Ora può colpire anche te (Retrospettiva di ''Alien 2 - Sulla Terra)

Siamo nel 1979 in Piazza Cavour, a Roma, il produttore e sceneggiatore Ciro Ippolito è appena uscito dal cinema Adriano dopo aver assistito insieme al suo montatore a una proiezione del leggendario Alien di Ridley Scott. I due rimangono molto colpiti dal film e ad Ippolito, notando un grande cartellone pubblicitario dello Zombi 2 di Lucio Fulci, viene un'idea che si concretizzerà in un vero e proprio cult. Così come il primo horror di Fulci sfruttava quello che era il titolo (per il mercato italiano) del Dawn of the Dead (1978) di George A. Romero per due film che, a conti fatti, non avevano nulla a che vedere l'uno con l'altro (nonostante ciò Fulci riceverà una lettera da parte di Romero e di Argento, che si era occupato della distribuzione internazionale del film, in cui verrà accusato di averne cavalcato l'onda del successo e alla quale risponderà con notevole vis polemica); Ippolito pensò bene di realizzare un seguito apocrifo del fantahorror di Scott. Proposta l'idea all'amico produttore Angiolo Stella, e una volta scoperto che la Fox non aveva ancora depositato i diritti di Alien, Ippolito riuscì a convincere i distributori del film di Fulci a concedere a lui e Stella un budget di 400' 000 000 delle vecchie lire.

A detta di Ippolito stesso, appena lasciati gli uffici dei finanziatori lui e Stella acquistarono due macchine e partirono per un viaggio di quindici giorni a Cannes dove spesero fino all'ultimo centesimo. Casualmente però Ippolito incappò in un servizio televisivo sulle grotte di Frasassi (Marche), che gli fece venire l'idea di risparmiare i costi della sua prossima fatica ambientando la storia sotto terra anziché nello spazio. Grazie alla scusa delle spese che una tale scenografia avrebbe richiesto, Ippolito e Stella riuscirono a rimediare qualche altro milione dai loro finanziatori e così avviarono la produzione. Per i primi sette giorni di riprese nelle grotte di Castellana (Puglia) il regista fu Biagio Proietti, che successivamente abbandonò il set per dei fraintedimenti con i produttori. 

 A questo punto Ippolito offrì la regia a Mario Bava, il quale però dovette rifiutare per altri impegni e invitò il produttore a girarlo lui stesso. Ippolito era titubante, principalmente perché non aveva idea di come realizzare l'alieno, e così Bava gli consigliò di farlo con la trippa come lui aveva già fatto per la creatura protagonista di Caltiki il mostro immortale (1959). A questo punto la torcia passò a Ippolito, che debutterà come regista con lo pseudonimo di Sam Cromwell. 

La realizzazione del film procedette non senza problemi: in un'occasione, ad esempio, la crew venne arrestata dalla digos perché denunciata dagli abitanti del palazzo del garage in cui giravano per risparmiare poiché, tra urla e sangue finto, si credeva avessero ammazzato qualcuno. Così nacque Alien 2 - Sulla Terra (1980). Il film racconta, in maniera molto confusionaria e frammentata, del rientro di due astronauti da una missione spaziale che portano con sè delle misteriose uova azzurre dalla forma di pietre contenenti dei feroci organismi alieni. Contemporaneamente la nostra protagonista, Thelma, viene intervistata da un'emittente televisiva circa la sua passione per la speleologia e scopriamo che la giovane ha dei poteri extrasensoriali quando si sente male in diretta per una minaccia incombente (un po' come la medium all'inizio di Profondo Rosso). 

Il film dunque si apre con una serie di filmati di repertorio tagliuzzati e rimontati tra loro, in totale disarmonia con le altre scene, per mostrarci il ritorno della capsula degli astronauti che però viene ritrovata vuota. Thelma e il suo gruppo di amici (tra i quali c'è un giovane Michele Soavi, prima di diventare il pupillo di Argento e iniziare la propria carriere di regista horror) decidono di dedicarsi all'esplorazione di una cavità sotterranea nel deserto. Per qualche motivo non meglio specificato le uova si sono sparse ovunque, anche intorno alla zona in cui si recano i nostri protagonisti (nonostante sia a 60 miglia dal punto di rientro della capsula), e dunque nelle profondità della terra i giovani esploratori verranno braccati da questi essere mostruosi. 

La povertà di budget si vede per tutto il film, per fare minutaggio è pieno di sequenze inutili ai fini della narrazione e sommariamente collegate tra loro che si protraggono all'infinito in una sequela di scene che fanno perdere alla storia un ritmo vero e proprio. Dalla prima all'ultima scena è accompagnato da una strana colonna sonora, gratuitamente energica e vivace, che non si sposa particolarmente con quella che dovrebbe essere l'atmosfera generale.

