Quando l'orrore viene dal profondo (Recensione "Up from the Depths")

Uscito in netto ritardo nelle sale cinematografiche, si tratta di un’altra operazione commerciale per sfruttare il successo del film di Steven Spielberg “Lo squalo” (1975). Quindi, ci troviamo dinanzi a un plagio probabilmente nato dopo che si seppe che sarebbe dovuto uscire il suo seguito “Lo squalo 2” (1978). 

Il regista, Charles B. Griffith, era il fedele sceneggiatore e amico di Roger Corman. Non a caso ha collaborato in parecchie pellicole di fantascienza di serie B, amichevolmente per non dire Z, anni ’50 come, per esempio “L’assalto dei granchi giganti” (1957), “La piccola bottega degli orrori” (1960) e “La creatura del mare fantasma” (1961). 

La pellicola in questione è “Up from the Depths” (1979), in italiano tradotto letteralmente sarebbe “Dalle profondità”. Si ritiene che sia un remake di “La creatura del mare fantasma” (1961). Griffith si trovava a dirigere il suo terzo film, ovviamente sotto la produzione di Corman, che glielo impose. Si dice che fosse per una punizione e che lo stesso Griffith ha sempre ricordato come una terribile esperienza quella di dirigere questo film. 

Viste queste premesse, il film non sembra essere nato sotto il migliore degli auspici come si poteva pensare inizialmente. Almeno, stavolta, si è pensato di realizzare un film che fosse diverso rispetto a tutti gli altri che copiavano palesemente e avevano la pretesa di essere anche seri. C’è una componente umoristica e a tratti grottesca che rendono il film una specie di parodia. Il fatto è che Corman quando vide il girato, omise la una buona fetta dell’umorismo che lo permeava, rendendolo un horror, anche se ci sono ancora tracce di umorismo (involontario). 

La storia parla di uno squalo preistorico, risvegliato da un terremoto sottomarino, che minaccia il turismo hawaiano. Niente di originale appunto, ma almeno hanno provato a differenziarsi dalle altre palesi copie. La struttura della sceneggiatura è pressoché medesima, ma se solo avessero avuto un budget maggiore e una scrittura più accurata, sicuramente sarebbe stato molto più godibile. Ciò che ne risulta è uno sviluppo privo di mordente e di tensione. 

Griffith dietro alla cinepresa cura una regia piuttosto scarna, statica e ordinaria. La fotografia è stata diretta in maniera abbastanza discreta con coloratissime scenografie. Non a caso la location scelta per l’ambientazione, Maui ma in realtà hanno girato nelle Filippine, direi che è stata davvero indovinata. La caratterizzazione dei personaggi è piatta e bidimensionale, se non inesistente come la recitazione, decisamente troppo teatrale. Tra gli attori c’è Sam Bottoms, Susan Reed e nei panni di un personaggio secondario R. Lee Ermey (in “Full Metal Jacket” (1987) interpretò il sergente Hartman). 

Arriviamo al piatto forte di questo tipo di pellicole: lo squalo. C’è da fare una premessa poiché, quello rappresentato nel poster promozionale è completamente diverso da quello che effettivamente si vede nella pellicola. È chiaro che gli effetti speciali essendo low budget, rendono lo squalo visibilmente finto. Ha, persino, un design che lo stesso regista ritiene sciocco visto che è provvisto di occhi da insetto. Se non fosse per il suo buffo aspetto e fosse stato realizzato meglio, sicuramente sarebbe stato più sopportabile vederlo anziché scoppiare in una fragorosa risata quando esso si palesa. Naturalmente, è certo che il punto di vista dello squalo è preso direttamente dal film di Spielberg, solo che qui il problema è che lo squalo in questione, essendo rozzo e artigianale, si è deciso di tenerlo il più nascosto possibile. Il che è, forse, un bene. In compenso, quello della locandina è indiscutibilmente migliore di quello che c’è nel film. Quindi, un insegnamento importante è che non bisogna mai giudicare un film dalla locandina (anche se questa regola vale per tutti i film, e non solo per questi). Da elogiare, invece, le ben curate e coordinate riprese subacquee. 

