Un mistero di famiglia (Recensione "Devotion")

Devotion è un videogioco horror psicologico in prima persona creato e sviluppato da Red Candle Games per Steam. È ambientato a Taiwan negli anni '80, e include anche elementi basati sulla cultura taiwanese e sulla religione popolare. È stato rilasciato il 19 febbraio 2019, per poi essere rimosso da Steam poco dopo di fronte a una controversia riguardante risorse artistiche non intenzionali.

Il giocatore si ritroverà ad inizio gioco seduto davanti alla televisione, intento a conversare con la moglie. Da quì inizierà tutto, e il protagonista (che andremo a controllare) verrà portato indietro negli anni, più precisamente a quando lui e la sua famiglia si trasferirono in quella casa. Da qui si muoverà la trama, portandoci a scoprire come la famiglia sia andata in disgrazia esplorando il suo appartamento in tempi diversi: 1980, 1985 e 1986.

Queste tre date verranno poste dietro tre portoni di casa: spostandosi tra l’una e l’altra, l’obiettivo principale del giocatore è quello di rimettere insieme i pezzi del passato della propria famiglia e di ciò che è successo a Mei Shin, la figlia affetta da gravi problemi respiratori.

Parlando del lato tecnico, graficamente è stato fatto un buon lavoro, a maggior ragione considerando che si tratta di un indie. In particolare, quel che colpisce è quanto siano dettagliati gli ambienti (le fotografie, quadri appesi al muro ecc), senza contare gli elementi tipici della quotidianità, della vita di tutti i giorni che spesso e volentieri vengono ignorati negli altri titoli. 

Graficamente l’illuminazione merita abbastanza, essendo in grado di conferire l’atmosfera desiderata dal titolo, suscitando sensazioni come oppressione, claustrofobia in alcuni momenti e soprattutto tensione (che non manca mai in giochi di questo genere). Molta atmosfera è fatta, sempre in riferimento alla luce, dalla scelta forse un pò banale dell’accendino come unica fonte di illuminazione a nostra disposizione, (salvo le rare occasioni in cui potremo accendere qualcosa come candele o lampade).  

Dal punto di vista del gameplay, i comandi sono i semplici direzionali e il click del mouse sui punti di interazione. Con un tasto si accede all’inventario che raccoglie sia i vari documenti, fotografie e indizi sia gli oggetti necessari per risolvere gli enigmi. Il cuore del gioco infatti è la risoluzione degli enigmi, che non indicano dove trovare la soluzione, ma costringono il giocatore a ragionare sulla base di quel che ha visto, letto e fatto. 

Cambiando discorso, è importante ribadire quanto negli horror in generale le musiche e i rumori ambientali siano parte fondamentale e indispensabile per generare tensione. Ebbene, Devotion - come buon titolo che si rispetti - possiede un buon repertorio di effetti sonori e di sottofondi musicali in generale. Giocando con le cuffie è possibile sentire lo scricchiolio delle porte, il rumore dei nostri passi e del nostro respiro, lo sgocciolare dell’acqua da un rubinetto rotto e persino il rumore dei piatti, delle serrature. Dettagli forse irrilevanti a prima vista, ma che secondo me contribuiscono a fare di questo titolo un'opera degna di considerazione. 

Infine, la narrazione si presenta come solida e molto interessante, con il difetto però di essere troppo breve e forse un po’ sbrigativa sul finire. Nello specifico, il titolo potrebbe essere terminabile in un paio di ore di gioco, massimo tre. C'è quindi da dire che Devotion riporta una storia degna di nota, tematiche non banali, ma che probabilmente avrebbero reso di più se si fossero concessi un po’ più di tempo. 

Per concludere, in questo titolo non si ha mai la sensazione di poter essere uccisi da un momento all’altro (fatta eccezione per un paio di jump scares e di qualche immagine raccapricciante). La fanno da padrona gli enigmi e la storia, oltre alla tensione e all'ambiente oppressivo, talvolta persino soffocante. Gli effetti sono ben realizzati e percepibili mentre si gioca e ciò nonostante, Devotion sfiora appena il genere horror, senza però arrivare a compiere completamente questa connotazione.

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Quando la carne muta (Recensione "Teratomorph")

Abbiamo già introdotto il terribile mondo in cui prende luogo "South Mill District" di Joe Meredith e, uno dei pochi compianti riguardo il corto del 2018 di Joe Meredith, era proprio che si sentisse la necessità di vedere di più, di avere un ulteriore squarcio su quel mondo distopico e popolato da alieni e mutanti orripilanti. Per fortuna, nel 2019, il regista è tornato sul suo progetto realizzandone un sequel: "Teratomorph".

I 33 minuti del corto girano attorno ad un bambino di soli otto anni, denominato Soggetto X (Elijah Meredith), il primo individuo in cui, l'assimilazione del virus Havoc, sembra aver dato i frutti sperati: in un flash forward iniziale lo vediamo, infatti, nei laboratori della Eon Corp dove viene studiato e tenuto sotto sorveglianza. Il ragazzino, in parallelo con l'evoluzione della sua mutazione, incurante dell'autoamputazione della sua stessa mano in pieno stile "Evil Dead 2", ci donerà un ulteriore squarcio sul mondo post-apocalittico ideato da Meredith, tra robot e mutanti dalle numerose teste armati di ascia mentre, in parallelo, quello che sembra essere un alieno, semina il terrore e miete le sue vittime senza alcuna pietà.

A questo giro Meredith rincara la dose di gore, con effetti speciali decisamente di manifattura superiore a quelli del precedente e, allo stesso tempo, ancora più ambiziosi, pur rimanendo, tutti, effetti pratici. Lo stop motion, preponderante nel primo film, viene utilizzato anche nel suo sequel, nonostante in dose nettamente minore anche a causa del ritmo e dell'atmosfera generale diversa: se il primo film mostrava la quasi quotidianità di due infetti in attesa della loro imminente morte, vittime collaterali di una guerra che viene ulteriormente esplorata dalle narrazioni fuori campo del secondo film, qui abbiamo una breve avventura on the road, con più azione, tra ricercatori corrotti, spie russe e creature d'incubo che divengono vere e proprie minacce. Non tutti i mutanti hanno la fortuna di esser decapitati in tempo come accade nel primo film, insomma. La maggior parte dei props del sequel, oltre ad essere decisamente più realistici, in particolar modo quello di un cadavere nell'acqua all'inizio e quello del robot dal corpo dilaniato, rimediando all'aspetto da bambola dei manichini umani del primo film, sono in realtà indossati da degli attori e raffigurano creature riconducibili più a "La cosa" di John Carpenter ed alle mutazioni organiche dei film di David Cronenberg che a H. R. Giger ed ad "Alien", con l'ovvia esclusione dell'alieno: il capolavoro del regista di "Halloween", infatti, viene direttamente citato in una delle primissime scene con un corpo con due teste fuse, chiaro riferimento all'iconico corpo presente anche nel film del 1982 e nel suo prequel del 2011. 

Parlando di references cinematografiche, osservando la pellicola, non si può non pensare alla terrificante trasformazione mostrata nel caposaldo del body horror nipponico "Tetsuo: The Iron Man" del 1989 di Shinya Tsukamoto o, rimanendo in Giappone, al manga "Kiseiju - L'ospite indesiderato" di Hitoshi Iwaaki dove, similmente al Soggetto X, il protagonista Shinchi si ritrova con la sua mano mutata a causa di un parassita alieno. Ovviamente, però, l'opera di Meredith non lascia spazio ad alcun tipo d'ironia o di leggerenza. O a qualsivoglia speranza di guarigione, per chiunque fosse tanto illuso da averci pensato.