Le sequenze gore/splatter in cui assistiamo agli attacchi di questi bizzarri mostri rossi fatti di trippa (che dovrebbero ricordare vagamente i chestburster della saga di Alien) sono giusto un paio in tutto il film, e gli effetti di queste creature sull'organismo umano ricordano più quelli della cosa di Carpenter piuttosto che degli xenomorfi. L'intuizione più grande da parte di Ippolito, probabilmente, è stata proprio l'ambientazione sottorranea suggestiva e claustrofobica; tant'è che, quando nel 2005 uscirà The Descent di Neil Marshall, tenterà di querelare i produttori del film per delle somiglianze con la storia di Alien 2 (perdendo poi la causa). 

Una volta uscito nelle sale, il primo film di Ippolito verrà accolto da critiche prevalentemente negativamente eppure otterrà pian piano un certo successo di pubblico in tutto il mondo. La 20th Century Fox tenterà di boicottarlo invano, un po' per la questione dei diritti non ancora depositati un po' per l'abilità dei legali di Ippolito. Infine il colosso americano finirà per comprarne i diritti per la distribuzione statunitense per battere il ferro finché caldo e per occuparsi personalmente di farlo sparire in fretta dalla circolazione per cominciare la produzione del vero seguito di Alien, che sarebbe uscito solamente sei anni dopo.

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Nostra Signora delle Tenebre

 "Ma la terza sorella, che è anche la più giovane...! Ssst! Abbassiamo la voce quando parliamo di lei. Il suo regno non è grande, altrimenti non vi sarebbe più vita; ma dentro quel regno il suo potere è assoluto. Il suo capo, coronato di torri come quello di Cibele, si erge fin quasi a celarsi allo sguardo. Non si china mai; e i suoi occhi sollevandosi così in alto potrebbero esser nascosti dalla distanza. Ma, quali essi sono, non possono essere nascosti; attraverso il triplice velo di crespo che ella porta, la fiera luce di un'ardente sofferenza, che mai non ha posa al mattutino o ai vespri, al mezzodì o alla mezzanotte, alla marea crescente o alla marea calante, può esser veduta da terra. Ella sfida Iddio. Ella è anche la madre delle follie; l'ispiratrice dei suicidi. Molto si affondano le radici del suo potere; ma ristretto è il numero di coloro su cui domina. Poiché ella può avvicinare solo coloro in cui una natura profonda è stata sconvolta da un'intima convulsione; coloro in cui il cuore trema e il cervello vacilla sotto i colpi combinati di tempeste interne ed esterne. Madonna si muove con passi incerti, rapidi o lenti, ma sempre con tragica grazia. Nostra Signora dei Sospiri si trascina timida e furtiva. Ma questa più giovane sorella si muove con moti imprevedibili, a scatti e con salti da tigre. Non porta chiavi; poiché sebbene venga di rado fra gli uomini apre a forza tutte le porte che le è permesso di varcare. Il suo nome è Mater Tenebrarum, Nostra Signora delle Tenebre."

(Thomas de Quincey, Suspiria De Profundis, 1845)

Dopo l'enorme successo di "Suspiria", Dario Argento e Daria Nicolodi iniziarono a lavorare su un sequel tematico, chiamato Inferno, che avrebbe costituito la seconda parte di quella che è conosciuta come la trilogia de "Le Tre Madri", concentrandosi, stavolta, sulla figura di Mater Tenebrarum piuttosto che sulla Madre dei Sospiri. Si dice che la sceneggiatura sia stata scritta da Argento mentre alloggiava in un albergo a New York (con vista al Central Park), basandosi sul 'basic plot' scritto da Daria Nicolodi, a quel tempo sua moglie.

TRAMA

La storia di "Inferno" ruota intorno a "Le tre madri", una raccolta di frammenti latini dell’architetto e alchimista Emilio Varelli, che è stato convinto con l’inganno a costruire le dimore per le tre sorelle. Il libro viene acquistato dalla giovane poetessa Rose Elliot (interpretata da Irene Miracle), che leggendolo ne rimane talmente colpita da cominciare a sospettare che il palazzo dove abita sia la dimora di Mater Tenebrarum, la più giovane e crudele delle tre sorelle. La ragazza decide allora di comunicare le sue preoccupazioni in una lettera che spedisce a suo fratello Mark (interpretato da Leigh McCloskey), uno studente di musicologia che frequenta un conservatorio a Roma.

A causa di una distrazione del ragazzo però la lettera finisce nelle mani di Sara (interpretata da Eleonora Giorgi), una sua compagna di corso. La giovane rimane talmente colpita dal contenuto della lettera da recarsi in una biblioteca in Via dei Bagni per recuperare una copia de "Le tre madri", scoprendo quasi per caso la dimora di Mater Lacrimarum (interpretata da Ania Pieroni), che, oltre a venir citata all’inizio del film, compare in alcune scene nelle vesti di una semplice studentessa universitaria. 

