakfast in cui farà la conoscenza di Marcel e della nonna Connie. Incuriosito dalle usanze e dall’indole dei due, Dean si dedicherà a un documentario amatoriale incentrato sul piccolo Marcel, che a mano a mano caricherà sul web riscuotendo una certa popolarità. La personalità di Marcel è magnetica, carismatica ma candida e innocente come quella di un bambino; dà valore ai dettagli apparentemente più insignificanti, si stupisce ed esalta con quello che altri riterrebbero banale. Il suo è un animo sì semplice e sincero, ma non lo stereotipo zuccheroso di disneyana memoria. Marcel, infatti, si porta dietro un passato infelice e traumatico, il ricordo di una grande famiglia che è stata annullata da una serie di circostanze fortuite letteralmente più grandi di loro. A caratterizzare prepotentemente la narrazione è proprio l’atmosfera malinconica di fondo: nella grande abitazione che fa da teatro degli eventi aleggia il dolore lasciato dalle ferite aperte, vessillo di un nucleo familiare andato distrutto (su più piani). Nonostante ciò, Marcel e la nonna prendono le redini di un micromondo di cui diventano quasi i numi tutelari. Portano avanti operosamente la propria routine, dando colore alla fissità e alla solitudine di un ambiente in cui occupano la stessa dimensione della polvere, ignorati da tutti. E lo fanno con positività, affrontando ogni giornata col sorriso aldilà dei rammarichi e delle difficoltà ricorrenti perché, secondo loro, ne vale la pena. Pur essendo un delizioso mollusco ciclopico con delle scarpette Marcel è mosso da sentimenti spontanei e profondamente umani, non a caso, col passare del tempo, raggiungerà le corde dell’animo di Dean; dato il continuo dialogo botta e risposta tra i due (determinato dalla stessa struttura narrativa, e dal mockumentary) Dean porterà pian piano a galla anche le sue fragilità, sciogliendo la fredda maschera di intervistatore imparziale con cui era partito. Come ricordiamo, anche il ragazzo ha un peso non indifferente sullo stomaco e non ha elaborato la separazione dalla moglie, dettaglio che lo sceneggiatore-interprete-regista ha riportato dal proprio vissuto essendo stato sposato (per poi divorziare) con la co-autrice Jenny Slate. Come contraltare della bontà e della perseveranza di Marcel c’è però una grande paura che nutre nei confronti del cambiamento. Lui e la nonna hanno raccolto i pezzi di quel che gli rimaneva e di conseguenza hanno sviluppato un legame molto stretto, essi rappresentano il canto del cigno di una comunità sull’orlo del tramonto. Per questo motivo il piccolo Marcel sviluppa un istinto protettivo malsano nei confronti della parente, e cerca di rifuggire da qualsiasi situazione o possibilità di sconvolgimento del proprio cosmo costringendosi, indirettamente, a una condizione di inamovibilità esistenziale. Di ciò la nonna è consapevole, per questo invita il nipote a correre il rischio di affrontare a viso aperto il mondo sterminato che è là fuori. Quello che si è instaurato tra i due è un equilibrio fragile e precario che prima o poi crollerà, in un modo o nell’altro. Ne avremo prova quando la casa sarà invasa da fan esagitati dei video di Marcel sui social (altra tematica interessante che il film affronta, cioè il confronto tra pubblico e comunità), che metteranno a repentaglio il loro intero sistema di vita.

Sotto il profilo prettamente tecnico il film è quadrato e compatto: un’ottima regia sulla falsariga documentaristica, dai movimenti di macchina delicati ma realistici e credibili, supportata da montaggio e fotografia di livello e da una colonna sonora tenue e raffinata di Disasterpeace [che aveva già lavorato a “It Follows” (2014)] che, all’occorrenza, sa quando esplodere e rubarsi la scena. La direzione artistica è  straordinaria a sua volta: il design del personaggio è memorabile e tutto l’immaginario fantastico è costruito sulla base delle piccole cose di tutti i giorni, quel materiale di repertorio che ci lasciamo alle spalle e il piccolo Marcel raccoglie talvolta sporco, imperfetto ma vivo e palpitante.

«Nei corti originali ho semplicemente tenuto la telecamera il più fisso possibile», ha confessato Camp, ma un lungometraggio avrebbe richiesto più dinamismo, più scenari e interazione con altri personaggi. La troupe, di circa 500 tecnici, ha lavorato per oltre un anno e il regista temeva che espandere la portata della produzione potesse privare il progetto del suo fascino low-fi e low-budget. 