Sia la regia che la fotografia, decisamente più chiara e definita, subiscono un miglioramento tra il primo ed il secondo film, pur mantenendo la stessa impostazione generale, con scene non per forza in ordine cronologico, continue degressioni a frammenti passati dell'epidemia Havoc e con la tricomia di verdognolo nauseante, blu neutro e rosso acceso mantenuta. Addirittura, pare che Joe Meredith abbia voluto giocare ulterioremente con quest'ultima, ed in particolare con la bicromia rosso e blu già collaudata da Dario Argento in "Suspiria", ponendo la distinzione tra i due colori direttamente su scena in chiave esplicita: la stanza vuota e morta è blu mentre la porta che porta verso l'orrore alieno è illuminata da un acceso ed innaturale rosso brillante, metafora visiva per il pericole imminente. Seppur si perda alcuna della "sporcizia" perturbante del primo film, le scene risultano decisamente più chiare e, il montaggio più ordinato, non preclude alcuna scena grottesca o raccapricciante come la sequenza dell'amputazione della mano prima citata, assolutamente disturbante, o quella in cui una l'intera parte anteriore di una testa viene divorata tra zampilli di sangue e gli spasmi del cadavere.

La colonna sonora, nuovamente composta da Joe Meredith, che, ricordiamo, ha anche scritto il film, creato parte degli effetti speciali ed il design delle varie creature del film, attinge nuovamente a piene mani dalle classiche composizioni synth dei film anni '80/90, aumentando l'idea di star vedendo un film di quell'epoca che già dona l'uso di luci al neon colorate per l'illuminazione. Il comparto sonora, però, risulta inferiore a quello del primo: il sound design che enfatizzava rumori snervanti di carne strappata sono meno presenti e, la musica, copre la narrazione fuori campo del dottor Bottin (Toby Johansen), rendendo difficile comprendere ciò che viene detto e, di consguenza, seguire il filo della trama che, ricordiamo, era quasi del tutto assente nel primo cortometraggio.

Se Meredith gioca quindi una mano sicura con la stessa ambientazione e lo stesso cast, eccetto alcune aggiunte, alza la posta in gioco con scene decisamente più elaborate ed ambiziose che, però, ripagano l'impegno impiegato per la realizzazione di questo secondo corto horror-fantascientifico dal sapore retrò, non perfetto, ma sicuramente più che buono, con un immaginario interessante ed accattivante, un comparto tecnico ammirevole per il budget risicato e dall'atmosfera inquietante al punto giusto, seppur, forse, non quanto quella del suo predecessore.

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Il cortometraggio è acquistabile direttamente sul sito internet di Joe Meredith, nonostante non sia disponibile una traduzione italiana seppur la pellicola sia fruibile anche da chi non ha dimestichezza con la lingua inglese a causa del ruolo quasi "laterale" e ridotto che ha la narrazione. Potete seguire il regista Joe Meredith sia sulla sua pagina Facebook che sul suo profilo Instagram.

In prima persona nel bosco di Blair (Recensione "Blair Witch")

Si sa, sono molte le leggende e le storie originarie della cultura americana che da secoli terrorizzano adulti e bambini, altre sono più recenti. A seguito del film "The Blair Witch Project" di Eduardo Sánchez e Daniel Myrick, capostipite del genere founs footage rilasciato nell'anno 1999, in particolare, venne a galla una storia che vide come protagonista la cosiddetta Strega di Blair, una presenza maligna che si sarebbe manifestata nel Maryland, più precisamente nella cittadina di Burkitsville. 

Si supponeva che questa donna -il cui nome era Elly Kedward- fu lasciata a morire nel bosco nel 1785, perché accusata di stregoneria dopo che alcuni bambini del paese avevano raccontato che lei aveva prelevato loro un campione di sangue. E al tempo ovviamente, si veniva giustiziati sul rogo per molto meno. Fortunatamente però, il mito sopracitato rimane soltanto questo. Una leggenda nata dalla credenza popolare a seguito della visione del film, i cui eventi narrati (a discapito delle credenze della maggior parte della popolazione) sono indubbiamente dei falsi, dal momento che -tra le tante cose- la maggior parte delle scene furono girate altrove. Ad ogni modo,  in questo articolo non parlerermo di questo. Andremo invece ad analizzare un videogioco di genere psicologico/survival horror basato appunto sulla famigerata Strega Di Blair. 

"Blair Witch"  è un gioco sviluppato da Bloober Team e pubblicato da Lionsgate Game per piattaforme Microsoft Windows, PlayStation 4 ed XBox One nel 2019.

Il giocatore interpreterà Ellis, ex poliziotto ed ex soldato con un drammatico passato alle spalle che diventerà la vittima perfetta per l'antagonista principale dell'opera (ovvero la Strega). All'interno del gioco, l'avanzare del tempo sarà monitorato da un vecchio cellulare posseduto dal protagonista, grazie al quale riuscirà anche a mettersi in contatto e a comunicare con gli altri personaggi secondari. Possiamo inoltre vantare della presenza di un valido braccio destro -nonché degno co-protagonista- che seguirà Ellis durante tutta la sua avventura. Bullet -un pastore belga- che oltre a costituire una presenza di rilevante importanza ai fini del gameplay, svilupperà un rapporto molto realistico e profondo con il giocatore, arrivando a far provare una forte empatia nei confronti del protagonista e delle sue varie emozioni durante l'avanzare della storia. Per quanto riguarda l'utilità ai fini tecnici, il cane sarà molto utile ad indicare la presenza dei nemici e per seguire le tracce con il semplice utilizzo di alcuni oggetti reperibili nella mappa (il cane annuserà l'oggetto per poi mettersi alla ricerca di qualsiasi cosa riconducibile ad esso). 

Tornando a parlare del gameplay, c'è da dire che il gioco -nel complesso- riesce a trasmettere quello che probabilmente si era prefisso: l'ansia di un bosco in cui aleggia il male, l'angoscia di una notte abitata di presenza maligne, la paura psicologica emanata dalla propria mente. La paura. Blair Witch non abusa degli spaventi improvvisi, semplicemente la tira un pò troppo per le lunghe. 

La grafica è molto realistica, e se non fosse stato per la costante ansia, ogni giocatore si sarebbe senza dubbio soffermato ad osservare il bosco in ogni suo dettaglio (come ad esempio gli alberi, le reazioni e i movimenti del cane, gli effetti dell'acqua). A questa, come già detto ben sviluppata, possiamo aggiungere i numerosi giochi di luce, la presenza delle ombre che si allungano, mutano a seconda dell'orario cambiando la visibilità e regalandoci quel paesaggio frutto di un mix perfetto tra la meraviglia del bosco al tramonto e l'angoscia del buio che rende difficile riuscire ad orientarsi. 

Parlando nuovamente del gameplay vero e proprio, le tecniche di gioco sono decisamente semplici e basilari. Le levette analogiche serviranno per far muovere il personaggio, e gli altri comandi per interagire con gli oggetti, aprire lo zaino e richiamare Bullet. A grandi linee, lo scopo del giocatore sarà quello di riuscire a sopravvivere con una torcia, un cane e una videocamera (quest'ultima verrà ritrovata casualmente da Ellis all'interno del bosco e sarà decisamente utile durante tutto il gioco). La videocamera in questione sta alla base di uno dei due sistemi fondamentali per risolvere i vari enigmi presenti all'interno del gioco. Riavvolgendo o mandando avanti ciò che vedremo nello schermo, poteemmo infatti estrapolare numerosi indizi al fine di proseguire lungo i sentieri o di recuperare oggetti chiave.