Dopo essere sfuggita a una misteriosa figura nella biblioteca, la ragazza cercherà di comunicare a Mark la sua scoperta ma verrà uccisa nella sua camera prima che possa rivelare qualsiasi cosa. Il killer inoltre distrugge la lettera di Rose, lasciando solo un frammento indecifrabile per il ragazzo. Anche Rose viene uccisa quella stessa notte, dopo aver tentato inutilmente di telefonare il fratello. Attirata in una parte nascosta del palazzo, verrà brutalmente decapitata da una figura malefica in una delle scene più iconiche del film.

Pochi giorni dopo, Mark si recherà a New York per indagare sulla scomparsa della sorella. Entrando nel palazzo dove Rose ha passato i suoi ultimi giorni, il ragazzo proverà sulla sua stessa pelle la crudeltà di Mater Tenebrarum (interpretata da Veronica Lazar), che nel film veste i panni di una giovane infermiera che accompagna il vecchio professore muto George Arnold (interpretato da Feodor Chaliapin), che si scoprirà poi essere l’architetto Varelli. Nella seconda parte del film, infatti, la trama perde quei pochi elementi investigativi iniziali per trasformarsi in un horror puro, dove l’esecuzione registica delle morti dei personaggi farà da padrone nella pellicola. 

Questo però porta anche a una rapida accelerazione della storia verso il finale, con Mark che, seppur abbia raccolto pochi indizi su Le tre madri, riesce comunque a decifrare il frammento della lettera di Rose e a scoprire il passaggio segreto che lo condurrà nella dimora di Mater Tenebrarum. 

Anche il finale risente di questa brusca accelerazione, rivelandosi quasi banale. Mark infatti riuscirà a sfuggire alla strega, mentre quest’ultima morirà tra le macerie del palazzo in fiamme dopo aver rivelato il suo vero aspetto.

PRODUZIONE

Nonostante il film sia prevalentemente ambientato a New York, in verità le riprese si sono svolte a Roma. Nella produzione del film erano coinvolti Mario e Lamberto Bava come aiuto-regista, di cui il primo era anche l'autore dei bellissimi effetti speciali presenti nella pellicola, trai quali la realizzazione di alcuni degli sfondi tramite l'uso di cartoni del latte con fotografie attacate sopra, così come di alcuni modellini, come parte dell'appartamento di Rose, lo stesso modellino che prenderà fuoco verso il finale della pellicola. Per la colonna sonora Argento collaborò con Keith Emerson invece che con i soliti Goblin (che avevano già lavora a "Suspiria"). L'intera soundtrack, dai toni più leggeri e solenni, quasi religiosi, rispetto a quella del film precedente, è stata rilasciata completa solamente nel 2018 in due LP. 

ANALISI TECNICA

Dal punto di vista tecnico Argento è probabilmente prossimo a raggiungere una perfezione stilistica senza precedenti nella sua carriera. Già nel precedente "Suspiria", il maestro romano aveva spinto il suo cinema verso nuovi orizzonti, abbandonando per il momento il thriller/giallo, un genere che senza ombra di dubbio rappresentava un freno e una gabbia per quel lato più espressivo e “pittoresco” che il talento di Argento era in grado di offrire alla settima arte, dovendo difatti adattare l’aspetto tecnico alle necessità degli eventi tradizionalmente intrecciati e consequenziali tipici del giallo. Con Inferno ciò avviene perfezionato e ampliato, portando il fattore visivo ad una posizione di assoluta priorità, grazie ad un comparto registico che fonde sapientemente stilemi tipici del maestro Mario Bava ad elementi, ovviamente, hitchcockiani. Ed è così che il maestro si distacca in maniera importante da qualsiasi coerenza di sceneggiatura.

Il Cinema, quello vero, quello delle origini, prende improvvisamente il sopravvento, dettando le nuove priorità per le quali sono le immagini ad essere considerate il perno intorno al quale ruotano gli eventi; eventi che, senza dubbio, restano marginali, dei veri e propri macguffin col solo scopo di portare avanti la scarna storia. 

Il montaggio, difatti, agisce coerentemente seguendo il binario tecnico intrapreso da Argento sin dai primi minuti, dove immagini di morte e crudeltà vengono contrapposte tramite montaggio parallelo alla morte del personaggio in scena, caricando il film di una visione cinematografica quasi alla Ejzenstejn, che per certi versi ricorda il bue ucciso al mattatoio nella famosa sequenza di "Sciopero!", dove gli operai venivano trucidati dalla polizia, esattamente come l’animale dai macellai.

"Sciopero!" (URSS, 1924, regia di Sergej Michajlovič)

Mai come in questo film Argento decide di dotare le immagini di una loro esclusività, portandole ad uno stato primordiale. E di conseguenza la paura è figlia di ciò che concretamente vediamo sullo schermo, del sangue che scorre man mano che i fotogrammi scorrono a loro volta, dei colori accesi che come in "Suspiria", tramutano il luogo di disavventura in un luogo quasi uscito da un sogno (o incubo se vogliamo).