Illustrazione originale di Elettra Eletto

Per unire il girato con l'animazione si è fondamentalmente dovuto girare il film due volte, una ripresa completa dal vivo e poi una ripresa completa a passo uno l'anno successivo. Su un palco per la stop-motion veniva proiettato il materiale live action dietro le miniature, cercando di ricreare l'esatta illuminazione delle riprese originali, in modo che tutti gli elementi combaciassero. È stato un processo laborioso in cui la fotocamera era bloccata su un treppiede, aggiungendo i movimenti della telecamera il tutto è diventato ancora più ingarbugliato: le singole scene sono state tracciate digitalmente durante le riprese, quindi il movimento della macchina viene riprodotto da altre macchine dotate di motion-control in grado di gestire quei dati sul palco per la stop-motion, dopodiché una telecamera motion-control si sposta, fotogramma per fotogramma, a partire dallo stesso movimento. Per il team la vera sfida è stata proprio ricreare il senso del documentario. La Lepore dirà: «Eravamo su Zoom a pianificare in continuazione ogni scatto in forma di storyboard (...) È stata anche una delle parti divertenti del farlo in stop-motion. È ciò che rende il film così legato a questa specifica procedura, non lo si sarebbe potuto fare in CG, penso che la cosa che lo rende veramente reale sia usare degli oggetti tangibili in quel modo, il cuore della tecnica sta un po’ in questo».

In sostanza, quella che possiamo ufficialmente definire l'opera prima di Dean Fleischer Camp e Jenny Slate è un film d'animazione delizioso che si inserisce in uno scacchiere alquanto caotico. Tra uscite abbastanza deboli, le consuete belle sorprese e meri placeholder per le grandi piattaforme Marcel risalta perché è un prodotto trasversale, in grado di accompagnare delicatamente lo spettatore in un umile viaggio fatto dei sentimenti più puri per poi culminare nella commovente (e incredibilmente matura) presa di consapevolezza della buffa conchiglia nella sequenza finale. Tutto questo grazie all'umiltà di fondo con cui gli autori hanno confezionato la storia a partire dal suo concepimento e per tutta la lunga gestazione, impostandola in base a messaggi universali che palesemente ignorano il concetto stesso di target per poter raggiungere tanto gli adulti quanto i bambini. Come sostenuto dalla Slate: «Nei prodotti per bambini ci sono sempre tristezza, solitudine e paura, ma questo è un film per tutti. Una cosa che cerco di fare non solo come artista, ma come persona, è appagare il bambino dentro di me. Ora ho anche imparato come genitore che, attraverso la tua arte e il tuo comportamento con altre persone, puoi in qualche modo diventare il genitore di te stesso. Gran parte di questo dipende dal permettere che una grande varietà di emozioni si preservi anche all'interno dell'individuo più piccolo. Sarebbe stato facile rendere Marcel semplicemente carino; invece penso che quello che Dean e io volessimo veramente fare, ciò che ci avrebbe fatto sentire soddisfatti, fosse mettere quante più emozioni possibili in un unico posto».

BIBLIOGRAFIA e VISIONI CONSIGLIATE

• They'll always have 'Marcel the Shell with Shoes On', AP News, 2022
• Behind the scenes of 'Marcel the Shell with Shoes On', The New York Times, 2022
• Inside the Animation And Heart of 'Marcel the Shell with Shoes On', canale Youtube 'Oscars', 2022

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Non solo Horror: Black Adam

Dopo anni di successo nella WWE, Dwayne Douglas Johson, più noto come The Rock, si approccia alla carriera cinematografica. Il suo primo ruolo è in "La mummia - Il ritorno" (The Mummy Returns) del 2001, dove interpreta il Re Scorpione in pessima CGI, prima di riprenderne il ruolo nello spinoff a lui dedicato "Il re scorpione" (Scorpion King, 2002). Più o meno negli stessi anni, la New Line Cinema, sussidiaria della Warner Bros. (ora Warner Bros. Discovery), inizia il lavoro per la produzione di un film sul supereroe Shazam (all'epoca ancora principalmente chiamato Captain Marvel). Ad aprile 2006, Peter Segal firma come regista e Dwayne Johnson come attore protagonista. A novembre 2007, però, The Rock sposta il suo interesse verso un altro personaggio DC: Black Adam. 