Bizzarra è la colonna sonora che spesso e volentieri è totalmente fuori luogo nei contesti in cui viene inserita. Parlando dell’aspetto sonoro della pellicola, c’è un aneddoto da raccontare: durante la post-produzione e il montaggio, tra l’altro effettuato nelle Filippine stesse, andarono perse le bobine dei dialoghi di presa diretta. Così si è dovuto doppiare tutto il film, ma il risultato finale è che troviamo un doppiaggio frequentemente fuori sincrono e fastidiosamente ridicolo. 

Uscito nelle sale statunitensi a giugno 1979 non ebbe il successo sperato, vista l’operazione di sfruttare l’onda del successo dei film sulla sharksploitation del periodo. Venne dimenticato fino al 2012 quando venne distribuito in home video. In Italia, malauguratamente, non arrivò né all’epoca e né recentemente, sicuramente perché si trattava, e si tratta ancora tutt’oggi, di un film sconosciuto, di nicchia. Ma mai dire mai, non possiamo far altro che aspettare che un giorno possa arrivarci. Personalmente, sarei felice di vederlo in italiano e di acquistarlo in DVD. 

“Up from the Depths” venne citato nel film di David Cronenberg “Videodrome” (1983) dove viene mostrato rapidamente il poster. Venne realizzato un remake di “Up from the Depths” chiamato “Demon of Paradise” (1987), un film ancora più sconosciuto. 

Quando si parla della sharksploitation anni ’70 si tende a dimenticare questo “Up from the Depths”. Si tratta senza dubbio di uno dei più sconosciuti, ed è un vero peccato poiché non vuole essere una pellicola che pretende. Vuole solo intrattenere nella sua breve durata (circa 85 minuti) e, perché no, divertire lo spettatore per l’ingenuità di come all’epoca tutti i registi potevano dilettarsi a realizzare un proprio ‘squalo’. Difatti, questo film è reso in maniera esilarante. Lo consiglio agli amanti del genere. 

ARTICOLO DI

LUIGI SANTOMAURO

Stalker: la Zona e il Principio Inesorabile dell’Orizzonte degli Eventi (Atto I) - Luoghi del Terrore e dove trovarli

Come ogni altra cosa, il Luogo del Terrore è associato sempre al Fato. Il Fato è il filo inevitabile, piú o meno immaginario, che unisce tutto e tutti, congiunge i destini o li diverge per sempre; come un filo é stato immaginato sin dagli antichi Greci, nelle mani delle Parche, e nessun Dio può opporsi al Fato, da tradizione, esso può solo essere rallentato. Il Fato è ció che non puó essere cambiato, dal latino fatum: ciò che é detto, mentre il destino è associato alla fortuna, alle capacità umane e alle sue risorse, come dovrebbe essere noto. Il Fato è anche imprevedibile, quasi a dimostrazione che la Realtà supera sempre la Fantasia. 

Il Fato è ció che un autore ordina nelle sue Opere, nella descrizione della storia, dei suoi personaggi e dei suoi luoghi in cui può dar forma alla paura. É dato per scontato che la pellicola, il libro e tutte le altre piattaforme audio-visive sono testimoni storiografici ideologici, nel loro voler raccontare una storia, vivono nella nostra memoria caratterizzati anche dai nostri destini. Non tutti i film sono semplici commedie, per fortuna, alcuni lasciano il segno, e anche da questi dovremmo imparare ad evitare gli errori, a conoscere la paura quale mezzo per conoscere noi stessi. Quando qualcuno afferma di non vedere film orror, c´é qualcosa che non va, giá dal precludersi una rappresentazione artistica fuori dai classici canoni degli schemi convenzionali. 

Ogni artista, ogni scrittore, ogni uomo descrive il Fato e il Destino a modo proprio sotto il filtro della propria esperienza all’interno del proprio quadro storico di riferimento. Fino ad ora ho esaminato i diversi volti del Fato, senza mai nominarlo: a R’lyeh, sono le stelle allineate che sotto forma di congiunzione astrale destano il dormiente, il mostro leviatanico sinonimo della dottrina astrologica, a Carcosa, nel romanzo del Re in Giallo, la statua del Fato serve al lettore per riordinare la cronologia degli eventi, nella Loggia Nera, si cerca di manipolare il Fato su piú livelli ontologici, tutti e tre seguendo lo stile americano; mentre secondo quello giapponese, nel Terminal Dogma, il Fato diventa un punto lontano immanente nella storia e si lascia piú spazio al destino dell’uomo. Adesso cercheró di affrontare anche la scuola sovietica sotto questo aspetto. 