Ma, la creazione del film non è stata tutta rosa e fiori: Argento si ammalò di epatite e fu costretto a letto, il che, giustamente, complicò la produzione di Inferno. Inoltre, lo stuntman che doveva girare l'ultima scena si ruppe una gamba, e quindi fu proprio l'attore Leigh McCloskey a dover girare quell'adrenalinica sequenza.

DISTRIBUZIONE E CENSURA

Illustrazione originale di Cristiano Baricelli

Se avete buona memoria e se avete letto il nostro precedente articolo corale dedicato a "Evil Dead" dovreste ricordarvi cosa sono i 'video nasties'. Per ricapitolare, li abbiamo definiti come delle "liste di proscrizione" in cui rientravano tutti quei film (generalmente horror a basso costo o exploitation), distribuiti al tempo in home-video in Regno Unito, ritenuti talmente scandalosi da essere pesantemente censurati e nei casi più estremi banditi. Questo fu il destino che toccò al film di Raimi così come a "Inferno" di Argento. Il British Board of Film Classification (al tempo noto come British Board of Film Censors) è l'organizzazione che si è sempre occupata della revisione e dell'eventuale censura delle pellicole UK, così come di quelle importate. A causa dei reclami che ricevette a cavallo tra gli anni '70 e gli anni '80 riguardanti i contenuti scabrosi di molti film di genere, che al tempo stavano venendo massicciamente distribuiti in cassetta, nel parlamento inglese venne passato il Video Recordings Act (1984) legge che imponeva un rigido codice censorio su cui si sarebbe dovuto basare da allora in avanti il BBFC. 

Al di fuori della giurisdizione di questo atto si trovavano solamente i lavori di carattere sportivo, musicale o in generale educativo mentre venivano osservati e rimaneggiati tutti i film contenenti eccessiva attività sessuale, mutilazione/tortura di umani o animali, rappresentazione di organi genitali e degli atti di minzione ed escrezione e di tecniche utilizzabili per perpetrare attività illecite. "Inferno" non è stata la prima opera di Argento a essere passata sotto le mani del BBFC, che già aveva notato la tendenza del maestro romano a concentrarsi su lente, dolorose ed eleganti uccisioni ma in questo caso l'organizzazione britannica non operò per le scene cruente che il film conteneva bensì per la raffigurazione della violenza sugli animali (punto sul quale il BBFC è irremovibile ancora oggi, mentre ha fatto notevoli passi avanti per quanto riguarda la violenza e il sesso). Una buona porzione dell'atto centrale è infatti dedicata all'antiquario Kazanian che, esausto per il grande numero di gatti randagi che infestano i dintorni del suo negozio, in un atto di follia ne cattura diversi e li chiude in sacco per poi affogarli in una zona paludosa di Central Park. Per non parlare della morte del personaggio intepretato da Daria Nicolodi che, nella finzione della storia, viene assalita da uno stuolo di gatti che però sul set venivano letteralmente presi e lanciati contro di lei. 

Oltretutto a un certo punto la macchina da presa si sofferma sul particolare di uno dei felini che sbrana realmente un topo, che viene ridotto a brandelli. Non è la prima volta che in un film di Argento è presente la tematica della violenza sugli animali: ne "L'Uccello dalle Piume di Cristallo" l'autore dell'inquietante quadro naïf diceva di cibarsi dei suoi gatti; mentre in "Profondo Rosso" ci venivano mostrate lucertole trafitte da spilli e lotte tra cani.

Di conseguenza appare scontato che la distribuzione home video di "Inferno" abbia una storia piuttosto complessa: il film fu rilasciato in formato VHS negli Stati Uniti nel 1985 dalla sussidiaria della Fox, Key Video (oggi conosciuta come CBS/Fox Video); questa versione priva di tagli ha una durata totale di 107 minuti, ma a causa di un errore di battitura sulla scatola, che segnava una durata di 85 minuti, portò molti a pensare che la Fox avesse tagliato 25 minuti di filmato per la distribuzione globale.

La versione rilasciata nel Regno Unito, invece, manca della già descritta sequenza di 20 secondi in cui un gatto mangia un topo vivo, a causa del Cinematograph Films (Animals) Act del 1937, che proibisce la distribuzione di filmati in cui viene inflitto dolore a veri animali. La scena tagliata fu però reinserita nel DVD rilasciato dalla Arrow Video nel 2010. La versione più completa è quella rilasciata dalla Anchor Bay in formato DVD negli Stati Uniti, giunta in Italia solo nell’ottobre del 2007.

Non furono altrettanto fortunati i cinema esteri, che dovettero aspettare il 1986 per proiettare una versione estremamente ridotta della pellicola; Dario Argento, in un’intervista con Maitland McDonagh, ipotizzò che il ritardo fu dovuto ad un inaspettato cambio di gestione dei Fox Studios, che danneggiò non solo "Inferno", ma svariate altre pellicole, lo stesso regista dichiarò che “chiunque al di fuori dell’Italia è stato molto fortunato a vedere Inferno”.