A seguito di alcuni anni di produzione, a novembre 2009 in film viene accantonato e serviranno altri cinque anni prima che se ne riparli. Dwayne Johnson, ancora attaccato al progetto, decise, proprio nel settembre 2014, di voler interpretare Black Adam anzinchè l'eroe Shazam, dopo un periodo d'indecisione. Tre anni più tardi, nel 2017, l'ex wrestler discuterà con l'autore DC Geoff Johns circa il film, a seguito di alcune lamentele e preoccupazioni da parte dei piani alti dell'azienda, dovute alla scelta di Dwayne per il ruolo dell'antagonista e non come lead actor. Da quell'incontro si decise di dividere il progetto in due film separati: "Shazam!", che avrebbe debuttato nelle sale nel 2019 con Zachary Levi nel ruolo principale, e "Black Adam" a data da destinarsi, con The Rock ad interpretare il personaggio titolare. Dwayne Johnson prestò anche il suo volto per la proiezione digitale (magica nel film) del suo personaggio in "Shazam!". Prima del suo film da solista o in quello della sua nemesi, per giunga, Black Adam, sarebbe dovuto apparire anche nel sequel scartato del "Suicide Squad" del 2016. La pellicola, diretta da Gavin O'Connor, avrebbe visto The Rock in ruolo minore in modo da introdurlo in vista del suo debutto da protagonsita. 

2020, il film "Black Adam" viene annunciato al DC FanDome. Ancora due anni dopo, a seguito di un rimando causato dalla pandemia, il film a cui The Rock ha lavorato per, oramai, oltre 15 anni esce finalmente nelle sale. Tutto questo preambolo è solo un modo per dire che, nonostante il risultato finale non sia dei migliori, è chiaro che da parte di Dwayne Johnson vi sia impegno, passione, determinazione e un effettivo amore per il personaggio e per la sua storia. Il suo carisma e la sua emozione nel parlarne sui social o in spot sono disarmanti e, difficilmente, soprattutto conoscendone la storia produttiva, non potranno in qualche modo influenzarvi a trovare la pellicola più entusiasmante di quanto in realtà non sia. O di deludervi ancora di più.

In ogni caso, "Black Adam" del 2022, diretto da Jaume Collet-Serra e scritto da Adam Sztykiel, Rory Haines e Sohrab Noshirvani, è probabilmente il film visivamente più apprezzabile del DCEU (o DCU), con una CGI in alcuni punti addirittura ottima, capace di rivaleggiare se non superare gran parte dei progetti supereroistici visti in sale nell'ultimo paio d'anni. D'altro canto, la sceneggiatura, è estremamente mediocre, raffazzonata e addirittura irritante, con colpi di scena forzati e continui e la frustrante scelta di confutare con un flashback il flashback precedente in ripetizione. Essa resta, nonostante tutto e tristemente, comunque in linea con gli standard degli ultimi anni del suo genere, riuscendo, comunque, a venirne fuori come nella media, se non leggermente al di sopra. Ricordiamo che, in termini assoluti, questa media equivale alla mediocrità o poco meno. 

La colonna sonora di Lorne Balfe è un altro enorme punto di forza, così come la selezione delle canzoni non originali. La fotografia resta nella media, nonostante un, in alcuni casi invadente, filtro applicato, mentre la regia alterna momenti piacevoli a ripetitivi slow-mo. Riguardo questi, non sono fastidiosi come in alcune altre pellicole dello stesso franchise, essendo in molte occasioni più simili a quelli visti in "Sonic" (2019) o "X-Men: Giorni di un futuro passato" (X-Men: Days of Future Past, 2014) con QuickSilver, venendo usati per accentuare la velocità di Black Aram, seppure realizzati in modo meno funzionale: mentre, nei primi due, seguiamo queste sequenze sempre dal punto di vista o, perlomeno, concentrandosi solo sul protagonista, in "Black Adam" sono alternate con shot in cui The Rock manco appare, creando discontinuità se non addirittura confusione nello spettatore. Sempre in alcuni slow-mo si nota un'altra pecca del reparto registico, ossia quello di riutilizzare la stessa composizione per diverse scene e inquadrature, arrivando al punto in cui, alcuni shot diversi, sembreranno i medesimi. 