Il Fato é il tema fondamentale anche nella cinematografia sovietica, maestri indiscussi del determinismo. Siamo in pieno periodo di Guerra Fredda, come sappiamo l’America compete con l’Unione Sovietica su piú fronti, uno di questi: le missioni nello spazio, saranno il punto di partenza per un altro primato da raggiungere nel campo della cinematografia di fantascienza. Andrei Arsenyevich Tarkovsky, scrittore, direttore e teorico cinematografico, ha giá risposto a Stanley con Polaris nel 1972, e si presta a lasciarci il suo testamento poetico con il film Stalker nel 1979. Le opere di Tarkovsky sono immense, giovane talentuoso, autore fortemente discusso e dibattuto, ha messo alla prova ogni rigore del genere logico affrontando temi molto duri. Di base l’estetica dei film sovietici é molto romantica e tende al verismo, d’altro canto, il genere di fantascienza fornisce notevoli scenari e Tarkovsky ha voluto usare questo genere come base di partenza per adattare sullo schermo il romanzo Roadside Picnic di Boris e Arkady Strugatsky, in un film d’autore in cui l’introspezione psicologica e il dramma filosofico sono i descrittori del Fato. 

Per fare questo Andrei si serve del tema del viaggio come linea temporale per congiungere la vita dei tre protagonisti in un percorso attraverso La Zona, luogo in cui le leggi della realtà risultano alterate, zona proibita in cui nessuno mette piede, perchè, letteralmente, può succedere di tutto. Un viaggio in cui la destinazione é la Stanza all’interno della Zona che permette, a chiunque vi si entri, la realizzazione del piú intimo e segreto desiderio. Ció che noi vogliamo realmente non coincide, quasi sempre, con ció di cui abbiamo bisogno. Questa crasi é un’eterna costante del genere umano. La pazzia di affrontare la Zona sará affidata ad uno scrittore e ad un professore, accompagnati all’interno della Zona da uno stalker, appartenente all’unica gilda di ranger fuorilegge in grado di muoversi all’interno della Zona senza incombere nelle sue pericolositá. 

Come in tutti gli altri film del maestro, anche qui, non esistono gli stereotipi, ogni personaggio é mosso dalle proprie nobili motivazioni per raggiungere la stanza, fronteggiando il Fato, accettando di affrontrare il pericolo invisibile. Lo stalker spiega che per raggiungere la destinazione bisogna seguire un percorso sicuro, in maniera molto complicata, percepito a sensazione dalla guida in grado di connettersi empaticamente con il territorio, di cui conosce i molti segreti. Il percorso migliore non é mai il piú semplice, come non sono semplici le domande che nasceranno sia nei personaggi che nello spettatore, soprattutto nell’osservare i criteri di avanzamento dello stalker, che sembrano non seguire nessun nesso logico. 

Dai magnifici scenari e claustrofobici, alcune scene risultano davvero oniriche, come il tragitto tra le dune di polvere; i dialoghi ricordano molto la poetica russa post-zarista e mayakovskyana. Nella Zona conosceremo i presunti desideri dei protagonisti: lo scrittore é in cerca della sua ispirazione, la classica ricerca per la Musa, mentre, il Professore sostiene che vorrebbe vincere il Nobel, ma viaggia con venti kiloton di bomba portatile, prefiggendosi di distruggere la Stanza, troppo pericolosa per l’umanità intera. Segue la lotta per evitare la distruzione della Stanza, una lotta che da verbale si farà fisica proprio sull’uscio della fantomatica camera. Prima di chiudersi, il film mostra i tre protagonisti proprio dall’interno della Stanza senza mai chiarire se vi entreranno o meno; grazie alla prospettiva di ripresa, adesso é lo spettatore ad essere all’interno della leggendaria Stanza dopo aver preso nota dei suoi piú tremendi pericoli, il suo Destino sará per sempre segnato. 