L'altro metodo è dato ovviamente dalla presenza di Bullet, che oltre ad avvisarci dei pericoli, riuscirà -come detto prima- a seguire delle tracce. Ulteriore elemento di rilevante importanza per un gioco di questo genere, è sicuramente l'audio. Durante l'avventura, saremo accompagnati da un miscuglio di suoni del bosco notturno, angoscianti quando basta, ai quali si uniranno i latrati di Bullet (Decisamente poco sopportabili per le nostre orecchie arrivati a un certo punto del gioco, ma che ci volere fare? È impossibile voler male a una creatura simile, nonostante si tratti solamente di un cane virtuale). Esattamente come un cane reale, il compagno del protagonista si metterà ad abbaiare quando troverà una traccia, e ad uggiolare dinnanzi a un pericolo. 

Nel gioco saranno inoltre presenti numerose cinematiche per far sì che la storia vera e propria venga compresa al meglio. Tutto ciò rende il gioco decisamente apprezzabile. Ideale per chi vuole addentrarsi in un'avventura degna di tale nome, attraverso leggende, rompicapi e misteri da risolvere.

Articolo di Sharon, revisione di Robb P. Lestinci
Potete acquistare il titolo per PC su Steam o, in copia fisica su Amazon sia per PlayStation 4 che per XBox One.

La morte della speranza - il Batman che non si è rialzato (Recensione "Tales from the Dark Multiverse - Knightfall")

La caduta del cavaliere oscuro, Knightfall, uno degli eventi che più di tutti hanno segnato la mitologia di Batman, una saga dalle proporzioni colossali pubblicata per la prima volta tra il 1993 ed il 1995, coinvolgendo tutte le testate riguardanti il protettore di Gotham ed i suoi alleati, dalle note Batman e Detective Comics alle ormai estinte Shadow of the Bat e Showcase, riuscendo ad avere tie-in anche sulle pagine dei fumetti della Justice League. Per chi non fosse familiare con esso, quest'ultimo tratta di come Batman si ritrovi a fronteggiare un avversario temibile e dalla forza superiore a quella di qualsiasi dei suoi nemici passati,  Bane, un criminale mosso dal solo intento di distruggere Batman, psicologicamente (liberando i criminali di Arkham e servendosi indirettamente di Joker e Spaventapasseri) e fisicamente, arrivando a rompere la schiena al Cavaliere Oscuro. Questi eventi, entrati nell'immaginario collettivo, sono stati anche ripresi in maniera più o meno fedele dal film "Il cavaliere oscuro - Il ritorno" di Cristopher Nolan del 2012 e dal videogame "Batman: Arkham Origins" dell'anno seguente.

La storia, però, non finisce con la sconfitta dell'eroe titolare e prosegue con un nuovo Batman a cui viene affidato il mantello, Jean Paul-Valley, il vigilante Azrael, introdotto nella miniserie "Batman: La spada di Azrael" del 1992, membro dell'ordine religioso di San Dumas ed alleato della Batfamiglia. Sfortunatamente, però, l'uomo non è mentalmente stabile e, tormentato dalle visioni del santo (similmente a come trasposto nel videogioco "Batman: Arkham Knight"), inizierà a macchiare il nome di Batman di sangue. Bruce Wayne, riottenuta la capacità di muoversi, sarà costretto ad affrontare il suo successore in uno scontro all'ultimo sangue, riuscendo a riprendere in mano il controllo della sua amata Gotham City.

Insomma, un lieto fine che ristabilisce lo status quo, come classico dei fumetti americani di supereroi. Proprio a tal proposito, però, la DC Comics nel 2019 ha deciso di lanciare una serie antologica, dedicata a rinarrazioni in chiave "distopica" di alcuni dei più importanti eventi della storia della casa editrice di Burbank, "Tales from the Dark Multiverse", partendo proprio da Knightfall, scritto da Scott Snyder (il creatore del Multiverso Oscuro in cui è ambientata al storia, della Corte dei Gufi e del Batman che Ride) e Kyle Higgins e disegnato Javier Fernandez.

In questa versione degli eventi, Batman, non riuscì mai a fronteggiare il temibile Azrael per riprendersi la sua città ed, anzi, venne brutalmente sconfitto dal suo erede che, successivamente, fece piazza pulita di ogni altro eroe o criminale di Gotham, prendendo il controllo della città e chiudendo ogni contatto con il mondo esterno, oramai caduto in rovina tra la minaccia aliena del Parassita ed il contagio di una malattia che pietrifica le persone. Bruce Wayne, però, non è morto, ma peggio.

E qui che il vero orrore della storia inizia a mostrarsi al lettore, Bruce Wayne, Batman, l'eroe per eccellenza, ridotto ad un ammasso di carne martoriata, attaccata a dei macchinari per permetterne sia la sopravvivenza che l'agonia, impossibilitato ad intervenire per salvare Gotham o ciò che resta di se stesso, ma obbligato ad osservare passivamente come tutta la sua eredità appassisca, come tutto si corrompa, per una sua stessa scelta, quella di avere Jean Paul-Valley come successore al mantello. Una scelta che è costata la vita a tutti i suoi alleati, a tutti ciò che amava.

Ogni anno Azrael ha, peraltro, portato avanti un sadico rituale: per ogni volta che Batman lo rinnegava come suo successore, un pezzo del suo corpo veniva amputato. Nel fumetto vediamo Bruce Wayne trent'anni dopo la sua caduta definitiva, collegato a dei tubi nel vecchio palazzo della Wayne Enterprises: il suo collo amputato, la sua testa, dal cervello scoperto, è collegata al corpo da un doloroso e lungo tubo, i suoi arti completamente rimossi, i suoi genitali amputati e sostituiti da una valvola attaccata ad un tubo per permettergli di urinare, i suoi capezzoli rimossi chirurgicamente, la sua colonna vertebrale spezzata. Un corpo distrutto, ma una mente ancora lucida. Proprio per quest'ultimo motivo, Lady Shiva, colei che aiutò Bruce a riprendersi dal trauma di Bane, ed il figlio di quest'ultimo, tenteranno il tutto per tutto per liberarlo, donandogli un nuovo corpo. Ma la sua mente sarà davvero rimasta intatta dagli orrori visti e subiti?

Un fumetto di Batman decisamente cupo ed oscuro, molto pesante sia visivamente che a livello di trama con diverse sequenze che non sdegnano lo splatter, tra decapitazioni (una delle prime immagini che vediamo è proprio la pubblica esecuzione di un trafficante di armi e del Pinguino), amputazioni a mani nude, sangue bevuto e impalamenti, ed una Gotham City decisamente spaventosa. Snyder sottolinea come Azrael sia un personaggio spaventoso, trattandolo, però con meno maestria di quanto non abbia fatto lo stesso anno Sean Murphy nel suo immenso "Curse of the White Knight", altra rinarrazione dello scontro tra Batman e Azrael e sequel del fumetto premio Eisner "White Knight". Interessante, però, come il personaggio, in questa versione, si sia ritrovato succube della stessa droga che potenziava Bane, il Venom, una dipendenza mai affrontata realmente dal personaggio in nessun'altra versione che lo rende, da un lato, vulnerabile e, da un'altro, ancora più spaventoso nel contesto della storia che viene narrata e che porterà ad una letterale sete di sangue del tiranno di Gotham.