EREDITÀ

Illustrazione originale di Aaron Rizla e Oliviero

Il successo di "Inferno" non fu immediato, anzi, inizialmente non solo ebbe un rilascio molto limitato a causa di dispute con la censura, risultando in un fallimento economico per il regista romano, ma venne demolito anche dalla stessa critica che aveva così tanto lodato il suo lavoro precedente, venendo velocemente dimenticato o del tutto ignorato dal pubblico dell'epoca. Il problema principale del film fu il dover regger il paragone proprio con "Suspiria", un film che rapidamento era entrato nell'immaginario collettivo e che si era imposto come un nuovo classico del cinema horror internazionale: molti critici furono infelici nel constatare il cambio di tono, così come l'aver sostituito alla musica sopra le righe dei Goblin una composizione più classica, ispirata a Verdi. Nel corso degli anni il ricordo di "Inferno" si affievolì fin quando diversi critici contemporanei non ne parlarono nuovamente, riscoprendo un gioiello del passato che era stato oramai sepolto da diverso tempo. Nel 2005, la rivista Total Films, lo inserì nella sua lista dei 50 film horror migliori di tutti i tempi, mentre Kim Newman, vincitore di un Bram Stoker Award, di un International Horror Guild Award e di un premio BSFA, definì "Inferno" il film horror più sottovalutato dell'intera decade degli anni '80. 

Nonostante il primo flop, però, Dario Argento era intenzionato a realizzarne un sequel e così, nel 1984, Daria Nicoldi, iniziò la prima stesura per il nuovo progetto del maestro dell'orrore, terzo ed ultimo capitolo della trilogia de "Le Tre Madri", un film che, oltre vent'anni dopo, sarebbe stato considerato il chiodo nella bara di Argento, un flop che non sarà mai rivalutato dalla critica dal titolo di "La terza madre".

La terza madre, illustrazione originale di Cristiano Baricelli 

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Pulsazioni primitive - La realtà che supera la finzione (Retrospettiva di "Cannibal Holocaust")

“Caro Ruggero, questo sarà il tuo cavallo di battaglia, ma ti causerà gravi problemi con la giustizia!”

Sergio Leone in una lettera a Ruggero Deodato

Ci siamo già immersi in passato nel macabro universo dei Cannibal Movies, affrontando due dei film che più di tutti cercavano di distaccarsi dagli elementi più classici e tipici del genere, ovvero Apocalypse Domani di Antonio Margheriti e Antropophagus di Joe D’amato, che andavano ad abbandonare l’ambientazione esotica tipica dei capostipiti del (sotto)genere, per collocare le loro storie un un melieu più urbano e rurale.

Ed è tra questi capostipiti che troviamo il celeberrimo Cannibal Holocaust, uscito nel 1980 per la regia di Ruggero Deodato. 

Un gruppo di video reporters vengono dati per dispersi dopo una spedizione nella Foresta Amazzonica. Un antropologo decide di andare alla ricerca dei giovani, probabilmente finiti nelle mani di un gruppo di tribù indigene che si dice professino il cannibalismo…

Un film censurato, odiato e massacrato da gran parte del pubblico medio per molteplici motivi, che paradossalmente hanno contribuito alla costruzione di un’aura “mitica” intorno al film, che sicuramente lo ha portato ad un successo incredibile, soprattutto negli ultimi anni, consacrandolo come cult assoluto fra le file degli appassionati e non.

Ma da dove proviene il successo del film?

Sicuramente ci sono varie motivazioni. Se intendiamo considerare la parola “successo” come un sinonimo di “popolarità”, per chi conosce la storia di quest’opera non sarà difficile trovare una risposta. Le violente uccisioni (reali) di diversi animali durante la produzione del film lo hanno portato numerose volte al centro dell’opinione pubblica, sia a quella contemporanea al film stesso che a quella dei giorni nostri, circondando la pellicola di un’atmosfera marcia e sinistra, dove anche il solo sentirne parlare riesce a provocare sensazioni di timore e disgusto.

Se invece ci limitiamo a considerare il successo nel suo significato più “tecnico”, allora possiamo tranquillamente dire che il film deve la sua fortuna alla messa in scena e gli espedienti narrativi estremamente rivoluzionari, sia per l’epoca che per i periodi più recenti. La narrazione è radicalmente divisa in due parti, con la prima totalmente incentrata sulla ricerca di un gruppo di reporter misteriosamente scomparsi nel cuore della Foresta Amazzonica da parte di uno studioso universitario (salvo una piccola cornice iniziale realizzata seguendo gli stilemi di un servizio telegiornalistico), ed una seconda dove vediamo il girato della troupe che il ricercatore ha trovato tra i resti dei malcapitati. 

È proprio con questo film che vediamo la nascita del “found-footage” che vedrà il suo boom alla fine nel primo decennio del 2000. Una sorta di manoscritto ritrovato adattato con gli stilemi della settima arte ed in maniera incredibilmente non acerbo. Deodato perfeziona già questo stilema narrativo alla prima opera in cui questo viene messo in atto, dotandolo di una coerenza ed un realismo che, senza alcun dubbio, non è riscontrabile in quasi nessun dei film più recenti che usufruiscono di questo stilema. 