La tensione rimane alta nel film e in tutte le sue digressioni, anche se il lungo e lento viaggio smorza un po’ i toni, essi sono riaccesi dai personaggi talmente diversi tra di loro che lo scontro risulterà inevitabile. Purtroppo all’interno della Zona non succederà mai niente di sovrannaturale, solo una bizzarra e surreale telefonata in prossimità della Stanza, semplicemente perchè, come attestato dall’autore, la Zona è una metafora per la vita. La Stanza, invece, é il punto di non ritorno, l’orizzonte degli eventi, il momento in cui la nostra vita cambia per sempre in maniera inesorabile, momento che dobbiamo sempre essere in grado di affrontare. Qui l’autore con il suo finale apertissimo “sconfigge” il Fato perchè permette allo spettatore la piú piena e profonda libera interpretazione del finale, saremo noi, con il nostro desiderio di chiusura ad evocare il Fato per i protagonisti, immaginando lo scenario piú consono per loro storia . La Stanza si mostrerà nella sua semplicità, quale ricettacolo della vita degli uomini, contenitore ultimo dell’elemento acqua che nel film é sempre una presenza non indifferente.

Il film si chiude, ancora una volta poeticamente, con i versi di Fyodor Tyutchev recitati in casa dalla figlia dello stalker, prima di mostrarci i suoi poteri telecinetici, facendo cadere un bicchiere pieno d’acqua. Perché? La genesi della Zona è incerta, durante il film si accenna ad una probabile causa extratterestre di origine meteoritica, accennando forse ai misteriosi eventi di Tunguska del 1908, ma al suo interno si trovano solo resti di origine umana; i luoghi ricordano quelli di un disastro post-nucleare ma siamo lontani ancora sette anni dal disastro di Chernobyl, questo parallelismo, e la figura dello stalker, verranno sfruttati nel 2007 dalla software house ucraina GSC Game World per realizzare lo sparatutto in soggettiva del gioco: S.T.A.L.K.E.R.: Shadow of Chernobyl. 

Brevemente, non c’é niente in questo film di cui non avere paura, tutto é messo in discussione, e tutto puó essere sorgente di pericolo per l’uomo, anche i suoi stessi desideri. La poetica sovietica non é la sola presente, l’autore si muove bene, molto facilmente dalla filosofia cinese nei dialoghi agli accompagnamenti delle scene con alcune delle sinfonie piú famose del repertorio classico occidentale.

Le scene alternano i colori al bianco e nero, confermandoci ancora una volta che per creare un film dalle atmosfere horror non bisogna necessariamente ricorrere sempre all’uso dei mostri, o avere un alto budget, basta semplicemente la paura dell’ignoto e un luogo, come una stanza, in grado di saper accoglierla adeguatamente. L’ignoto é presentato nel film in maniera davvero notevole e controcorrente: a volte l’ignoto resta ignoto, fuori inquadratura, e noi ci ritroviamo ad affrontare solo le emotivitá dei personaggi, come nel teatro di Beckett; l’ignoto tagliato direttamente dalla scena, in una tecnica inversa di jump scare. 

"Stalker e Prof", illustrazione di Aaron Rizla

L’autore non ha voluto essere soltanto un semplice anticonformista, ha puntato in alto, sapendo fare dell’anticorformismo un contributo artistico per la società intera, anticonformismo, quasi sempre, inizialmente sottovalutato dalla critica. Stalker é un film che non si dimentica, in grado di toccare il nostro animo nel profondo, di renderci capaci di dubitare anche di noi stessi. Film dalla maestosa potenza visiva, resa sublime anche dai lunghi silenzi all’interno dell’opera, silenzi tanto importanti quanto i dialoghi. Forse non tutti sanno che anche Tiziano Sclavi si é ispirato alla Zona per creare Zed, una delle dimensioni fantastiche dell’irreale, che compare in Dylan Dog nell’omonimo albo ottantaquattresimo.

Il viaggio nella Zona é terminato, il mio tempo da stalker si é concluso e ora vi scrivo dalla Stanza in attesa che il mio desiderio si realizzi, continuando a trattare dei luoghi grotteschi, giungeremo al prossimo(,) Pandemonium: il Trionfo della Morte e il suo parallelismo tra finzione e realtà.