I disegni, invece, risultano estremamente dinamici e funzianoli alla storia, nonostante, forse per colpa della colorazione, in alcuni panel un po' "plastici". Il design del nuovo Batman, di Azrael e del figlio di Bane sono anche degni di nota, specialmente gli ultimi due, ed è davvero un peccato che difficilmente verrano ripescati in futuro o convertiti in un pezzo da collezione come una statua o una figure. Non è però detto che, con una nuova Crisi alle porte, menzionata nella prefazione, e con un nuovo maxievento ambientato nel Multivero Oscuro per mano dello stesso Scott Snyder, il Batman dal corpo ricostruito introdotto in questo one-shot non possa fare nuovamente capolino, confrontandosi con la sua versione della continuity principale, una versione che, invece, è riuscita a fronteggiare gli eventi di Knightfall uscendone vincitrice.

Il finale, come sospettabile da chiunque sia familiare con il concetto di Multiverso Oscuro introdotto in "Dark Knights: METAL", non lascia alcuna speranza al fato di Gotham (e del mondo) e dimostra come tutto possa ulteriormente peggiorare, come ogni speranza possa svanire per una semplice pessima scelta e di come, chiunque possa divenire un mostro.

Parafrasando il Due Facce de "Il cavaliere oscuro", anche un eroe può vivere tanto a lungo da divenire il cattivo .

Articolo di Robb P. Lestinci

Quando il metal diventa horror (Recensione "The Silver Scream" degli Ice Nine Kills)

La musica metal è, da sempre, associata all'horror, appare quasi come un assioma il fatto che uno sfegatato dell'orrore sia anche un amante di quella musica tanto condannata e posta all'inquisizione dei media da essere paragonabile solo al prima citato genere cinematografico. Un genere musicale bistrattato, mal visto dalla morale perbenista filocristiana per la la sua violenza, per i suoi temi, che "potrebbero corrompere le giovani menti", le medesime parole che vennero usate nel processo all'horror in Inghilterra nel periodo dei video nasties. Non shocka più di tanto, dunque, la scelta della band theatricore (metalcore assai teatrale) di porre al centro del suo nuovo concep album The Silver Scream proprio la cinematografia orrorofica, dedicando ad ogni grande cult un brano.

L'album si apre con il violento e frenetico The American Nightmare dove il cantante, Spencer Charnas, impersona il nostro amato Freddy Krueger accompagnato dal co-lead Justin DeBlieck. Questo brano è anche il primo a ricevere un video musicale, primo episodio di una sorta di serie vera e propria dove, il frontman, tormentato da violenti incubi, cercherà conforto da uno psichiatra che inizierà a collegare Spencer e la sua band ad una serie di orrendi omicidi che stanno tormentando il paese, a partire dalla misteriose morte nel sonno di alcuni ragazzi che sembrerebbero ricondursi agli omicidi del killer dalla mano artigliata in cui Spencer si è immedesimato nel suo incubi più recente.

Archi e pianoforti, con alcuni suoni sintetici che emulano la voce di Pamela Voorhees, compongono Thank God It's Friday, una canzone immensa, poderosa, che rende l'idea della maledizione di Jason Voorhees un qualcosa di cupo e drammatico, da cui non si può scappare. Ancora più tragica e desolante la versione acoustic, dove il dolore della madre di Jason viene espresso al pieno, trasformando la storia del futuro killer di Crystal Lake quasi in un racconto da focolare, una macabra leggenda colma di tristezza aiutato in ció anche dalla collaborazione di Ali Lehman.

La più spasmodica e tetra è però, con ogni probabilità, Stabbing in the Dark, dove un potente riffing accompagna le urla di Spencer, questa volta pronto a vivere la vita dagli occhi del boogieman stesso Michael Myers mentre, nello sfondo, urla accompagnano il frenetico ritmo in un climax che culmina con le urla quasi animalesche del cantante con un beat che, seppur lievemente, ricorda l'iconica soundtrack di John Carpenter. Un grosso passo avanti per la band, una traccia che rende chiaro la loro evoluzione, in confronto a pezzi simili come The Nature of The Beast. Ipnotica ed inquietante anche la versione acoustic che richiama la canzone delle Chordettes Mr. Sandman, theme del secondo Halloween.

A metà tra punk e nu-metalcore si pone, invece, SAVAGES, dedicata a The Texas Chainsaw Massacre ed ala famiglia cannibale protagonista. Di recente proprio questo brano ha ricevuto una sublime versione acoustic divenendo una canzone calma e dalle tinte quasi folk che non stonerebbero nella vecchia fattoria dove risiede Leatherface.

The Jig is Up vanta la collaborazione di Randy Strohmeyer dei Finch. La canzone altera continuamente ritmo musicale e la voce varia spesso, un momento è frenetica, una è gutturale e bassa imitando la voce di Jigsaw di Saw e poi, dal nulla, è tranquilla, un perfetto ponte heavy-catchy che, con una sezione di pianoforte, collega al brano successivo.

Grave Mistake è uno dei brani meno scontati che avremmo potuto trovare all'interno dell'album, decisamente diverso per tono e registro rispetto a tutto ciò che abbiamo ascoltato precedentemente. Meno frenetica, meno violenta, più drammatica, con un ritmo serrato e potente che dona la giusta monumentalità al racconto de Il corvo, in una malinconica power ballad dal ritornello monumentale dove tutte le competenze canore di Charnas vengono alla luce. Un pezzo iconico, diverso, accompagnato da un assolo di chitarra maestrale che conferisce il giusto climax per il tragico ritornello finale dove Spencer da davvero del suo meglio.

Tornando a sonorità più vicine a Stabbing in the Dark, come al solito accompagnate da parti synth che emulano voci televisive, Lo squalo di Spielberg viene omaggiato in featuring con l'ex cantante della band fino al 2009 Jeremy Schwartz, in un brano groove che punta più sulla velocità che sulla violenza, suggerendo l'avvicinamento inesorabile della famelica bestia acquatica facilmente immaginabile nuotare seguendo il frenetico ritmo del brano. L'epico finale presenta un arrangiamento metal dell'iconico theme di Jaws con dei tamburi in sottofondo che lo richiamano, suggerendo l'avvicinarsi dello squalo, oramai pronto a sbranare la sua prossima preda tra le urla di Schwartz.

Un ambience perfetto con suoni in pianoforte ed un riffing drammatico ci offrono invece una metafora della caduta nella follia di Jack Torrence in Enjoy your Slay dove il ritmo quasi gotico offre una panoramica mentale delle stanze dell'Overlook Hotel di cui scriveva King con la voce eccezionale di Sam Kubrick, nipote del regista di Shining. Una canzone mastodontica con un pattern quasi psichedelico, una traspozione dei temi della moquette dell'hotel del film in una chiave musicale violenta e tetra, un'inesorabile declino verso la pazzia senza alcuna via di ritorno in una sorta di apologia di Jack.

Freak Flag unisce il metal all'elettronico nell'orecchiabile tributo a La casa del diavolo, uno dei brani meno violenti dell'album, ma pur sempre potente come tutti i brani analizzati fino a questo punto, un anthem per tutti i reietti (ricordiamo il titolo originale The Devil's Rejects).

Archi sinfonici e sonorità più hard rock offrono uno squarcio malinconico in The Worlds In My Hand, ispirato a Edward Mani di Forbice, con la voce d'eccezione di Tony Lovato dei Mest. Il pianoforte ed il drumming offrono un sound riconoscibilmente d'influenza gotica, accompagnata da una voce più pulita che, però, sembra sempre in procinto di crollare in un disperato pianto, una richiesta di aiuto fino all'assolo di chitarra elettrico finale ed il sound tragico e tranquillo conclusivo.