È interessante anche vedere come nel film non si voglia esclusivamente mettere in scena una violenza esclusivamente gratuita, ma si voglia anche far riflettere lo spettatore sulla reale o meno “superiorità” dell’uomo occidentale nei confronti di una popolazione retrograda e primitiva, dove anche solo la presenza di un minimo senso di giustizia sembra un traguardo epocale. La brutalità dei reporter, che si scoprirà avere come unico scopo quello di mettere in scena una falsa guerra fra tribù uccidendo uomini donne e bambini in nome di un sensazionalismo spicciolo, e di conseguenza la brutalità di una società estremamente arrivista pronta anche ad uccidere chi consideriamo “meno degno di vivere” perché facente parte di una realtà a sua volta violenta che non riusciamo ad accettare per via dei nostri (pseudo) valori. Crediamo di essere migliori, di far parte di una società migliore e di possedere ideali migliori che ci spingono a considerare (non a caso) animali quelli che in realtà sono esseri umani con una loro dignità. La bellissima scena di sesso dei due protagonisti di fronte agli indigeni superstiti è la summa di queste considerazioni. Loro non sono come noi, quindi non esiste un senso del pudore che dobbiamo rispettare come facciamo normalmente con i membri della nostra medesima società. Sarà poi la sete di vendetta degli indigeni che riequilibrerà il tutto, dove la realtà di un’altra società, quella primitiva e figlia delle, a loro volta, primitive leggi della natura, distrugge la finzione costruita a tavolino dai nostri, una messa in scena da impacchettare e vendere al grande pubblico. 

La dura realtà che supera la finzione.

È nel film nel film, girato in 16mm, proprio per voler marcare ancora di più la differenza fra “finzione” (35mm) e “realtà” (“realtà” comunque fasulla, almeno in parte) che troviamo la maggior parte delle celeberrime e criticatissime scene degli animali, prima fra tutte la scena della tartaruga, dove le (bellissime) composizioni musicali del grande Riz Ortolani accompagnano la scena con suoni sinistri che riescono a trasmettere nello spettatore una sensazioni di profondo disagio. Questo modo totalmente “porn” nel mettere in scena le uccisioni e, a volte, gli smembramenti che molti potrebbero trovare (anche comprensibilmente) inaccettabili, accompagnate da un uso magistrale degli effetti speciali pratici (di Aldo Gasparri) e dal realismo della ripresa (apparentemente) amatoriale, contribuiscono a far trasparire un senso di realismo generale nello spettatore, che riescono a rendere estremamente credibili le scene più horrorifiche che ci apprestiamo a vedere. Altre intuizioni geniali, come ad esempio la scena in cui vediamo una ripresa sbagliata dai cameramen perché “il diaframma non era sufficientemente aperto” sono messe in scena proprio in funzione di questa continua e definitiva ricerca del realismo. E non è un caso, quindi, che nel film troviamo riprese documentaristiche vere e proprie che riprendono le abitudini reali degli indigeni del luogo (come l’uccisione delle scimmiette), o la presenza di caimani e giaguari all’interno della foresta. È probabilmente la prima volta che nel Cinema vediamo un così convincente tentativo di simulare la realtà, portando nello spettatore una sensazione di profondo malessere, quasi una complicità nel vedere un qualcosa di così scorretto e disgustoso, esattamente come quando guarda un reale snuff movie su Bestgore.com.

Non è un caso che lo stesso Deodato affermò, in una breve conversazione al Fi-Pi-Li Horror Festival 2018 con me e un altro gruppo ristretto di persone:

“Quando chiedo a qualcuno cosa è peggio guardare tra un video dell’uccisione di un ostaggio da parte dell’ISIS e Cannibal Holocaust quasi tutti rispondono Cannibal Holocaust”

La realtà che supera la finzione. Ancora una volta.

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Stupri e omicidi dagli abissi (Recensione "Monster - Esseri ignoti dai profondi abissi")

Si sa che quando c’è un B-Movie statunitense, la maggior parte delle volte chi lo produce è Roger Corman. Non a caso, “Monster – Esseri ignoti dai profondi abissi” (1980) è un semi-rifacimento di “Monster from the Ocean Floor” (1954), un horror sci-fi, tipico per l’epoca cinematografica, girato con un budget molto limitato e naturalmente prodotto sempre da Corman (di cui tra l’altro è il suo primo film in veste di produttore).