The Rock, fortunatamente, è un altro degli elementi di cui il film può fare vanto. Non è un'interpretazione stellare o profonda, non vi è un'eccessiva introspezione nel personaggio, ma risulta efficace per quel che deve fare e, a tratti, capace anche di elevare le pecche di regia e sceneggiatura. Black Adam può essere davvero intimidatorio, se non spaventoso, sia grazie ai suoi poteri e alla sua brutalità, che alla rabbia primordiale che The Rock è capace di trasmettere nel personaggio, la stessa aria di timore che ti aspetteresti da uno heel nel wrestling, ruolo che l'attore ha recitato per molti anni e con grossi riscontri. Ad affiancare il quindi promosso The Rock, abbiamo Pierce Brosnan nel ruolo di Doctor Fate e Aldis Hodge in quello di Hawkman, due personaggi relativamente poco noti al grande pubblico, ma che debuttarono su carta già nel 1940 (per intenderci, 21 anni prima dell'inizio della produzione supereroistica della Marvel). Entrambi sono carismatici, rubano spesso e volentieri la scena, hanno un'ottima chimica e dei costumi realizzati magistralmente, essendo probabilmente alcuni dei punti più alti degli effetti speciali del film. Sfortunatamente, però, non sono da soli.

Noah Centineo non ha idea di come si reciti nel ruolo dell'insopportabile e inutile Atom Smasher, nonostante nel materiale originale e, in particolare, in una delle principali ispirazione della pellicola, "Black Adam/JSA: Black Reign", sia una figura centrale parecchio interessante e sfaccettata; Quintessa Swindell interpreta un'interessante, ma sempre sotto utilizzata e poco approfondita, Cyclone; Sarah Shahi è Adrianna Tomaz, un personaggio recitato e caratterizzato alla bene e meglio, ma che de facto è il protagonista del film; Marwan Kenzari, già Jafar nel live action di "Aladin", si unisce, invece, alla lunga lista di villains senza personalità, spessore, carisma o scene realmente dedicate, a cui i cinecomics ci hanno abituati.

E poi c'è lui. Bodhi Sabongui, nel ruolo di Amon Tomaz. La principale fonte di rovina di questo film.

Amon è un ragazzino monodimensionale, recitato e scritto nella maniera più irritante immaginabile e con fin troppo spazio, al punto da essere considerabile non solo deuteragonista, ma anche, in parte, deus ex machina di molte delle peripezie del film. Un punto basso che riesce a togliere parte dell'intrattenimento in una pellicola che offre (e, a essere sinceri, promette) praticamente solo quello. Per essere chiari, non che vi sia nulla di male, in generale, in un film di puro intrattenimento, "non ogni film deve essere "Quarto potere" (Citizen Kane, 1941)", come si sente spesso dire, ma anche il cinema d'intrattenimento, o di genere, bisogna saperlo fare.

"Black Adam" promette un futuro più brillante per il futuro dell'universo cinematografico DC che, dopo oltre 8 anni, ancora non riesce a trovare la sua via. Lascia intendere che questa sia stata trovata e, in qualche modo inspiegabile, riaccende interesse per un franchise che sembrava già morto da anni, facendo tornare a guardare alle succesive tappe del DCEU non con giudiziosa indifferenza, ma con effettiva curiosità; complici anche le notizie recenti di James Gunn e Peter Safran come nuovi CEO dell'ex DC Films e ora DC Studios, oltre che il ritorno, finalmente di nuovo a colori e con la promessa di essere più gioioso e meno forzatamente e insensatamente cupo (nella speranza che anche il campato per aria simbolismo cristiano venga accontonato), di Superman, sempre col volto di Henry Cavill.

Nonostante i suoi lati positivi e le sue promesse per il futuro, "Black Adam", però, non regge come film, riuscendo più a far voler vedere altro, magari con gli stessi personaggi, che il film che si sta guardando in quel momento: alcuni spunti sono interessanti, ma non sono stati realizzati cone avrebbero potuto o avrebbero meritato. Suonerà ridondante, ma nel complesso il film è poco più che mediocre. Ciò non toglie i già evidenziati pregi, che permettono all'opera di essere comunque intrattenente e una visione piacevole. Un ottimo film ignorante da guardare per spegnere il cervello, con gli amici, in sottofondo quando si fa altro. 

The Rock quindi porta a casa un successo a metà, ma non ne esce nemmeno perdente. Sarà capace di migliorarsi nel già annunciato sequel? E la DC riuscirà ad elevare le sue produzioni e trovare una linea consistente e funzionale?

Solo il fato può dirlo.

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GIULIA ULIVUCCI