Vorticosa e di tinte del power metal più cattivo e grottesco possibile è invece Merry Axe-Mas, la traccia perfetta per un Natale metal dedicato a Silent Night, Deadly Night, con il ritorno di una voce più sporca e violenta con tanto di estratto direttamente da una distorta canzoncina natalizia che culmina in un passaggio assolutamente folle con un low growl sinistro e di considerevole durata. Degno di nota anche il video, parzialmente in pixel art, dove il piccolo Spencer ricorda la sua infanzia nella notte natalizia quando, dal nulla, un misterioso gioco iperviolento, in ritmo con la canzone, richiama le scene dello slasher.

Una ballad romantica che abbandona fino al finale il genere metal è Love Bits, tributo a Un lupo mannaro americano a Londra di Landis che, col suo ritmo pulito e desolato narra la tragedia del protagonista del film con il featuring inaspettato di Chelsea Talmadge, di cui voce vellutata ed innocente si mescola con quella di Spencer. Atipica, ma perfetta per il film trattato.

Tutto culmina invece con l'iperteatrale IT is the End, ispirata all'IT di Stephen King. La traccia si apre con un estratto recitato dal libro originale con una musica da circo in sottofondo per poi scaturire in un growl animalesco, nel brano più frenetico di tutti, assolutamente folle, mantenendo la sua componente da circo con i suoni in sottofondo con il featuring di Wasilewski & Buddy Schaub dei Less Than Jake e Will Salazar dei Fenix FX. Una conclusione inferocita, carica di un'esaltata rabbia dalle tinte synth fino al coro finale, puramente cinematografico: "We all float down here".

Sarah J. Bartholomew scambia battute terrorizzate con Spencer Charnas nel singolo-ampliamento dell'album Your Number's Up, una traccia violenta e sporca che rimanda a tutte le precedenti, in un tributo sia all'album in generale sia a Scream, richiamando le tinte metacinematografiche del capolavoro di Wes Craven del 1996. Un vero finale per l'album che omaggia a 360 gradi il cinema horror che termina con un assolo ed una sequenza teatrale degna della band.

Rilasciafo, inoltre, la "Final Cut" dell'album, con alcune versioni live ed acoustic ed una spasmodica metal cover di Thriller di Michael Jackson di cui video, ricordiamo, venne girato da Landis in persona.

Potete ascoltare l'album qui

Articolo di Robb P. Lestinci, revisione di Sergio Novelli

L'ascesa del clown principe del crimine (Recensione "Joker") - Non solo Horror

Il clown principe del crimine, Joker, un personaggio iconico, amato e conosciuto da quasi tutto il mondo, certamente uno dei villains più apprezzati di ogni media, che si parli di quello fumettistico o di quello videoludico o ancora cinematografico, il personaggio è riuscito ad imporsi ovunque come un antagonista carismatico, spaventoso, inquietante e dotato di quel fascino che solo pochi riescono ad eguagliare, un tragico malvagio senza alcun rimorso per le sue azioni, alla ricerca del divertimento, una crociata sanguinosa contrapposta a quella del Cavaliere Oscuro, due opposti costantemente destinati a scontrarsi, a controbilanciare i propri ideali e le proprie azioni, così in conflitto da essere legati a doppio filo tra loro. Il chaos assoluto contro la giustizia cieca, la sconfinante follia del male contro la razionalità del bene.

È per questo che, probabilmente, molti avevano arricciato il naso quando venne annunciato un film sul Joker senza Batman, carattere fondamentale del personaggio, il suo unico motivo d’essere. Era fin da subito indubbio, dunque, che non ci trovassimo dinanzi qualcosa di fedele ai fumetti, dinanzi qualcosa che intendeva traslare l’universo cartaceo su celluloide con quella semifedeltà apparente (sufficiente ad accontentare i fan più “hardcore” o, semplicemente, pignoli) dei film che compongono il Marvel Cinematic Universe o, seppur in dose minore, il DC Extended Universe. Molti temevano, dunque, un personaggio snaturato, un tipo qualsiasi chiamato Joker, una seconda nube mangiamondi col nome di Galactus, insomma. E molti, effettivamente, hanno trovato questo, non riconoscendo la possibilità di un Joker senza la sua nemesi giurata, non riuscendo a metabolizzare che il proprio personaggio tanto amato fosse stato rinarrato allontanandosi dal materiale originale il più possibile, creando un film che difficilmente è stato definito un cinecomic dalla critica, sia per la qualità maggiore e l’autorialità, sia per, appunto, le differenze con la carta stampata, troppo lampanti per affermare che il Joker di Joaquin Phoenix fosse lo stesso che ha paralizzato Barbara Gordon o che ha ucciso Jason Todd.

Eppure non è così. Eppure è un Joker ben più fedele di quanto si possa pensare che, pur partendo da un punto distante anni luce dal prodotto finale, entro la fine del film, prende i binari che, potenzialmente, lo porteranno a scontrarsi con un possibile Batman, a ricalcare quasi fedelmente i tratti del personaggio che conosciamo ed amiamo, stravolgendolo, solo per ricodificarlo in qualcosa di familiare, senza andare ad intaccare in alcun modo le storie che conosciamo, riuscendo a generare anche un legame tra Bruce e Joker ben più forte di quello che lo stesso Tim Burton tanto forzatamente aveva tentato di ricreare nella sua prima pellicola del 1989 dedicata al Crociato Incappucciato o di quello solo apparente, che de facto non esiste e che serve solo a far sorridere i fan ed a dare un senso al suo villain, del “Il cavaliere oscuro” di Cristopher Nolan.

“Joker” di Toad Phillips riesce a creare una storia inedita, nuova, mai narrata prima, un dramma fruibile sia ai lettori che ai “laici”, capace di fomentare entrambe le categorie, portandosi a casa 8 minuti di standing ovation alla Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e un Leone d’Oro, oltre che un premio come miglior attore per Joaquin Phoenix al Toronto International Film Festival, vanti che nessun altro “cinecomic” ha mai potuto annoverare tra i suoi traguardi e che separano con un brusco distacco questo prodotto dal resto dei suoi simili, un unicum in questo panorama di cinema d’intrattenimento per famiglie dove i supereroi ed i rispettivi antagonisti sono più oggetti di scena che personaggi a tutto tondo, dove tutti i film sembrano uguali e l’impronta tecnica del regista, o la scrittura stessa della pellicola, scompaiono seguendo le stesse linee guida che erano state gettate agli albori del genere (ovviamente con le dovute eccezioni, quali i due Batman di Burton, gli Hellboy di Del Toro, sotto certi versi anche i Guardiani della Galassia di James Gunn, pur restando in ambito di cinema d’intrattenimento puro, esattamente come, seppur più contestabile, l’atipico Thor di Taika Watiti). Il Joker, magnificamente interpretato da Joaquin Phoenix, con le dita incrociate per, almeno, una nomination agli Oscar come miglior attore, è una persona più che un personaggio, una persona estremamente infelice, malata e sola, abbandonata e bistrattata da tutti, in un modo inquietantemente plausibile e verosimile, portato a divenire il clown principe del crimine (in questo caso, l’annoverazione, ha effettivamente senso) figlio di Gotham City stessa (tutti i suoi abitanti senza alcuna esclusione sono la causa della sua trasformazione), destinato ad essere “più di un uomo”, “una filosofia”, come direbbe Jerome Valeska di “Gotham”.

Illustrazione di Cristiano Baricelli

Il comparto tecnico è stellare, a partire dalla colonna sonora di Hildur Guðnadóttir, capace di conferire quello spessore in più alle scene magnificamente girate da Phillips, con la fotografia mozzafiato di Lawrence Sher ed un funzionale montaggio, seppur vago in un paio di scene, di Jeff Groth, senza dimenticare le scenografie di Mark Friendberg e i costumi di Mark Bridges, che rendono Gotham City più viva che mai, perfetta interpretazione del suo spirito fumettistico, capace di trasmettere quel sudiciume riposto sia esteriormente che interiormente tra le strade di una città che ha nel suo cuore stesso la corruzione. Una città che fa paura, una città che si tramuta in antagonista avente i vari personaggi del film come sue estensioni, affrontate dall’unico che è riuscito a svegliarsi dal sogno (o incubo?) in cui è costretto a vivere, proprio il nostro Athur Fleck/Joker.