Era appena cominciato il nuovo decennio con gli anni ’80 e un film che era ancora sulla cresta dell’onda fu “lo Squalo” (1975) del giovane Spielberg, quindi numerosi registi e sceneggiatori si stavano scervellando per riproporre dei prodotti con lo stesso argomento per accontentare il pubblico affamato, ormai, di questo genere. Ne uscirono tantissimi, alcuni più e altri con meno successo. Ma questo film di Barbara Peeters si differenzia molto dalle innumerevoli copie dei film di Spielberg. La regista ci propone una pellicola basata principalmente sul tema della vendetta ecologica, ovvero la cosiddetta eco-vengeance, dove gli animali di turno si ribellano al continuo sfruttamento dell’essere umano. I più celebri del filone sono “Gli uccelli” (1963) di Alfred Hitchcock e “Frogs” (1972), ma si potrebbe andare avanti con una lista davvero sostanziosa. Sicuramente, un’altra principale fonte d’ispirazione per questa pellicola fu il celebre classico di fantascienza di Jack Arnold “Il mostro della laguna nera” (1954) e presumibilmente il film italiano di Sergio Martino “L’isola degli uomini pesce” (1979), soprattutto per il design analogo degli umanoidi.

Per quanto possa sembrare banale da un certo punto di vista, la storia parla di esperimenti scientifici che producono erroneamente una mutazione di alcuni pesci, che diventeranno degli umanoidi del titolo originale, “Humanoids from the deep”. Appunto questi pesci umanoidi portano sangue e terrore in una piccola cittadina. Toccherà, come al solito, ai nostri protagonisti rimediare al problema. 

Un aspetto intrigante ma allo stesso tempo inquietante è che la regista ha usato molta violenza per rappresentare le scene d’attacco. Innanzitutto c’è una quantità di splatter incredibile che, molto probabilmente, farebbe invidia al nostro amato Quentin Tarantino, e in più c’è una particolarità negli attacchi: gli umanoidi attaccano, spesso e volentieri, giovani coppie in momenti intimi, proprio come si usava fare all’epoca con gli slasher dove c’erano assassini mascherati. La prima vittima degli attacchi alle coppie, solitamente, sono sempre gli uomini che muoiono orrendamente mutilati mentre le donne vengono violentate in maniera carnale dagli umanoidi, quasi come se fossero dei maniaci. Una violenza che ha rinnovato e ha portato una ventata d’aria fresca al genere. Anche se questa gli valse il divieto ai minori dei 18 anni in sala. 

Sorprendentemente, gli effetti speciali delle creature umanoidi sono curati alla perfezione da un ottimo Rob Bottin, che in seguito realizzerà degli effetti speciali pazzeschi per il remake di John Carpenter “La cosa” (1982). Bottin ha progettato le creature umanoidi affinché ricordino molto l’aspetto di Gill-man da “Il mostro della laguna nera” (1954), e chissà che non si ispirò anche al nostrano “L’isola degli uomini pesce” (1979). 

La Peeters mette in scena una regia piuttosto caotica, forse data dal montaggio frenetico e poco chiaro nelle scene più violente. Ma questo è solo un piccolo punto a sfavore del film, perché riesce a coinvolgere lo spettatore dall’inizio alla fine, forse giovato dalla ridotta durata (a malapena 80 minuti). 

E pensare che questo “Monster – Esseri ignoti dai profondi abissi” (1980) fu proposto a Joe Dante di dirigerlo ma, purtroppo, quest’ultimo rifiutò. Peccato perché sarebbe stato curioso vedere come Dante avrebbe potuto dirigere una pellicola come questa. Ci sarebbe stato meno gore, prevedibilmente. Una cosa è certa, sicuramente sarebbe stato un film più celebre al giorno d’oggi e in pieno stile “Piranha” (1978). Forse, rifiutò proprio perché era come se rifacesse lo stesso film. 

Il cast non brilla ma ci sono attori del calibro di Vic Morrow, che vedremo ne “L’ultimo squalo” (1980) di Castellari a interpretare il cacciatore/esperto di squali, Doug McClure, noto per aver partecipato a una notevole quantità di prodotti di serie B (parodizzato ne “I Simpson” col personaggio di Troy McClure) e Ann Turkel, che parteciperà a numerose serie per la televisione.

Notevole la colonna sonora di un esordiente James Horner, che accompagna in maniera degna le sequenze drammatiche della pellicola. 

Modesto fu il successo che ottenne ma questo non fermò Corman, che produsse nuovamente il rifacimento “Humanoids from the deep” (1996). La storia è essenzialmente identica, non portando nulla di nuovo se non più violenza ma meno splatter. Il ché non giovò al prodotto, per giunta, televisivo. Per dare un’idea di quanto poco budget sia stato sfruttato per questo rifacimento, hanno rubato e usato nel montaggio alcuni spezzoni degli umanoidi del film originale. 

In conclusione, “Monster – Esseri ignoti dai profondi abissi” (1980) è una pellicola gradevole, coinvolgente e intrigante. Naturalmente, non aspettavi molto e non siate pretenziosi, è pur sempre una pellicola di serie B ricca di spiegoni e sequenze splatter nonostante abbia qualche sequenza che faccia da riempitivo, ma è tutto voluto. Per chi è appassionato di questo genere lo consiglio assolutamente. Non verrete affatto delusi dopo la visione. 