Principio Inesorabile dell'Orizzonte degli Eventi - Atto I

FINE

Articolo ed illustrazione del professor Aaron Rizla presso Miskatonic University (Arkham, Essex Massachusetts)

...eat me alive (Recensione "Apocalypse Domani")

Il tema del cannibalismo ha sempre suscitato grande interesse nel nostro panorama cinematografico. A cavallo fra gli anni 70 ed 80, numerosi autori di genere come Sergio Martino ("La montagna del dio cannibale”), Umberto Lenzi (“Il paese del sesso selvaggio”, “Mangiati vivi!”, “Cannibal Ferox”), Joe D'Amato (“Antropophagus”), influenzati dall'enorme successo del magnifico “ Cannibal Holocaust” di Ruggero Deodato, decisero (sotto l'influenza della scalpitante produzione italiana) di mettere in scena i propri “mangiatori di uomini” nelle pellicole sopracitate. Caratteristica comune di questo sotto-genere era (anzi è, come ci ha dimostrato Eli Roth nel suo notevole “ The Green Inferno” ) un'ambientazione prevalentemente “selvaggia”, fatta di giungle e villaggi, con il verde della vegetazione in primissomo piano, accompagnato dal rosso del sangue e della carne dei malcapitati di turno, fino a far prevalere quest'ultimo, con scene di violenza estramamente efferata, che unite, appunto, al “taboo” del cannibalismo, contribuivano a shockare lo spettatore, fino ad allora abituato ai ben più “semplici” zombie movie

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Possiamo dire che questo shock provato dallo spettatore non sia dato tanto dall'atto, già inquietante di per sé, ma ormai non più inedito, di “essere divorati”, ma piùttosto dal sapere “chi divora chi”. Un morto che mangia un vivo è sì inquitante, ma non provoca quella sensazione di disagio che crea vedere un vivo mangiare un vivo, ed è questo il fattore che, molto probabilmente, ha portato al successo il filone in questione.  Ma come per ogni genere, non tutti i film che vi appartengono seguono le medesime convezioni. Siamo tra il 79 e l'80 quando il grande regista romano Antonio Margheriti decide di evitare lo stiole ormai rodato del cannibal movie, girarando “ Apocalypse Domani”. Il titolo già suggerisce una tematica importante, quella del conflitto bellico, delineato alla perfezione da Francis Ford Coppola l'anno prima, con l'indescrivibile “ Apocalpse Now".

La storia è quella del capitano Norman Hopper (interpretato dal grandissimo John Saxon), reduce del Vietnam rimasto traumatizzato dalla visione di due suoi commilitoni, prigionieri dei vietcong, intenti a sbranare il corpo di una giovane. La situazione degenera quando uno di questi due, Charlie Bukowski (Giovanni Lombardo Radice) evade dall'ospedale psichiatrico nel quale era rinchiuso seminando il panico per le strade della città, in un delirio di violenza provocato dalla drammatica esperienza della guerra e da una strana fame che lo pervade. È solo l'inizio di un terribile incubo.

Possiamo già notare da questa trama quella rottura di convenzioni che accenavamo prima. Qui l'ambientazione (fatto salvo per i primi, folgoranti, cinque minuti del film) è esclusivamente urbana, andando ad esplorare la città in ogni suo angolo, dalle strade, alle stazioni di polizia, agli ospedali e persino alle fogne. E' l'incubo dell'uomo-mangia-uomo, normalmente considerato come appartenente ad una realtà estramamente tribale e sottosviluppata, trasportato nella nostra “civiltà”, nel nostro mondo, non più esclusivo di terre lontane e, fortunatamente, irraggiungibili.