Ma Arthur non è un eroe, non va assolutamente considerato tale e, seppur il regista cerchi di farci empatizzare col nostro tragico protagonista, di cui anche la stessa risata è sinonimo di un malessere profondo, sintomo della sua malattia, non cerca di rendere la sua giustificazione più di tanto accettabile, in un crescendo di atti criminali che confluiscono, infine, in violenza fine a se stessa, oramai non più bagnata dalla giustificazione iniziale, non più soggette ad un piano ben definito, la morte diviene semplicemente un divertimento, qualcosa che da senso a Joker di esistere e gli permette di avere il suo pubblico, alla quale era in costante ricerca,  qualcosa che gli permetta di distaccarsi dalla città divenendo il suo centro di corruzione distaccato e personale, un satellite di follia che orbita attorno alla città, di una follia, però, inesistente, una follia solo pensata, così intensamente, da divenire reale: un uomo sano costretto alla pazzia che diventa il peggiore dei pazzi e libera tutto ciò che reprime dopo un brutto giorno, ricorda qualcosa?

La messa in scena è chiaramente fortemente influenzata dal cinema di Martin Scorsese, addirittura il personaggio di Murray, brillantemente interpretato da Robert De Niro, è un omaggio a “Re per una notte”, mentre sono numerosi i richiami a “Taxi Driver” dello stesso regista. Altre fonti d’ispirazione sono “The Killing Joke”, sotto certi punti di vista, “Telltale Batman” e, molto pesantemente in una scena in particolare, “Il ritorno del cavaliere oscuro” di Frank Miller, strizzando l’occhio anche al “Cavaliere oscuro” di Cristopher Nolan ed al “Batman” del ‘66 per un paio di scelte e di sequenze.

Fondamentale anche la componente di critica sociale: Joker, come già sottolineato, è un prodotto della corruzione di Gotham ed il film va a criticare ciò che sono alcuni temi scottanti dell’America, da una critica al possesso di armi, causa in primo luogo del sanguinolento declino di Arthur Fleck, ad una meno velata al sistema sanitario americano, di come lo Stato se ne freghi di “quelli come lui”, di come l’America viva in un costante menefreghismo, tagliando fondi a discapito della povera gente, di come i grandi magnati, per quanto possano dichiararsi filantropi, abbandonino chi ne ha effettivamente bisogno nel momento in cui la loro figura pubblica o fama non ne guadagna, di come il mondo estranei i diversi, li tema, in un concetto quasi pirandelliano di adattamento alle maschere che vengono date.

Insomma, “Joker”, è probabilmente il cinecomic più cinematografico, se la cosa ha senso, che l’industria ci abbia mai offerto, dimostrandoci che un distacco alle storie tradizionali, pur tenendo conto delle origini del personaggio trattato, possa portare a grandi risultati, dopotutto che senso ha traslare con la tanto agognata "fedeltà" dei fanboy un qualcosa che comunque funziona meglio col linguaggio fumettistico? Le storie ed i personaggi andrebbero adattati, esattamente come successo in questo film, considerabile d’autore, capace di trattare temi sociali forti, e di omaggiare le proprie radici fumettistiche e le ispirazioni filmiche in un prodotto che difficilmente abbandonerà i pensieri degli spettatori.

Articolo di Robb P. Lestinci

Oscure avventure radiofoniche - La paura in agguato

La scelta della traduzione che abbiamo dato al nome della serie di radiodrammi (auto)prodotti dalla H. P. Lovecraft Historical Society (proprio quella della pagina Facebook a cui molti saranno iscritti pur non essendo a conoscenza di essa), ovvero “Dark Adventure Radio Theatre”, viene principalmente dall'oscurità in cui, come i Grandi Antichi asspoiti per eoni in cosmiche tane, hanno giaciuto all'insaputa di gran parte del pubblico italiano, o comunque non avendo mai avuto la possibilità di riceverne la benchè minima attenzione nel campo della critica più o meno professionale: ovviamente il limite è più che mai prettamente linguistico, essendo il radiodramma la (ri)proposizione di un testo, letterario, teatrale o totalmente originale, il cui senso diegetico viene portato avanti perlopiù da “scene” composte esclusivamente da dialoghi ed effetti sonori e musicali; e così, sebbene l'Italia non sia affatto estranea a questa peculiare forma artistica pur non più in voga come un tempo, non è difficile spiegarsi come mai non si sia mai parlato dei DART della HPLHS (così li chiameremo entrambi d'ora in poi) più di quanto non si parli dei radiodrammi della BBC o addirittura di quelli della stessa Rai Radio 3. L'espediente narrativo con cui Orson Welles scatenò notoriamente il panico per gli Stati Uniti con l'adattamento del più noto romanzo dello scrittore quasi suo omonimo ed al centro del primo articolo del sottoscritto su questo sito, sembrerebbe essere destinata a soccombere specialmente in Italia alla spinta che il confronto con forme audiovisive più complesse quali il cinema e la televisione le hanno dato sull'orlo del declino.

Tuttavia questa situazione è stata radicalmente cambiata anche nel nostro paese dall'avvento della globale e immediata condivisione e fruizione di produzioni audiovisive, giacchè l'assenza di un approccio ottico al radiodramma viene soppesato dalla sua vicinanza allo sceneggiato cinematografico o televisivo insieme ad una rinnovata immediatezza e gestibilità della fruizione, tenendo anche conto di tutte le nuove e più ampie possibilità acustiche dei giorni nostri: ogni singola miglioria che si poteva trarre dalla natura del radiodramma ed espletamento delle sue potenzialità artistiche la HPLHS lo ha applicato con il risultato migliore possibile, fin da quando nel 2007 (o, come dice il “finto” presentatore Josh Thoemke in maniera simile a conclusione di ciascun episodio, dall'anno «1931... più 75»), produssero il primo esemplare di questa fortunatissima serie, tratto dal romanzo (ovviamente) di Lovecraft “Alle Montagne della Follia”, portando questa postmoderna reinterpretazione della forma e dei chichè dei radiodrammi americani degli anni '30 alla sua venticinquesima incarnazione con il penultimo episodio, che è (ancora una volta) ovviamente “La Paura in Agguato” (“The Lurking Fear”). Ricordiamo pure che Lovecraft visse e scrisse le sue opere più famose e riuscite proprio in quegli anni, affermando una volta con poca lungimiranza: «non permetterò mai che un testo con la mia firma venga banalizzato e volgarizzato in quella sorta di pastone infantile che passa per “horror” al cinema e alla radio» (Selected Letters, vol. IV, p. 156). Come chi scrive già ha fatto con tutti gli articoli redatti finora (operazione a cui dovremmo trovare un nome prima o poi), e prima della conclusione della trilogia sul “Regno dell'Invisibile” (trovate l'ultimo di questi articoli qui), le possibilità di confronto tra cinema e letteratura offerte da questi prodotti saranno ora e, se vorrete con altri articoli, messe accuratamente a setaccio.