Articolo di Luigi Santomauro

Manifesto cannibale (Recensione "Antropophagus")

Cannibali di città e di campagna               

Dell’importanza ed influenza di Cannibal Holocaust nel genere horror italiano ne abbiamo già parlato nella nostra recensione di Apocalypse Domani di Antonio Margheriti. A cavallo tra gli anni 70’ e gli anni 80’ il cannibal movie si trovava nel suo periodo di maggior splendore, con ben otto pellicole uscite fra il 1978 ed il 1981 le quali, ovviamente, hanno fatto del gore il loro principale “punto espressivo”.  La maggior parte di questi film hanno in comune un utilizzo quasi documentaristico degli ambienti naturali che circondano i loro protagonisti , molto spesso foreste amazzoniche da far diventare il regno del terrore di spietate tribù indigene affamate di carne umana. Tuttavia, come sempre, ci sono le eccezioni. Se anche il film di Margheriti era già inusuale per la sua ambientazione urbana/bellica, Arisitide Massaccesi, in arte Joe D’Amato, ne girerà uno altrettanto insolito, unendovi insieme le caratteristiche dello slasher che tanto stava andando di moda in quel periodo.  Da un soggetto dello stesso Massaccesi e di Luigi Montefiori, meglio noto come George Eastman, il quale scriverà anche la sceneggiatura oltre che recitare nel ruolo del “mostro”, nasce Antropophagus, che diventerà, anche grazie alle sue sequenze estremamente cruente, una delle pellicole simbolo dello “splatter” all’italiana.

Breve sinossi                                                     

Un gruppo di giovani turisti decide di trascorrere le proprie vacanze in una piccola isola nell’arcipelago greco, apparentemente tranquilla. Non sanno che qualche giorno prima quella stessa isola è stata il teatro dell’omicidio di una giovane coppia, trucidata da un misterioso assassino, con un debole per il dolce sapore della carne umana...

L’importanza delle sequenze                  

Partiamo subito con un aneddoto. Il film è stato profondamente massacrato dalla censura di mezzo mondo a causa di alcune sue particolari sequenze considerate eccessivamente forti e pesanti. Quasi paradossalmente il film trova nelle sue scene più crude (e qui parliamo di scene veramente crude) il suo culmine oltre che il fulcro del suo successo negli anni avvenire. E’ indubbio che D’Amato decida di premere forte su questo aspetto (rispettando d’altronde il suo stile) senza perdersi in eccessive caratterizzazioni o introduzioni superflue. Non è un caso che il film inizi mostrando la morte dei due malcapitati turisti  tedeschi con tanto di mannaia conficcata in faccia, utile per far capire allo spettatore quale sarà il tono generale che il film manterrà nel corso dei suoi 89 minuti.  Tuttavia, non staremo qui ad elencare tutte le sequenze più violente, anche perché sarebbe poi alquanto inutile vedere il film. Dall’altro lato, sappiate che nel Regno Unito sono state censurate tutte le sue scene forti, trasformando il film, probabilmente, in un cortometraggio.

Gli aspetti tecnici                     

Per la maggior parte delle pellicole horror di genere del tempo, la tecnica non è mai stato un fattore eccessivamente “importante”. Non si vogliono cercare virtuosismi particolari, piani sequenza mozzafiato o scelte di montaggio geniali. Basta una regia quadrata e un certo gusto nell’inquadratura in grado di supportare l’effetto speciale (questo sì curato in maniera maniacale) che la scena richiede. In Antropophagus assistiamo proprio a questo. Il regista romano, totalmente dedito al cinema di genere, decide di non osare eccessivamente, ma, appunto, di far parlare il sangue, le viscere, la carne, ovvero i veri protagonisti del film. L’asticella della tensione si mantiene comunque alta, grazie anche alla sporchissima fotografia di Enrico Biribicchi, in grado di evidenziare al meglio le bianche rovine del paesaggio greco, la polvere della grande mansione abbandonata, e lo sporco che ricopre i vetri delle abitazioni, impedendo di ammirare il bellissimo panorama marino, aiutato anche dall’insolita idea di girare il film in 16mm, convertito successivamente a 35mm, per le proiezioni in sala.  Ottima persino la colonna sonora del veterano Marcello Giombini, qui a una delle sue ultime apparizioni nella settima arte, mai invadente (ed utilizzata in misura molto ridotta) e posizionata perfettamente nelle scene più simboliche.

L’eredità                                                        

Come numerosi altri film horror prodotti nella nostra penisola Antropophagus si è ritagliato il ruolo di cult assoluto nella cerchia di appassionarti del genere soprattutto, ahimé, stranieri. Il regista tedesco Andreas Shnaas, grande appassionato del cinema di genere italico (a discapito di una tecnica cinematografica poco invidiabile), ne girerà un remake nel 1999 dal titolo Antropohagus 2000, ambientato non in Grecia, ma a Borgo San Lorenzo, in provincia di Firenze. E chissà se forse non ne riparleremo in futuro, sempre qui, su Horror Moth...

Articolo di Andrea Gentili

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