 

Ma la nostra è davvero una “civiltà” tanto migliore? Sembra questa la domanda che Margheriti vuole fare al pubblico. E' da considerarsi civile un paese che manda al macello i propri cittadini per un benessere superiore, che li fa uscire di testa, per poi piazzarli in delle cliniche psichiatriche? Non è forse anche questa una forma di cannibalismo? Così fosse, parleremmo di un cannibalismo certamente peggiore di quello indigeno, perché non provocato dagli istinti corporei, ma dagli interessi, per i quali siamo disposti anche a “ mangiarci ” fra noi.Tuttavia, dal momento in cui stiamo parlando comunque di cinema di genere, vien da sé che queste tematiche profonde non rappresentano il perno centrale della pellicola, ma solo il contorno di un secondo piatto abbondante a base di

Le scene splatter, infatti, sono innumerevoli ed estramamente crude, in alcuni casi persino gratuite, oltre che molto convenienti, frutto del lavoro del veterano Giannetto De Rossi, un nome che a molti lettori del nostro sito risulterà estremamente familiare. Per dare ancora più forza alle scene più violente, Margheriti predilige una regia retta prevalentemente dai primi piani e dai dettagli dei particolari più cruenti, come ad esempio nella scena, ormai divenuta cult, del “buco nella pancia”, in cui la macchina da presa inquadra, attraverso lo stomaco della vittima, i poliziotti intenti a sparare).

 

Altro elemento interessante è sicuramente la caratterizzazione e l'evoluzione dei personaggi principali, soprattutto quella del protagonista, che porterà lo spettatore a non essere mai totalmente dalla parte di qualcuno, rendendolo un osservatore passivo delle vicende in atto, vicende nelle quali anche i personaggi appartenente meno importanti iniziano ad avere un loro ruolo sempre più fondamentale, culminando in un finale dove capiamo, anche quando sembra tutto finito, che l'Apocalisse , una volta scatenata, è inarrestabile, e soltanto Domani ce ne accorgeremo.

Articolo di Andrea Gentili

Scontro tra titani (Focus on "Godzilla vs Gamera")

Gamera é un kaiju simile a Godzilla, anche per poteri, molto antico e alleato dell'umanità. É protagonista della sua longeva serie di film, iniziata nel 1965, e prodotta dalla Kadokawa (ex Daiei), rivale della Toho.

Il personaggio é da sempre servito come "rivale" di Godzilla per la casa di produzione ed esiste una rivalità dietro le quinte da oltre 50 anni oramai. Questa rivalità economica si é però raramente mostrata in uno scontro effettivo tra i due mostri che continua ad esser sognato dai fan che sperano, nel MonsterVerse, in un modo per vedere i due rettili giganti più amati del Giappone scontrarsi, finalmente.

A marzo 1970, per 10 notti, all'Expo di Osaka, in Giappone, venne presentato uno spettacolo live-action dove i due titanici rivali di botteghino, Godzilla e Gamera, si scontravano, finalmente, per la prima e, tristemente, ultima volta in via ufficiale.

A giugno 1979, invece, la rivista nipponica "TV Magazine" paragonò i due mostri in modo da decretarne un vincitore. Bob Eggleton disegnò inoltre uno scontro tra i due kaiju per la copertina del numero 262 di "Famous Monsters in Filmland".

Nonostante queste basi, quando nel 2002 la Kadokawa contattò la Toho per un crossover tra Godzilla e Gamera, quest'ultima declinò l'offerta e tutto finì lì.

Ora, la saga di Gamera ha avuto il suo ultimo capitolo nel 2016, per i 50 anni, sottoforma di un corto in quanto non abbastanza il budget per un lungometraggio come si sperava. Sono 3 anni che del personaggio non vi sono notizie.

Godzilla vs Gamera di Xia Taptara 

Eppure, in "Godzilla II - King of the Monsters" avviene qualcosa che potrebbe ricollegarsi a due delle versioni delle origini di Gamera, ma, badate bene, é solo una teoria e, badate bene, contiene potenziali spoiler per la pellicola sopraccitata:

Godzilla, dopo la bomba H, si rifugia in un'antica città sottomarina senza nome, confermando che miti come quello di Atlantide esistono davvero. Avvicinatosi ad un luogo dove nutrirsi di energia radioattiva, il mostro viene aiutato da Serizawa che, sacrificandosi, detona una testata nucleare per sfamarlo.

Nei film, Gamera é stato creato dagli atlantidei, secondo alcune versioni, e nel primo film si risveglia a seguito di una bomba nucleare lanciata in mare durante uno scontro tra americani e sovietici.

Magari, la città senza nome, non era rifugio solo di Godzilla, ma anche di un altro kaiju assopito, risvegliato dalle stesse radiazioni che hanno rinvigorito il Re dei Mostri.