Prima di ciò, va detto che i due film prodotti dalla HPLHS, diretti rispettivamente dai due “capoccia” e fondatori dell'organizzazione (la cui nascita, durante una sessione di LARP del “Cthulhu Lives!” cui i nostri mettevano amichevolmente in scena avvenimenti fittizi che non potevano non catturare l'attenzione della polizia, meriterebbe un articolo a sé stante) Andrew Leman e Sean Branney, sceneggiatori di entrambe le pellicole e di tutti i radiodrammi, sono stati già diverse volte esaminati dalla critica italiana del web, e questo in ragione della forte impronta internazionale dell'operato della HPLHS, e sia il mediometraggio muto “The Call of Cthulhu” (2005) che il lungometraggio sonoro “The Whisperer in Darkness” (2011), ottimi adattamenti in bianco e nero degli omonimi racconti realizzati come produzioni nell'epoca in cui HPL era in vita (ma senza gli impedimenti che avrebbe generato questo suo stato organico), giovano di edizioni home video vendute, sullo store del sito, arrichiti pure della presenza di sottotitoli italiani. I DART, molto intuitivamente, non dispongono di sottotitoli, ma confidiamo che in un epoca dove l'onnipresente utilizzo della lingua inglese online ne provoca una collettiva acquisizione spontanea e necessaria, simile a quella che si otterrebbe vivendo in un paese straniero, potrebbe essere fare la differenza il sapere che per ciascuno di questi radiodrammi sono disponibili gli script, molto simili a delle sceneggiature cinematografiche ma con la prevalenza di dialoghi e sole descrizioni sonore, in PDF sulla sezione del sito ad essi dedicata. Sperando dunque, di aver almeno in parte ovviato a questo problema di forma, veniamo al contenuto ed alla qualità.

Fino all'episodio “La Paura in Agguato” uscito qualche mese fa, ogni DART veniva presentato in un'edizione fisica che includeva un CD nella classica custodia di plastica, ora sostituita da una più pratica bustina in cartone, ma resta inalterato il realismo degli stupefacenti props, retaggio degli indizi che i giocatori possono trovare durante le loro investigazioni nel RPG Il Richiamo di Cthulhu e che trasformano in paraphernalia cartacei (ma nello store troverete tranquillamente anche idoli e feticci in “carne ed ossa” che rischieranno di prosciugare tanto la vostra sanità mentale quanto il vostro portafoglio) quali macabri articoli di giornale, documenti di istituzioni statali, sconcertanti fotografie rivelatrici, appunti di malati di mente e chi più ne ha più ne metta, ispirati al racconto di Howard Phillips Lovecraft in questione: ovviamente sono disponibili opzioni più economiche, quali il solo acquisto dei props insieme ad un'edizione digitale del radiodramma o il solo MP3, evitando il fastidioso fardello di una spedizione transcontinentale (almeno finchè qualcuno non si degnerà di distribuire questi magnifici prodotti nel nostro paese). Ma parlando del “racconto in questione” in questione, “La Paura in Agguato” non sembrerebbe dare al purista privo di fantasia molte opportunità di qualità per un adattamento di qualsivoglia natura, dato che Lovecraft lo scrisse su commissione e con un numero di pagine prestabilito per la rivista “Home Brew” nel 1922, da qui tanto la bassa considerazione in cui l'autore stesso, strenuo sostenitore del concetto di “arte per l'arte”, lo teneva, tanto l'effettiva farraginosità della storia che rischia di trasformare i topoi concettuali di Lovecraft in veri e propri clichè formali; ad ogni modo vi leggiamo della scoperta da parte del narratore anonimo di turno dell'orrenda verità che si cela dietro una serie di morti e sparizioni nei pressi di una casa apparentemente abbandonata sui monti Katskills, NY: la famiglia olandese che vi abitava secoli addietro, i Martense, è ancora lì, ma il costante isolamento dal mondo esterno ed i conseguenti accoppiamenti tra consanguinei, li ha portati ad un livello di degenerazione tale, fisico oltre che mentale, da renderli un branco di primati carnivori e subumani abitatori del sottosuolo che rifuggono la luce del sole e dei tuoni.

Albini e dagli occhi di colori differenti (uno azzurro, l'altro marrone), unica vestigia riconscibile  della loro perduta umanità, queste creature da incubo figurano fieramente nell'illustrazione principale con cui Darrell Toutchton (giocatore di vecchia data delle partite di Role Play di Leman e Branney) impreziosisce la custodia tanto di questo CD, così pure come fa per quelle di tutti gli altri DART, ma nel racconto i Martense hanno sicuramente una funzione più di maniera rispetto ai non così diversi ibridi de “La Maschera di Innsmouth” dalla complessa mitologia, mentre è strano vederli essere addirittura definiti come «l'incarnazione del caos»; tuttavia, sebbene Lovecraft porti forse anche troppo alle estreme conseguenze gli spunti derivanti dalle sue concezioni razziste (e ci rendiamo conto che la cosa merita un discorso a parte, ma sfortunatamente non è questa la sede per farlo) e le sue inquietudini xenofobe (che non necessariamente generano un prodotto che debba pure essere tale), mancando così di dare il giusto peso alla degenerazione biologica che ha colpito i Martense in favore, per l'appunto, di un'esagerata ed elaborata parafrasi che, al contrario di altri racconti dove passava dall'essere più sapientemente controllata al risultare comunque sovversivamente contestualizzata, sfugge pomposamente fuori controllo, manieristicamente, per cui, insomma, l'orrore è orribile più per modo di dire che per come viene posto - tuttavia, sebbene tutto ciò sia vero, un sottilmente e genuinamente inquietante dubbio ci viene da questo racconto, un dubbio che probabilmente Lovecraft non aveva neppure preso in considerazione in favore di un edulcorata concezione della “civiltà” (famose sono le sue dispute con Robert E. Howard in proprosito), e la scrittura di Branney e Leman, prestandosi particolarmente bene al nostro discorso in bilico tra cinema e letteratura, mostra come un buona reinterpretazione di un'opera è soprattutto comprensione della stessa, nel bene e nel male, e quindi mai un vero “tradimento”: il senso di stupidità umana che si respira per tutto l'audiodramma porta inevitabilmente alla conclusione che, come gli zombi romeriani, queste creature sono esseri umani nella stessa misura in cui lo siamo anche noi, e il fatto che siano potuti cadere in un simile stato più che una falla nel perfetto meccanismo della civiltà rende la civiltà una falla nel (im)perfetto meccanismo dell'universo, dove è  mera linea evolutiva a separa, se separati sono davvero, l'uomo dalla bestia.

Non è la prima volta che una sì brillante reinterpretazione viene apportata dalla HPLHS ai racconti di Lovecraft meno riusciti, tanto quanto una doviziosa fedeltà ad i suoi immutabili capolavori: come nel DART ispirato a “L'Orrore a Red Hook”, la venatura di razzismo e il manierismo letterario vengono trasformate in fisime di personaggi che, nei poco affollati racconti di Lovecraft, non compaiono: ne “La Paura in Agguato” Branney e Leman hanno dichiaratamente spostato il punto di vista della storia dalla parte di quelle forze dell'ordine che spesso vengono coinvolte dietro le quinte negli orrori di HPL, ma che raramente ne sono i protagonisti, pure se il metodo di indagine che sottende la ricerca di una verità nefanda a cui vengono a capo tutti i racconti dello scrittore ricorda molto la linea d'azione di un investigatore, come il RPG insegna; i protagonisti del radiodramma sono, infatti, una coppia di poliziotti mandati inizialmente sui Katskills a visionare la presunta distruzione di un villaggio ad opera dei fulmini, ma i cui abitanti parrebbero essere stati fatti letteralmente a pezzi: il più anziano, doppiato da Branney stesso, è  uno spaccone razzista («Ci sono anche degli indiani...ma quelli non contano»), mentre quello apparentemente più giovane e ingenuo (Kevin Stidham) è in realtà un reduce della Grande Guerra e, in un modo che molto ricorda le ripercussioni che il background può avere o meno sui PG del Richiamo di Cthulhu, rimane imperturbabile di fronte allo scempio dei mostruosi Martense, certamente non meno orribile di quello delle trincee, mentre il poliziotto più “vissuto” cade al suolo e vomita. I DART mantengono costantemente, grazie anche a l'impeccabile recitazione, siffatto livello di profondità dei personaggi, che raramente in Lovecraft venivano, almeno volutamente, esplorati. Qui, invece, abbiamo persino il frutto di approfondite ricerche linguistiche, a cui di fatto un radiodramma non potrebbe sottrarsi, e le dicussioni che si svolgono tra gli uomini di città ed i montanari sono rese decisamente notevoli dallo stretto dialetto in cui vengono condotte.