Gamera MonsterVerse style di eatallot

Improbabile, ma certamente, assai entusiasmante da pensare.

Articolo di Robb P. Lestinci

Kaiju dallo spazio profondo (Focus on "A Space Godzilla")

Bene o male tutti siamo familiari con Godzilla e con le diverse interpretazioni del personaggio, lo abbiamo visto anche solo di recente in ben due incarnazioni: quella filo-horror in ambiente realistico di "Shin Godzilla" e quello visivamente enorme americano di "Godzilla" e "Godzilla II: King of the Monsters", ma oggi non voglio parlarvi di queste versioni, né di quelle dei film precedenti con le quali alcuni di voi potrebbevero aver dimestichezza.

Oggi parliamo di un racconto breve del 1979, scritto Sakio Hirata, basato su una storia di Nobuhiko Obayashi e Mitsutoshi Ishigami, ed illustrato da Katsuhiro Otomo e Nobuyuki Shiroyama, "A Space Godzilla", il racconto che sarebbe dovuto diventare il sedicesimo film di Godzilla che mai vide luce.

La storia ruota attorno ad una razza aliena che vive nel Pianeta Godzilla attaccata da una razza rivale, i Suneriani, alieni giganti dalle gambe di capra, corpo e faccia di donne e collo di serpente, che ne distrugge gran parte degli individui.

Tra i pochi più di 10 mila abitanti spicca Rozan, madre di un bambino non ancora nato e moglie di Kunin. Quest'ultima, dovuta allontanarsi a causa della razza malvagia, finisce sulla Terra. Dissezionata dagli umani, si rigenera e comunica telepaticamente con loro, spiegando di star morendo di diabete e di necessitare aiuto per tornare al suo pianeta natale.

Trasformata in una navicella spaziale dagli umani, ritorna nel Pianeta Godzilla, dopo uno scontro con i Manto, creature incappucciate di nero, dove può finalmente dare alla luce Lilin, suo figlio, un Godzilla bianco. Nonostante ciò, la pace é breve ed anni dopo Gamoni, leader dei Suneriani, rapisce Lilin per rievocare i ricordi dei genitori della Terra, intenzionato ad attaccarla utilizzando le stesse onde radio che avevano ammassato i Godzilla permettendone il massacro.

Iniziata una nuova guerra tra Godzilla e Suneriani, Rozan viene distrutta al punto di non potersi più rigenerare, ma è vendicata da Lilin e Kunin che decapitano Gamoni gettandone la testa nell'acido solforico. Oramai vincitori e padroni del proprio mondo, i Godzilla superstiti possono riprendere le proprie vite in tranquillità senza più alcuna minaccia da debellare, ma Lilin, a fine racconto, afferma di voler tornare a visitare il pianeta che lo aveva salvato: la Terra.

L'idea di un'origine aliena di Godzilla era una delle due in lizza negli anni '70, con l'altra di origine divina che sarebbe dovuta essere trattata in un romanzo ("Godzilla: God's Angry Messenger") mai pubblicato, ma alla fine si é preferito per dare origine terrena alla creatura senza interventi esterni o divini di alcun tipo.

A quanto pare il film era già in lavorazione quando venne cancellato, al punto che nel racconto pubblicato sulle pagine dello Starlog Magazine si parlava dell'intera crew della pellicola rivelandone i nomi e annunciando che venne creato un costume per Kukin.

Costume di Kukin creato per il film mai girato

Un vero peccato, insomma, che non vedremo mai sul grande schermo questa versione di Godzilla molto diversa da quella che siamo abituati a pensare ed, ironicamente, anche la più forte grazie le sue capacità rigenerative e letteralmente di muoversi nello spazio-tempo, con una storia prettamente fantascientifica dove la storia umana è marginale, qualcosa di davvero nuovo.

Ma non pensate che con "A Space Godzilla" abbiamo finito, anzi, questo post va considerato solo come un'introduzione, ho in mente un progetto bello corposo legato a questo particolare pezzo di media del re dei mostri, nel frattempo, ditemi: Sapevate della sua esistenza? Avreste visto un film del genere? Fatemelo sapere con un commento e mi raccomando, Lunga vita al Re.

Articolo di Robb P. Lestinci