Ma quindi il Lovecraft scrittore dov'è che lo ritroviamo in tutto questo? Dappertutto. Anzitutto, come detto sopra, il manierismo del narratore della storia originale è trasformato nel modo di parlare ampolloso ed esaltato del giornalista del “True Crime Magazine” (Leman) e che diventa quindi il verosimile ospite per quella curiosità al limite dell'irresponsabilità che necessariamente sussiste nei narratori di HPL: le esatte parole con cui si apre la storia di Lovecraft le ripete una per una quando comincia a raccontare ai nostri due piedipiatti quello che effettivamente era l'inizio del racconto originale: insistendo nelle ricerche per la propria rivista riguardo alla strage sulle montagne, ha preso rifugio una notte a casa Martense insieme a due guardie del corpo (nel racconto personaggi palesemente ispirati a due amici di infanzia di HPL), che puntualmente spariscono nella notte. E il modo in cui la polizia liquida questo pedante personaggio, che paradossalmente vorrebbe fare loro una confessione, vorrebbe che qualcuno lo ascoltasse, vorrebbe insomma recitare un racconto da pulp magazine con tutti i noiosi sproloqui del caso, è semplicemente irresistibile oltre che concettualmente arguto e geniale: né una critica all'autore che prende scherzosamente vita in questo ciarliero giornalista, né un addolcimento dei suoi difetti personali (come poteva anche essere il razzismo) o letterari: solo un'obbiettiva ed intelligente presa di coscienza che denota una profonda conoscenza dello scrittore. Avrebbe poi senz'altro fatto piacere allo stesso Lovecraft l'aggiunta del piccolo flashback nel passato di casa Martense, anch'esso ricostruito alla perfezione attraverso il parlato dell'epoca e musiche adatte a ricreare l'ambientazione, e la caustica comicità del tutto (quando un inglese chiede ad uno dei Martense – siamo nel '700, il secolo preferito di HPL – ancora sulla via della degenrazione biologica, se sia il fratello maggiore, lui risponde: «più o meno») però torna a ricordare la “reinterpretazione” di cui sopra, a cui, come Stuart Gordon sottopose “Herbert West: Rianimatore” per realizzare “Re-animator”, lo stesso ha fatto la HPLHS per il DART tratto da quel racconto che proprio con “La Paura in Agguato” ha più cose in comune di qualunque altro, essendo stato scritto per la medesima rivista, nel medesimo modo, e quindi sottoponibile al medesimo processo di reinterpretazione (nel DART “Herbert West: Reanimator” l'elemento bellico ha una valenza molto simile a quella di cui abbiamo è parlato a proposito de “La Paura in Agguato”).

Altro elemento in comune tra i due racconti era proprio un certo tipo di violenza esplicita insolito per Lovecraft, che nel radiodramma esplode subito dopo il flashback, proprio come nel racconto, solo alla presenza dell'esperta di storia locale che ha narrato la storia dei Martense: il reporter che accompagnava il nostro giornalista in questa ennesima indagine si è sporto alla finestra per non risollevarsene mai più, visto che il volto gli è stato letteralmente divorato da una delle creature mentre lo aveva così incautamente esposto all'esterno durante un temporale. A quel punto, il giornalista pensa bene di continuare a sfidare la sorte cercando di placare l'ipotetica causa di tutte le morti, lo spettro del giovane Martense ucciso durante il flashback per la sua lontananza dall'atteggiamento autarchico dei suoi consanguinei, e che, come spesso accade in Lovecraft, si rivelerà come nient'altro che una superstizione che nasconde verità ben più atroci, e il giornalista reca per l'escursione finale a casa Martense con i due poliziotti, cosicchè possa, diversamente dal racconto, venire punto per tuttta la propria stupidità con la morte, avendo due testimoni terrorizzati perchè poi possano raccontarlo: per quel che ci riguarda, la resa sonora del climax della storia, dove la musica di Troy Sterling Nies si fonde alle urla degli uomini, al grugnito dei mostri, al suono dei proiettili e alla lacerazione delle carni in un'incredibile mixaggio che permette addirittura di distinguere la diversa posizione dei suoni nello spazio, vale l'intero ascolto del radiodramma. La paura in agguato è venuta allo scoperto, e il giovane poliziotto non può che chiudere amaramente la storia affermando che tenterà di dimenticare l'orrore che ha fatto impazzire il suo collega. «Se la situazione si fa disperata chiudete gli occhi. E conservate sempre un ultimo proiettile...per voi stessi, è ogni volta l'inquietante monito dello speaker di turno che ha introdotto, e che così chiude, l'episodio. Se poi si pensa che appena prima di dirlo aveva sponsorizzato un fucile da caccia per tenere pulito il proprio giardino, fondendo la candida allegria degli attori pubblicitari all'americanissima tradizione del possesso di armi da fuoco nel modo tanto più ipocrita negli anni '30 di quanto non lo sarebbe oggi, non si può non riconoscere come Andrew Leman e Sean Branney, con una cattiveria ed un'arguzia brillanti, non amano incondizionatamente nè lo spirito dell'epoca che cercano di ricreare, nè lo scrittore di Providence che la visse: li amano e li odiano. Che forse è l'unico modo di apprezzare qualcosa con intelligenza.

Proprio l'altroieri Branney, Leman e Stidham hanno portato questa fantastica reinterpretazione del'originale materia lovecraftiana per una rappresentazione dal vivo al NecronomiCon (Providence, RI), tanto più ammirevolmente se si pensa che in tre hanno recitato un'intero sceneggiato affidato, nella versione in commercio, ad una dozzina di attori diversi; inoltre, i partecipanti alla convention hanno avuto la fortuna di ascoltare nella medesima maniera il successivo e, solo per ora, ultimo episodio della serie DART: “Mad Science”, una mini antologia di quattro storie brevi tra cui il nostro amato “From Beyond” (di cui recensione é leggibile qui). Quando avremo tra le mani questo nuovo esemplare potremmo seriamente valutare di portarne una recensione, e chissà che non faremo lo stesso con ogni singolo episodio della serie. Nel frattempo, buttate un occhio al programma del RIFF di quest'anno e vedete un po' voi se non è il caso di rifarsi lì della mancanza di attenzione che finora si è qui riservata alla produzione di questa associazione così oscura e misteriosa. Probabilmente il fatto che per parlarne sia stato necessario usare più sigle di quante ve ne siano in una lista di istituzioni statali fallimentari non è un caso. Nè, fossi in voi, mi sognerei di mettere in discussione l'operato di una simile Organizzazione Occulta, né di porre tempo in mezzo al momento in cui recupererei i loro prodotti per dimostrarmi il devoto divulgatore del Verbo dei Grandi Antichi quale già sono.

Potete acquistare l'audiodramma di "The Lurking Fear" della H. P. Lovecraft Historical Society da questo llnk.

Articolo di Donato Martiello